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Bienal de Arte de San Sebastián de los Reyes (BAS)

Nace la Bienal de Arte de San Sebastián de los Reyes (BAS)

Written by: Redacción • 25 noviembre, 2024

San Sebastián de los Reyes lanza su primera Bienal de Arte Contemporáneo. Un evento que busca destacar la riqueza y diversidad de las expresiones artísticas actuales. Para ello el certamen abre plazo de inscripción del 20 de noviembre de 2024 al 20 de enero de 2025, con premios de 6.000€ para la obra ganadora y 2.000€ para artistas locales.

Podrán presentarse artistas nacionales mayores de edad que cumplan con los requisitos establecidos en las bases. Entre las candidaturas se seleccionarán 20 obras que formarán parte de una exposición en la Sala Martín Chirino. El autor de la obra ganadora recibirá un premio de 6.000€ y tendrá la oportunidad de realizar una exposición individual el siguiente año. Los artistas locales contarán con una apartado específico que otorga un premio de 2.000€ y también formará parte de la exposición principal.

La Bienal estará dirigida por Teresa Arroyo de la Cruz, historiadora del arte, comisaria y crítica. Y el jurado estará formado por Avelino Sala (artista, comisario, escritor, editor y fundador de sublime), Juan Francisco Casas (artista, comisario y poeta), Sandra Val (artista multidisciplinar y directora de córner gallery), Nerea Ubieto (comisaria, crítica y gestora cultural) y Zony Gómez (artista, comisario de artes vivas y director de nigredo.tv).

Puedes consultar las bases pinchando aquí.

En el taller de SERGIO ROGER

Written by: Loles Monguió • 25 noviembre, 2024

Sergio Roger es un creador, aporta ideas y hace realidad nuevos conceptos que convierte en arte. En él ya se daban desde niño todas las cualidades para ser artista, no había otra opción. Durante sus estudios en la Universität Der Künste (UDK) en Berlin, tuvo de tutora a Hito Steyerl y su creatividad fluyo, sobre todo, por el video arte; otorgándole el primer premio Generaciones 2009 y premio de la Colección Norte 2010. Pero siempre estuvo presente la escultura. Actualmente, sus bustos son internacionalmente admirados.

Roger es un apasionado de las civilizaciones antiguas, especialmente del arte greco-romano. Se inspira sobre todo en la escultura y elementos arquitectónicos de la época, creando su propia interpretación contemporánea. No pretende romper el efecto que produce contemplar a los clásicos pero sí dar otra lectura sin excentricidades. Sus efigies escultóricas conservan una presencia que evoca clasicismo, no solo por lo que representan sino por la antigüedad del material empleado y el efecto final logrado por la calidad y delicadeza del trabajo artesanal. Sus obras son de tejido; de hilo antiguo, que él mismo colecciona; sedas o cáñamo. El proceso de elaboración de una pieza puede llevar de uno a tres meses. Es un proceso lento, que requiere precisión, en el cual varios artesanos le acompañan. Siempre parten del dibujo; primero crean la estructura básica, normalmente en madera, mientras perfilan patrones, creando capas rellenas de algodón cosidas entre ellas consiguiendo así la forma definitiva. Luego se añade la capa exterior, de hilo tintado, ya con los detalles finales cosidos.

Roger esta volcado en el estudio de la historia del arte comprendida desde el esplendor de Creta y posterior arte greco- romano. Admira la búsqueda del ideal estético tan propio de la época: la proporción, equilibrio y la imitación a la naturaleza. Sus bustos son representaciones de dioses, diosas, emperadores o sagas familiares. Cualquier elemento arquitectónico también es sujeto de ser tejido. Así, encontramos piezas imitando estilos ornamentísticos propios de la época ( Dórico, jónico, corintio y toscano). Centra su mirada en la arqueología, en piezas fragmentadas y antes perfectas. Sergio imagina reproducir esas ciudades, o restos de ellas, a partir del tejido. Un lenguaje y estilo discreto que evoca el sentir que producen esas piezas antiguas.

La obra de Sergio Roger se hace versátil en entornos muy diversos y con obra de diferentes periodos de la historia del arte. Por ello, no es de extrañar ver piezas del artista en museos; la Christie;s de Londres; en galerías y ferias internacionales; iglesias; en escaparates de Hermes o dialogando con las propias esculturas antiguas de las que parte.

Una obra cálida, liviana y solida que invita al silencio y a la contemplación del detalle. A partir de este concepto el mundo artístico de Sergio Roger se expande.

www.sergioroger.com

Perspectiva de la Luz del artista checo Pavel Korbička

Written by: Redacción • 25 noviembre, 2024

El artista checo Pavel Korbička presenta la exposición “Perspectiva de la Luz” en la que se podrán experimentar algunos de sus trabajos en el espacio de Al-Tiba9 Contemporary. El núcleo del trabajo de Korbička radica en el uso de materiales tecnológicos avanzados y su habilidad para evocar fuertes reacciones emocionales.

La exposición impacta a los espectadores a través de un flujo dinámico de luz y color que los envuelve, transformando el amplio espacio de la galería en una experiencia visual y sensorial. Los visitantes están invitados a explorar la vibrante interacción de estructuras iluminadas y dispersas, experimentando una fusión única de color que crea imágenes virtuales y un espacio paralelo.

Labyrinth, es una instalación diseñada site-specific para la Galería Al-Tiba9 en Barcelona. La instalación ofrece una experiencia inmersiva que involucra tanto el cuerpo como la mente. A medida que los visitantes se mueven por el espacio curvado, sus movimientos activos desencadenan un fenómeno de luz cinética proyectada sobre las paredes, creando una interacción entre la luz y la presencia física. La instalación destaca los efectos psicofísicos sobre sus cuerpos, a veces induciendo sensaciones de desequilibrio a través de la visión binocular.

Fechas: Hasta el 1 de marzo de 2025
Lugar: Al-Tiba9 Contemporary, Barcelona

El Estatuto del Artista avanza con la aprobación de la reforma del IRPF que contempla la intermitencia de los trabajadores de la cultura

Written by: Redacción • 23 noviembre, 2024

El Estatuto del Artista ha dado un nuevo paso adelante con la aprobación, por parte del Congreso de los Diputados, de la reforma de la norma que regula el IRPF en lo referente a los rendimientos irregulares de los artistas. Se trata de una de las medidas clave del Estatuto del Artista que impulsa el Ministerio de Cultura, demandada por el sector cultural como un paso importante en el camino hacia un trato fiscal más justo y equitativo para el colectivo de los artistas y trabajadores de la cultura.

La finalidad de esta reforma, que da cumplimiento a uno de los acuerdos del informe sobre el Estatuto del Artista aprobado por unanimidad en el Congreso en 2018, es adaptar la normativa que regula la determinación del rendimiento neto de una persona que se dedica a la actividad artística o cultural a las características propias de dicha actividad.

La circunstancia que justifica este tratamiento fiscal específico es que los rendimientos del trabajo cultural no se corresponden con el momento concreto de la presentación en público de un hecho cultural. Más allá de cuando se produce la interpretación, ejecución o creación concreta, hay un periodo de tiempo necesario e imprescindible para alcanzar o culminar la interpretación, la ejecución o la creación de dicha obra. Esta intermitencia supone, por tanto, una irregularidad en la frecuencia de sus ingresos.

Actualmente, dado que los ingresos de los artistas no se reparten regularmente a lo largo del tiempo, sufren un efecto fiscal de tributación superior producida cuando se integra dicha fluctuación de rendimientos con una tarifa progresiva, en trabajos, habitualmente por proyectos, cuya duración supera el año. Con la nueva reforma, se establece un mecanismo que corrige dicho efecto, mediante una minoración de la carga tributaria por IRPF correspondiente al ejercicio en el que deben integrarse esas mayores retribuciones en momentos puntuales.

En concreto, se introduce una reducción del 30% de los rendimientos del trabajo o de actividades económicas obtenidos por artistas cuando tales rendimientos excedan en un 130% de la media de los rendimientos obtenidos en los tres últimos ejercicios.

Una fiscalidad más equitativa

En el ámbito fiscal, el objetivo del Estatuto del Artista es modernizar y actualizar la fiscalidad de artistas, intérpretes, creadores y trabajadores de la cultura, dejando patentes dos objetivos irrenunciables. El primero es la responsabilidad fiscal que todos los ciudadanos tienen la obligación de asumir contribuyendo al sostenimiento del Estado de forma solidaria, proporcional y justa a sus ingresos. Y el segundo, el derecho a ser tratados fiscalmente de forma razonable, ecuánime y equitativa atendiendo a la irregularidad de sus ingresos, derivada de la propia naturaleza intermitente del trabajo cultural.

La medida se enmarca en la agenda legislativa del Gobierno, que prioriza el avance social en materia de derechos, obligaciones y oportunidades, con vocación de traducirse en cambios legislativos efectivos y transformadores de la realidad, lo cual el Estatuto del Artista está trasladando al ámbito de la cultura.

MEET POINT estrena nuevo episodio dedicado a F2 Galería

Written by: Redacción • 22 noviembre, 2024

PAC Plataforma de Arte Contemporáneo y Zona Cielo Films se han unido para la creación del proyecto MEET POINT, un nuevo canal de video que pretende acercar el arte contemporáneo y el trabajo de sus profesionales al gran público.

La primera temporada de MEET POINT está dedicada a las galerías de arte contemporáneo. En cada episodio, nos acercaremos al trabajo de los galeristas, a través de una entrevista cercana en la que nos contarán en qué consiste realmente su labor, cómo es su relación con los artistas, o cuál es su visión del mundo del arte.

F2 GALERÍA, protagonista del cuarto episodio de MEET POINT

“Nosotros llegamos cuando se está gestando la marca Fourquet (…) y nos sumamos con nuestra propuesta, pero a lo que nos sumamos plenamente es a otra forma de hacer las cosas entre las galerías: compartir, ayudarnos entre nosotros, no ser un castillo cerrado y que todo sea para mi. Todo eso ha cambiado”
Enrique Tejerizo – Co director F2 Galería

En este nuevo episodio nos acercamos a F2 Galería de la mano de sus co-directores Paloma González y Enrique Tejerizo. Hablamos con ellos de sus inicios en el ámbito galerístico, la fundación de su galería y la importancia de mantener una relación cercana con los artistas. Además, comparten interesantes reflexiones sobre la evolución en la relación entre las galerías, subrayando la creación de una comunidad colaborativa y de apoyo mutuo. También abordan la relevancia de asistir a ferias, los factores a considerar para decidir a cuáles asistir, y las oportunidades y beneficios que estas pueden ofrecer.

F2 Galería fue fundada en 2014 por Paloma González y Enrique Tejerizo en Madrid. Desde su creación, la galería se ha dedicado a representar tanto a artistas españoles como internacionales, tanto establecidos como emergentes. Su objetivo es promover el arte contemporáneo a través de exposiciones regulares y colaboraciones con artistas de diversas disciplinas.

Atentos el próximo 28 de noviembre al estreno del quinto episodio de MEET POINT protagonizado por Ulrich Gebauer, co-director de la galería Carlier | Gebauer.

Una historia espeluznante. Javier Rodríguez Pino en La Gran

Written by: Redacción • 22 noviembre, 2024

El artista chileno Javier Rodríguez Pino presenta Una historia espeluznante, un proyecto que explora el terror y la violencia política en la historia reciente de Chile. Inspirado en la estética punk rock y el cine de terror, el artista construye una narrativa visual que combina dibujos, grabados y piezas sonoras para relatar la historia de desaparición de tres estudiantes de arte en los años 90. Las protagonistas, vinculadas al grupo subversivo Mapu Lautaro y atraídas por el espiritismo y la figura de Kurt Cobain, líder de Nirvana y símbolo del No-Futuro, se convierten en símbolos de una época marcada por la violencia y la resistencia.

Javier Rodríguez Pino. Droga y brujería, 2024. Carboncillo sobre papel 103×145 cm

Con esta propuesta, Rodríguez Pino invita al espectador a reflexionar sobre cómo estas historias y sus elementos radicales aún resuenan en la política chilena contemporánea, además de conectarse con sus recientes exposiciones, La pista oculta en la Galería Gabriela Mistral (Santiago, Chile) e “IRA: La historia de Antonio Ramón Ramón” en el MUSAC (León, España), conformando una trilogía que explora las capas ocultas de la historia chilena y profundiza, a través de narrativas visuales, en la memoria colectiva y la percepción de justicia.

En la exposición, comisariada por Soledad García Saavedra, Javier Rodríguez Pino (Santiago de Chile, 1981) se aproxima al cine y al género de terror desde el relato histórico partiendo de una pregunta: “¿Cómo construir un relato físico y material que nos ayude a comprender mejor nuestra historia reciente marcada por el terror y la violencia?”. Su respuesta es el proyecto que presentamos, Una historia espeluznante, continuación de su anterior propuesta, La pista oculta mostrada en la Galería Gabriela Mistral de Santiago.

Esta exposición comprende una narración amplia y compleja, repleta de obras realizadas con técnicas diversas: dibujo, grabado, objetos y trabajos sonoros. De ellos parte para narrar la historia de la desaparición de tres estudiantes de arte en la primera mitad de los años 90. Las tres mujeres están vinculadas al grupo subversivo chileno Mapu Lautaro y practican brujería y espiritismo, al tiempo que encuentran en el rock y en la figura de Kurt Cobain, líder de Nirvana, una vía de resistencia. Tanto ellas como los escenarios y elementos que las rodean actúan como símbolos que encarnan y transmiten la violencia política de la época, resignificándola a través de esta nueva narrativa. El proyecto invita al espectador a reflexionar sobre las implicaciones de estos elementos radicales, explorando cómo continúan afectando y transformando la realidad de la política chilena contemporánea.

Formal y conceptualmente, Una historia espeluznante se inspira en el cine de terror, la cultura musical del punk rock y la historia reciente de Chile, para tejer una narrativa visual que combina el dibujo con escenas que evocan el estilo del video documental, el metraje encontrado, el realismo fotográfico, el expresionismo y el cómic. La transición entre estos registros busca destacar aspectos específicos del relato, activando así una experiencia que es a la vez cinematográfica e histórica, donde la imagen fija se convierte en un elemento material, físico y espacial que da cuerpo y textura al dibujo. Esta mezcla de estilos potencia la carga emocional y crítica de la obra, buscando remover intensamente al espectador.

Fechas: Del 16 de noviembre de 2024 al 8 de febrero de 2025
Lugar: La Gran, Madrid

Entrevista a Tomás Mendoza

Written by: José Luis Martínez Meseguer • 22 noviembre, 2024

Tomás Mendoza [Cartagena (Murcia), 1974]. Vive y trabaja en Cartagena. Autodidacta. Su obra busca respuestas a todas sus dudas existenciales, busca conocerse a sí mismo, es como su álbum de fotos biográfico. A través de los años, por los acontecimientos ocurridos que marcaron su vida, en algunos casos, adelantándose a los acontecimientos.

Retrato de Tomás Mendoza. Cortesía del artista.

PAC – Te proyectas desde Cartagena. ¿Te hubiera gustado cambiar de lugar y hacerlo desde allí?

Tomás Mendoza – Siempre he desarrollado mi labor de pintor en Cartagena, y la única razón es porque nací aquí, no es una ciudad donde uno está rodeado de oportunidades para avanzar en el mundo del arte, salvo alguna excepción, aquellos que lo consiguieron pertenecían a otra generación anterior de artistas, eran mejores que yo o supieron estar en el lugar adecuado.

La razón quizá sea sencilla de explicar, por comodidad, por dejadez, por no querer arriesgar, por no haber conseguido becas o ayudas.

Tomás Mendoza. *Sueño Lucido,* 2018. Óleo, 195x162cm.

PAC – ¿Crees que tu trayectoria habría sido la misma?

Tomás Mendoza – El que no arriesga… puestos a elucubrar otras posibles vidas y a su vez otra posible trayectoria ya que me he movido al margen del comercio del arte con todo lo que esto supone en otras ciudades de más envergadura toda supervivencia hubiera sido más complicada pero también hubiera tenido más opciones de mostrar mi arte

PAC – ¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?

Tomás Mendoza – Acabo de cumplir cincuenta años, ya he pasado de largo la mitad de mi vida, llevo dedicándome veinticinco años a esta condena y bendición de profesión a partes iguales, el impulso creo que fue algo a lo que me vi empujado por instinto, dirigido por él, fue curativo en un principio alternándose con periodos destructivos en fases posteriores, ahora creo que la pintura es mi compañera de viaje a la que siempre me puedo cobijar el ritual de pintar es algo que disfruto como si fuera la última vez.

Tomás Mendoza. La planta dentada, 2024. Óleo, 27x19cm.

PAC – ¿Qué ansiabas?

Tomás Mendoza – Cuando uno va envejeciendo se da cuenta donde quería llegar y donde se encuentra en el momento actual y reconoce como en algunos casos las ansias cambian de cuando uno cogía los pinceles por primera vez, lo básico creo que sigue perdurando, tener una galería que me representara en ferias internacionales y yo mantenerme en un segundo plano a modo de un artesano que va madurando su técnica con el paso del tiempo y vive de su trabajo.

PAC – ¿Lo encontraste?

Tomás Mendoza – No, está claro por lo escrito que no lo encontré seguramente por propia incompetencia o por no querer doblegarme a cosas que exigen los que mueven los hilos del mundo del arte.

Tomás Mendoza. Amanecer rosado, 2024. Óleo, 27x19cm.

PAC – ¿Qué crees que puede mejorarse en el Sistema del arte?

Tomás Mendoza – No lo sé, no me gusta el sistema del arte, no me gusta ningún sistema establecido es muy probable que sobra mucha gente que forma parte de esta maquinaria que no se sabe muy bien ni cómo ni porqué, que no han cogido en su vida un pincel pero tienen el poder de decidir en el porvenir de los que se dedican a esto.

Hay unos cuantos miles de seudoartistas que con sus obras lo que hacen es ensuciar la palabra ARTE en mayúsculas.

Tomás Mendoza. *El viajero de la noche*, 2016. Óleo, 200x200cm.

PAC – ¿Qué deberíamos aportar y eliminar al Sistema?

Tomás Mendoza – En parte esta contestada la pregunta con la respuesta anterior, quizás sea imposible parar la inercia de lo que ocurre, espero que en algún momento vuelva a su esencia más pura.

PAC – Asociacionismo profesional ¿qué opinas?

Tomás Mendoza – Nunca he pertenecido a ninguna asociación, creo que mi inercia me ha llevado a ir por mi propio camino en solitario, pero no estoy en contra.

Tomás Mendoza. La lucha, 2006. Óleo, 130X130cm.

PAC – Háblanos un poco de tu trayectoria.

Tomás Mendoza – He sido un autor autodidacta, tras un breve paso por la escuela de artes y oficios de Murcia. En el año 1998 empecé mi andadura. Como la mayoría, presentándome a concursos para subsistir, buscando galerías para poder enseñar mi trabajo. Primero en la ciudad donde vivía, Cartagena, donde trabajé en una de las tres que existían a principios del siglo XXI, con la que participe en una feria de arte en Barcelona. Más tarde, en la capital, Murcia, en el centro de la ciudad, dos galerías me representaron, realizando con una de ellas exposición individual y posteriormente en la ciudad de Badajoz con la que asistí a ferias de arte nacional y realice también una exposición individual. Mi relación con las galerías de arte, sin excepción, fue mala, supongo que por no querer aceptar al sistema, he ido realizando en los últimos quince años exposiciones de carácter individual en salas públicas.

