El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Dentro y fuera del marco, novena entrega del programa Kora, que presenta cada año una muestra concebida desde la perspectiva de género. En esta ocasión se centra en la obra de Irma Álvarez-Laviada (Gijón, 1978) con una selección de más de treinta piezas realizadas en la última década, junto a pinturas de la colección del museo, en una muestra comisariada por Rocío de la Villa.
Las obras de Álvarez-Laviada se sitúan en un espacio intermedio, dentro y fuera del marco, creadas a partir de materiales industriales destinados a usos prácticos. De esta forma, la artista reflexiona sobre las inclusiones y exclusiones en la tradición moderna del arte occidental: entre lo puro y lo decorativo, entre la experiencia estética y el interés económico e ideológico en el arte.
Su trabajo se aproxima a la abstracción geométrica desde una perspectiva de género. Los atributos de los estereotipos de lo masculino y lo femenino -lo vertical y lo horizontal, lo duro y lo blando, lo esencial y lo subsidiario, lo lleno y lo vacío- son cuestionados en obras que dialogan con la tradición, para deconstruirla en procesos de creación regidos por la repetición y sus diferencias.
Parte de su proceso de creación se alimenta de la reinterpretación y la nueva contextualización. En este sentido, la artista ha elegido algunas obras de la colección permanente para ponerlas en diálogo con sus piezas en las salas del museo. Plano y vertical. Pedestal no.0 (2020) y La Anunciación (h.1475), de Gentile Bellini, aluden a la importancia de la relación entre arquitectura y pintura y la ausencia de la figura. Suprematismo (1920-1921), de Nikolái Suetin, permite destacar los procesos creativos de Álvarez-Laviada, construidos a partir de referentes de la abstracción formal, tal y como evidencia la pieza que la acompaña, ST. (Composición en rojo, azul y amarillo sobre negro 0) (2021). Por último, Verde (2025) se expone acompañada de El estanque en el bosque (h. 1867-1868), de Edgar Degas, subrayando los valores hápticos de la pintura.
El recorrido comienza con piezas que combinan el amarillo, el rojo y el azul con el negro, resultado de la mezcla de los tres colores primarios. La artista aborda la tradición de investigación sobre estos colores, desde el suprematismo y el neoplasticismo hasta los estudios de Joseph Albers, cuya obra Casa Blanca B (1947-1954) se expone en esta sección. La pieza Y yo a vueltas (2025), ubicada en el centro, invita a transitar el espacio de otra manera y apela a la experiencia personal.
En la siguiente sala, en diálogo con Construcción espaciotemporal II (1924), de Theo van Doesburg (1924), se reúnen piezas de la serie Idea as Model, concebidas a partir de materiales monocromos que remiten a maquetas y reflexionan sobre la noción del vacío. Las acompañan otras en las que se descubre el envés de cajas y embalajes abiertos, como las de las series Modalidades de lo visible (2016-2017) y Lo necesario y lo posible (2017), evidenciando el espacio negativo, lo oculto, lo secundario y el silencio. Por otro lado, en Pedestal 5 (2019), el soporte se convierte en la imagen de lo que falta. Este conjunto presenta la respuesta de la artista a materiales y artefactos secundarios que, hasta hace poco, resultaban necesarios para sostener y ensalzar los modelos idealizados propios de la tradición eurocéntrica y patriarcal.
Las obras dispuestas en la tercera sala, pertenecientes a la serie Lo necesario y lo posible, están realizadas algunas en poliuretano y espuma compuesta, otras en poliespán, y guardan similitud con el gouache sobre cartón Ritmos de la tierra (1961), de Mark Tobey, sirviendo como punto de partida para nuevas reflexiones en torno a la noción de lo pictórico en la abstracción. En ellas se aprecia una visualidad cercana a la del artista estadounidense, trasladada a materiales industriales y a patrones repetitivos.
Se expone, además, en el pasillo de distribución, un grupo de trabajos con los que la artista explora la experiencia visual/háptica, en contraposición con la división tradicional entre sentidos nobles (vista y oído) e innobles. Alternando piezas de varias series (Lo necesario y lo posible y Muestrario, 2019-2020), conviven lijas y espumas de insonorización, lo duro y rasposo con lo muy blando, lo suave y lo mudo, dando como resultado una activación de los sentidos que manifiesta la convicción de la artista de que la obra solo es terminada por quienes la experimentan.
Por último, el collage de Kurt Schwitters Merzbild Kijkduin (1923) ha inspirado a Álvarez-Laviada para la gestación de un nuevo proyecto específico en la última sala. Se trata de una gran pintura y un cilindro coloreado junto a reproducciones a gran escala de los volúmenes del assemblage de Schwitters, realizadas en maderas nobles.
Irma Álvarez-Laviada (Gijón, 1978)
Dentro de la autorreferencialidad de la pintura de la tradición posminimal —que prolonga el descubrimiento vanguardista de la pintura como objeto material—, las obras de Álvarez-Laviada integran y ponen en diálogo elementos como el bastidor, el lienzo, la cartulina o el papel, el paspartú, el marco y el soporte, así como lijas, espumas y otros materiales de protección, con la arquitectura, tanto en espacios vinculados al sistema del arte como en contextos ajenos a él.
Ya sea por iniciativa propia o por encargo de instituciones, la artista suele partir de una reflexión sobre problemas concretos de la pintura y su relación con el espacio. A partir de ahí, deconstruye sus postulados y, mediante la manipulación material, construye una poética personal, articulada desde lo menor frente a lo monumental.
Fechas: Del 23 de febrero al 3 de mayo de 2026
Lugar: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid
