John Baldessari. “Pura belleza” en el MACBA

by • 23 abril, 2010 • Barcelona, Exposiciones, FotografíaComments (0)1595

El Domingo 25 acaba la exposición itinerante de John Baldessari exhibida en el MACBA, después de haber estado en el TATE de Londres y próximamente en el LACMA y después en el Metropolitan Museum of Art de NY.

Baldessari es sin duda uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo, que ha desafiado las convenciones de las prácticas artísticas haciendo un uso insólito del lenguaje y de las imágenes.

La exposición comienza con las obras realizadas por Baldessari los años sesenta, cuando trabajaba de pintor y producía, sobre todo, óleos sobre tela. Estas pinturas son una representación de las que sobrevivieron al infame Cremation Project. El 24 de julio de 1970, Baldessari quemó toda su obra anterior al 1966 que conservaba él, y guardó las cenizas en una urna en forma de libro como testimonio de los hechos. Ese acto tan drástico respondía a las dudas del artista respecto a la forma de arte que dominaba entonces y simbolizó su renacimiento artístico. La composición y el contenido de aquellas pinturas tempranas no eran nunca tradicionales, sino que ya mostraban el ingenioso sentido del humor de Baldessari. Fascinado con la idea de que el arte se pudiera enseñar, Arte Lesson (1964) y Arte Lesson # 3 (1967) ridiculizan los manuales de arte. God Nose (1965), una pintura de estilo pop donde se ve el cielo con una nube y una nariz flotante, juega con el título de la obra y su imaginería. Esta fascinación por el lenguaje se ha mantenido en el trabajo del artista hasta el día de hoy.

El hecho de trabajar en el aislamiento cultural de National City y no en Los Ángeles, el núcleo artístico de California, dio a Baldessari la libertad de hacer lo que quería sin estar sometido al escrutinio de un público. En 1966 empezó a hacer fotografías en un barrio obrero de su ciudad. Las fotos eran intencionalmente mundanas y nada espectaculares, a menudo hechas desde el coche sin mirar por el visor de la cámara. Como antítesis del pop art, Baldessari adoptó una actitud antiheroica a base de documentar acciones ingeniosas en vez de monumentalizar sus temas. Después amplió las fotos y las transfirió sobre telas, y pidió a cartelistas comerciales que pintaran encima textos igualmente prosaicos que identificaran cada lugar. Estas piezas que combinaban foto y texto crearon nuevos significados y tensiones entre imágenes y palabras, y marcaron un punto de inflexión en la trayectoria artística de Baldessari.

Más adelante, Baldessari eliminó completamente las imágenes de sus telas y dejó sólo texto, extraído de diversas fuentes que a veces manipulaba. A Clement Greenberg (1966-1968), se reproduce un texto de este crítico que postula que el arte trata del impacto estético, no de las ideas. En cambio, Everything is Purged … (1966-1968) insinúa lo contrario. A Painting that is its Own Documentation (1966-1968) es una obra en crecimiento constante que hace la crónica de cada exposición, a la que se añaden nuevos paneles cuando sea necesario y como sea necesario.

«Intenté utilizar el lenguaje no como un elemento visual, sino como algo para leer. Así, una nota tomada sobre una pintura podía sustituir la pintura … Intentaba hacer algo de la que no emanara ninguna señal de arte. La única señal de arte que quería era la tela … Pero la estrategia del establo yo. Los otros montaban las telas y las preparaban con una imprimación, las llevaban al cartelista, los textos son citas de libros de arte, y el cartelista tenía instrucciones de no reproducirlos con una composición y una letra atractiva y artística, sino de escribir la información de la manera más simple. ”

Baldessari profundizó en el concepto de autoría con la serie Commissioned Paintings (1969), en la que contrató artistas amateurs para producir pinturas de fotografías de una mano señalando una cosa ordinaria. La serie se inspiraba en una crítica según la cual el arte conceptual consistía básicamente en señalar.

La enseñanza ha sido una parte integral de la vida de Baldessari. En 1970 le ofrecieron una plaza en el reconocido California Institute of the Arts (Cal Arts), donde enseñó junto a coetáneos tan influyentes como John Cage y Nam June Paik. Conocer de cerca su obra y sus medios respectivos, la música y el vídeo, dejó una huella significativa en Baldessari. La música le aportó la noción de temporalidad, que él plasma con el uso de múltiples fotos a la manera de una secuencia temporal. Artist Hitting Various Objects with Golf Club (1972-1973) es la crónica del artista haciendo justamente eso en treinta imágenes. Similar, en otras obras del artista se fotografió mientras intentaba exhalar el humo de un cigarro haciendo nubecillas o saludando las barcas que pasaban.

Cuando el Portapak Sony llegó al Cal Arts, Baldessari comenzó a experimentar con el nuevo medio. Realizados inicialmente para sus alumnos, vídeos como I Will Not Make Año More Boring Arte (1971), en que el artista escribe repetidamente esta frase en una libreta como si fuera un castigo, y I Am Making Art (1971), en el cual Baldessari mueve sutilmente diversas partes del cuerpo mientras recita esta frase, se han convertido en algunas de las piezas de vídeo más icónicas del artista.

Después de trasladarse a Los Ángeles, la proximidad de Hollywood también repercutió en la obra de Baldessari. Abordó los procesos de trabajo de la industria cinematográfica en obras como Story with 24 Versiones (1974) y Scenario: Story Board (1972-1973), en las que la trama está desarrollada escena por escena.

Baldessari también se apropió de las imágenes de fotogramas que encontraba en tiendas locales y que categoriza meticulosamente según el contenido para su uso en sus obras. Simultáneamente, comenzó a crear piezas a mayor escala, utilizando las fotografías como bloques de construcción para sugerir narrativas. A Kiss / Panic (1984) hay una provocativa yuxtaposición de una pareja besándose, con una escena de una multitud aparentemente caótica abajo, rodeados de fotos de pistolas que los apuntan.

Hacia mediados de los ochenta, empezaron a aparecer puntos de colores sobre los rostros de los personajes de las fotografías. Baldessari descubrió que el hecho de taparlos la cara realzaba el carácter anónimo de los personajes y eso obligaba al espectador a centrarse en otros aspectos de la imagen para dar sentido a la escena. A pesar de que se trata de obras sin texto, el lenguaje seguía teniendo un papel importante a través de unos títulos muy sugerentes, que por Baldessari son tan significativos como la pieza misma.

Bloody Sundae (1987) consiste en dos escenas diferenciadas dispuestas de una manera que recuerda un postre de helado. En la parte de arriba, dos hombres n’ataquen un tercero junto a un montón de cuadros, mientras que en la parte de abajo una pareja se deleita perezosamente en la cama. Todas las caras están tapadas con un círculo de color. La violencia de la imagen superior combinada con la fuerza de sugestión del título insinúa un asalto inminente habitación de la pareja.

En la Goya Series (1997), Baldessari recuperó la estética de la serie de National City emparejando fotografías de objetos cotidianos y texto. El áspero sarcasmo de los títulos se inspira en una serie de grabados de Francisco de Goya.

El texto también vuelve a asumir su papel de coprotagonista en la serie prima facie (2005-2006). Los retratos se yuxtaponen con un abanico de adjetivos que describen diversas emociones o características que se pueden asociar con la expresión facial de la persona. La idea es que es imposible saber lo que está pensando una persona partiendo sólo de la expresión de la cara.

En obras posteriores, las manchas de color usurpan la totalidad del personaje, lo que resta profundidad a la imagen y hace de la forma humana una abstracción. En The Dureza Series: Person Climbing Exterior Wall of Corte Building / Person on Ledge of Tall Building / Person donde Girders of Unfinished Corte Building (2003) se ven tres de estas figuras en situaciones de peligro, sin embargo, las siluetas coloridas añaden un toque de humor escena.

Baldessari insiste en las partes del cuerpo que identifican la sensibilidad visual a las series Nose and Ears (2006-2007) y Arms and Legs (2007-2008), en las que estas partes se aíslan mientras que otros detalles del cuerpo y del entorno colorean o bien se omiten, por lo que el espectador ha de interpretar la obra a partir de unos elementos mínimos.

En su serie más reciente, Furrowed Eyebrows and Raised Foreheads (2009), Baldessari continúa la exploración de la expresión humana a través de las fragmentaciones. Las obras combinan fotografías de caras y cuerpos cubiertos con capas de pintura o de collage, o bien alterados con una superposición de pintura sobre el frente y las cejas.

La escultura de la nueva obra Brain / Cloud (Two Views): with Palm Tree and Seascapes (2009) recuerda las nubes de sus primeras pinturas, Falling Cloud (1965) y God Nose.

La larga exploración del lenguaje y la imagen que lleva a cabo Baldessari, junto con su enfoque inquisitivo de la creación artística, han expandido los parámetros de lo que consideramos arte. Su labor de educador ha tenido-y todavía tiene-un profundo impacto sobre generaciones de artistas como Rita McBride, Meg Cranston, Jack Goldstein, Allan McCollum, Matt Mullican, Richard Prince y Christopher Williams, entre otros.

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