Tomás Mendoza. *Caos*, 2017. Tinta sobre papel, 65x100cm.

PAC – Defínete mediante hashtags o etiquetas.

Tomás Mendoza – #Pintura #Collage #Dibujo

PAC – ¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

Tomás Mendoza – Los temas de mi trabajo han ido cambiando poco en estos veinticinco años. Es cierto que el estilo ha ido evolucionando de un vorticismo y horror vacui extremo a unas obras menos abigarradas, manteniendo la temática simbolista, buscando respuestas, cual es la razón de la vida, de la muerte, el mundo de los sueños, el destino, la naturaleza del ser humano en todas sus vertientes.

Tomás Mendoza. *La ruleta del tiempo*, 2023. Óleo 40x30cm.

PAC – ¿Algún proyecto, pendiente, que te gustaría realizar?

Tomás Mendoza – Sí, igual que no me arrepiento de los pecados que he cometido sino de los que no he podido cometer, en cuanto a los proyectos suscribo la frase anterior poder hacer en los próximos veinticinco años todo aquello que no he podido cometer , que mi obra se conozca y se valore.

PAC – Un deseo.

Tomás Mendoza – Sentirme en paz conmigo mismo.

Petrit Halilaj & Álvaro Urbano en MACBA

Written by: Redacción • 21 noviembre, 2024

El MACBA presenta la obra de Petrit Halilaj & Álvaro Urbano, Ensamble lunar para mares en alza. Esta obra, inspirada en la canción popular española Ay mi pescadito (sobre pequeños peces que buscan maneras de sobrevivir e integrarse en su entorno) aborda conceptos como la conexión y el conflicto interespecies. Tras su estreno en el TBA21 Ocean Space en Venecia en 2023, la instalación formada por una serie de esculturas realizadas por ambos artistas se ha enriquecido con nuevas piezas creadas especialmente para el espacio del MACBA. El proyecto estará abierto al público en el atrio del museo hasta el 12 de enero.

Vistas de la exposición «Petrit Halilaj & Álvaro Urbano. Ensamble lunar para mares en alza», 2024. Foto: Dani Pujalte

La obra de los artistas Petrit Halilaj (Kostërrc, Kosovo, 1986) y Álvaro Urbano (Madrid, España, 1983), residentes en Berlín, crea un ecosistema cambiante que incluye más de 40 esculturas de gran y pequeña escala que representan criaturas míticas acuáticas, terrestres y aéreas, híbridas y excéntricas, que no existen en el mundo real. Las obras, a las que se añaden esculturas nuevas para este proyecto, presentan especulaciones sobre futuros estados evolutivos de las especies que expanden formas de supervivencia tanto submarina como celeste. Sobre las criaturas, una gran escultura en forma de huevo lunar cuelga del techo y flota en el espacio, como símbolo de la naturaleza cíclica de nuestro mundo que invita al público a volver a imaginar nuevas formas de vida.

Las esculturas instaladas en el atrio del MACBA y repartidas en tres alturas, reflejan luces y sombras tanto en sus pieles metálicas como en las paredes, techos y suelos del espacio, modificando nuestra percepción de la obra a lo largo del día. Cada escultura funciona a su vez como un instrumento musical que produce sonidos por medio de cajas de música y otras técnicas artesanales. Cuando se tocan juntos, las cajas de música y los demás instrumentos generan algo parecido a una «melodía» inspirada en la canción Ay mi pescadito, combinada con sonidos submarinos. Estos sonidos, difíciles de armonizar, reflejan la complejidad de alcanzar la armonía entre especies en el mundo real. Un grupo de músicos, bailarines y performers locales e internacionales ha activado la instalación en una gran performance.

