La Casa Encendida presenta la exposición de los proyectos seleccionados en la XXVI edición de Generaciones, la convocatoria de la Fundación Montemadrid dedicada a promover y proporcionar a jóvenes artistas herramientas de producción y difusión de sus trabajos.
Generación 2026 reúne una selección de proyectos que entienden la práctica artística como un espacio de investigación activa sobre el cuerpo, la materia, el tiempo y la voz. Las propuestas seleccionadas comparten una atención sostenida a los procesos—más que a los resultados— y a formas de hacer que desbordan las disciplinas tradicionales, articulando esculturas, instalaciones, prácticas sonoras y proyectos performativos que se despliegan en el tiempo y en relación directa con el espacio y con quienes lo habitan.
Desde aproximaciones críticas a las arquitecturas del poder y a las normatividades del género, del lenguaje o de la producción, los artistas participantes proponen otros modos de percepción, de escucha y de experiencia. Sus trabajos activan territorios de inestabilidad, fragilidad y transformación como lugares desde los que repensar lo social, lo material y lo político en el presente.
Artistas y proyectos
Claudia Pagès (Barcelona, 1990)
Marcas de agua: Torres, castillos, perros, y Laia: la obra parte de una investigación sobre las marcas de agua del papel —también conocidas como filigranas—, dibujos realizados en el proceso de fabricación manual que quedan integrados en la propia hoja y solo son visibles a contraluz. Utilizadas desde la Edad Media como signos de procedencia, control y autenticidad, estas marcas adoptaban a menudo formas figurativas sencillas, como animales, castillos o torres. En este proyecto, Claudia Pagès trabaja con filigranas del siglo XV conservadas en el Museu Molí Paperer de Capellades, activándolas no como signos de identificación o lenguaje, sino como imágenes materiales que habitan el papel y que resisten una lectura simbólica estable.
Maya Pita-Romero (Madrid, 1999)
En Sin nunca llegar a la boca, Maya Pita-Romero construye un espacio transitable que articula refugio, sanación y metamorfosis a partir del trabajo con materiales blandos, técnicas tradicionales y procesos de transformación. Sus instalaciones y esculturas exploran la porosidad del cuerpo y su relación con lo vegetal, lo doméstico y lo arquitectónico, activando formas de cuidado que se sitúan entre la protección y la vulnerabilidad. A través del coser, el tejer y el ensamblar materiales orgánicos —como textiles, plantas o látex—, la artista propone una reflexión sobre los cuerpos rechazados, los espacios de ocultamiento y las arquitecturas íntimas donde el cuidado puede devenir también asfixia. La obra se concibe como un organismo en transformación continua, un lugar híbrido y transitable que invita a habitar el tiempo lento de la reparación, la memoria y la metamorfosis.
Élan d’Orphium (Don Benito, Badajoz, 1992)
Acto de amor. Élan d’Orphium desarrolla una práctica escultórica y performativa que desplaza los límites entre intimidad, afecto y materialidad.
En Acto de amor, una acción cotidiana sostenida en el tiempo, la de orinar, se solidifica en forma escultórica, haciendo que el gesto se convierta en un acto de entrega y en una tecnología relacional. A través de procesos que exigen atención constante, disciplina corporal y una implicación afectiva prolongada, le artista transforma el cuerpo en un sistema de producción sensible, donde lo orgánico se vuelve precioso y el deseo opera como una fuerza que desborda el espacio expositivo. La obra activa así una reflexión sobre otras maneras de cuidar, de compartir y de imaginar el amor, desplazándolo de sus narrativas convencionales hacia territorios donde la fantasía convierte lo cotidiano en algo extraordinario.
Hodei Herreros Rodríguez (Vitoria, 1997)
The Voiceless Voice of the Girls. A partir de la voz y de la escucha, Hodei desarrolla una práctica sonora y espacial que cuestiona las normativas de género y las jerarquías entre lo visible y lo audible.
Su trabajo aborda la feminización vocal, la escucha y los rituales asociados a la feminidad —como el maquillaje o el ornamento— para cuestionar las normativas que regulan qué voces son audibles, legítimas o silenciadas. A través de instalaciones escultóricas y sonoras, la artista convierte la voz en forma, superficie y arquitectura, explorando cómo el sonido modela el cuerpo y cómo el cuerpo, a su vez, condiciona la experiencia vocal. En sus proyectos, la voz femenina —cis y trans— se presenta como un gesto de resistencia frente a los regímenes de control que históricamente han tratado de disciplinar tanto el habla como la apariencia, activando espacios corales donde lo íntimo, lo estético y lo político se entrelazan.
Victor Ruiz Colomer (Barcelona, 1993)
l>ii<z. Desarrolla una investigación escultórica y espacial que explora la relación entre los trastornos formales del pensamiento y las formas de organización del espacio. En l>ii<z, el artista trabaja con intervenciones y estructuras que se sitúan en los límites de la contención —marcos, puertas, ventanas y otros umbrales— para generar desplazamientos perceptivos y cognitivos. A través de esculturas que sostienen distintos estados físicos y que se activan en diálogo con espacios cotidianos y procesos colaborativos, el proyecto plantea el espacio como un campo relacional donde lenguaje, cuerpo y materia se desajustan, se traducen y se reconfiguran continuamente.
Víctor Santamarina (Madrid, 1990)
Subsidencia. Víctor Santamarina concibe la escultura como un proceso de colapso, transformación y reformulación continua. En Subsidencia, el artista trabaja con sistemas de encofrado realizados en cera para activar una coreografía lenta de deformación, desgaste y derrumbe que se despliega en el tiempo. A partir del fenómeno geológico de la subsidencia, su práctica explora cómo las estructuras concebidas para ser estables y duraderas se vuelven frágiles, erráticas e impredecibles, revelando nuevas formas de organización material y simbólica. La obra se presenta como una escultura performativa en la que el fracaso de la forma no es un final, sino una condición generativa desde la que pensar otras temporalidades, arquitecturas y futuros posibles.
Sobre Generaciones
Generaciones, es un referente de la comunidad artística española en la que han participado, durante sus veinticinco ediciones, más de dieciocho mil artistas. Entre muchos otros destacan Eva Fàbregas, June Crespo, Juan Zamora, Cristina Lucas, Dora García, Pedro G. Romero, Lara Almarcegui, Teresa Solar, Enric Farrés, Oriol Vilanova, Cristina Garrido, Julia Spinola, Juan López, Carlos Fernández-Pello o Fuentesal Arenillas.
En esta edición, el jurado, compuesto por David Barro, director de Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma; Rosa Ferré, co-directora de TBA21, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary; y Maria Wills, comisaria independiente, ha seleccionado los 6 proyectos mencionados dotados con 12.000 euros cada uno.
Como novedad de esta edición, y en un esfuerzo por mejorar las condiciones de trabajo de los artistas jóvenes, en su profesionalización y el desarrollo de sus propuestas, esta edición pasa de ocho a seis premiados, aumentando la dotación a 12.000€ por proyecto, manteniendo 10.000€ para la producción y añadiendo 2.000€ en concepto de honorarios.
Artistas: Élan d’Orphium, Hodei Herreros Rodríguez, Claudia Pagès Rabal, Maya Pita-Romero, Víctor Ruiz Colomer y Víctor Santamarina.
Fechas: hasta el 19 de febrero de 2026
Lugar: La Casa Encendida, Madrid