Los artistas Petrit Halilaj y Álvaro Urbano trabajan a dúo en proyectos de ficción colaborativa en que la memoria colectiva se combina con anécdotas personales y las nociones de parentesco se extienden más allá de lo humano. Sus obras conjuntas activan espacios de resiliencia mediante el despliegue de escenografías de la intimidad. Una particularidad que también es visible en su práctica artística por separado.

Aunque ambos artistas comparten vida en Berlín, su práctica artística suele desarrollarse por separado. La muestra de Venecia supuso una primera invitación a los artistas como dúo para realizar una obra destinada a un espacio específico. Ambas prácticas se sirven de elementos personales y lúdicos que buscan cuestionar las normas sociales.

Ensamble lunar para mares en alza nace en 2023 a raíz de la colaboración de TBA21–Academy y Audemars Piguet Contemporary y pone en valor el compromiso de ambos programas con el apoyo a la investigación y a la producción artística de creadores internacionales. La instalación en el MACBA está comisariada por Elvira Dyangani Ose, directora del museo, en colaboración con Blanca del Río, coordinadora de exposiciones y curadora adjunta del proyecto.

Comisariado: Elvira Dyangani Ose, directora del MACBA, en colaboración con la coordinadora de exposiciones Blanca del Río.
Fechas: Hasta el 12 de enero de 2025
Lugar: MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona – España

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, presenta la exposición El caso de l(a casa) museo(a) de la artista belga Joëlle Tuerlinckx. Esta muestra, comisariada por Beatriz Herráez y Catalina Lozano, se configura como una retrospectiva desconcertante en la que se reúnen obras históricas junto a propuestas recientes y piezas producidas de manera específica en la sala, que a su vez son huellas y registros de piezas y exposiciones previas.

Artium Museoa acoge la exposición ‘El caso de l(a casa) museo(a)’, de Joëlle Tuerlinckx

Written by: Redacción • 21 noviembre, 2024

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, presenta la exposición El caso de l(a casa) museo(a) de la artista belga Joëlle Tuerlinckx. Esta muestra, comisariada por Beatriz Herráez y Catalina Lozano, se configura como una retrospectiva desconcertante en la que se reúnen obras históricas junto a propuestas recientes y piezas producidas de manera específica en la sala, que a su vez son huellas y registros de piezas y exposiciones previas.

La obra de Joëlle Tuerlinckx (Bruselas, Bélgica, 1958) es el producto de sistemas de trabajo en los que diferentes temporalidades y espacialidades son convocadas para reanimarse en espacios determinados, incluido su taller. En este sentido, su producción es a la vez absolutamente site-specific y radicalmente abstracta, al interpelarnos sobre cuestiones como el espacio y el tiempo. Asumiendo y transformando la herencia del arte conceptual, la performance, las prácticas derivadas de la crítica institucional y la instalación sonora, la artista desplaza y convierte los protocolos y dispositivos museísticos e involucra a los equipos de trabajo de los lugares en los que interviene, convirtiendo las funciones, palabras y gestos cotidianos de estos en materia prima de su producción.

Tras varias estancias en el museo, encuentros y prolongadas conversaciones con sus equipos, Tuerlinckx, en colaboración con el artista Christoph Fink (Gante, Bélgica, 1963), ha construido una sinfonía, una pieza que articula el conjunto de la exposición y que funciona como una red de ecos y resonancias en la que los diversos sujetos/actores interactúan o se solapan; un palimpsesto sonoro multilingüe activado por múltiples voces que leen los textos y enunciados propuestos por la artista, y a quienes se escucha responder espontáneamente a preguntas que ella les ha formulado sobre su trabajo y el funcionamiento de la institución.

El título de la exposición hace referencia a espacios domésticos (casa) e institucionales (museo), como dos dimensiones entre las que oscila la muestra y que revelan las formas en las que Tuerlinckx aborda su trabajo ―como casos de estudio―, al mismo tiempo que funcionan como escenarios en los que transcurre un teatro cotidiano de apariciones sutiles: sombras, reflejos y sonidos que constituyen también la realidad material de este espacio cambiante y descentrado. Entre la casa y el museo se reproducen asimismo estos juegos de dobles y desdoblamientos temporales que ahora habitan estos espacios.

El trabajo de Joëlle Tuerlinckx ha sido mostrado en exposiciones y citas internacionales como Skulptur Projekte, Münster, o documenta X, Kassel, y en museos e instituciones como Kunstmuseum, Basel, Wiels Contemporary Art Centre, Bruselas, Haus der Kunst, Munich, Drawing Art Center, Nueva York, Witte de With, Róterdam, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, o The South London Gallery, Londres, entre muchos otros. Esta es la primera exposición retrospectiva dedicada a la artista en el estado. La exposición está producida en colaboración con Kanal Centre Pompidou, Bruselas.

Fechas: Hasta el 27 de abril de 2025
Lugar: Artium Museoa, Vitoria-Gasteiz – Araba

Alberto Baraya en el Museo de Pontevedra

Written by: Redacción • 21 noviembre, 2024

Vento es el título del proyecto que el artista Alberto Baraya (Bogotá, Colombia, 1968) presenta como parte del ciclo de exposiciones Infiltraciones, que pretende realizar proyectos específicos relacionados con obras del Museo de Pontevedra. Cada año, se invita a dos artistas a investigar y trabajar con la colección, como una forma de incentivar la construcción colectiva de aprendizajes e incorporar progresivamente discursos contemporáneos al museo, ofreciendo nuevas lecturas de sus fondos.

Alberto Baraya. *Vento*, 2024. Vela trinquete de algodón intervenida.

En este proyecto, Alberto Baraya, pintor, fotógrafo y viajero contemporáneo, se centra en las numerosas pinturas de paisajes marinos, maquetas de embarcaciones, instrumentos de navegación y otros elementos relacionados con el mar que habitan la colección de este museo. La presencia de todas estas creaciones muestra el profundo arraigo de nuestra tradición marinera.

Al mismo tiempo, Baraya revaloriza periodos históricos en los que parece que las velas de los barcos se utilizaban como soporte para realizar pinturas coloniales en América. Asimismo, recupera la tradición pictórica del paisaje, resignifica la práctica de la pintura plenaria y referencia ciertas experiencias pictóricas conceptuales. El pintor-viajero (o el artista-viajero, si pensamos en figuras como Bas Jan Ader) quiere habitar y captar el paisaje a su paso.

Este verano el artista llevó a cabo una acción de cierta complejidad: tuvo que navegar por la ría de Pontevedra en un velero y plasmar, en esta misma vela, el paisaje que iba contemplando a lo largo del trayecto. Nuevas reflexiones sobre la pintura pleinairista y las técnicas de pintura rápida surgieron en un propósito que podía parecer inviable. Ese Viento que da título al proyecto era necesario para que la vela impulsara el barco y, al mismo tiempo, fuera un lienzo en blanco para el artista, pero cuya intensidad dejaba al azar la posibilidad de completar la acción. Esta experiencia no hubiera sido posible sin la colaboración de los Gallos, asociación de amigos de las embarcaciones tradicionales de Bueu, y la Escuela Naval de Marín.

Los resultados se presentan en las salas de la primera planta del Edificio Castelao. Así, la vela pintada queda expuesta en este viaje, a modo de gran lienzo, acompañada de una pieza de vídeo que resume la acción. Además, se muestra un conjunto de pinturas, dibujos, maquetas de barcos y otros elementos, todos ellos relacionados con el mar y pertenecientes a las colecciones del Museo de Pontevedra.

La obra de Alberto Baraya siempre ha cuestionado el paradigma científico y defendido el arte como forma de conocimiento y herramienta de reflexión sobre los actos estéticos de la vida cotidiana. Desde 2002 Baraya ha desarrollado una de sus obras más celebradas: el proyecto Herbario de plantas artificiales, un conjunto paródico de colecciones y estudios de falsa botánica; plantas de plástico, alambre y seda fabricados en China, con los que intentar reconstruir la identidad de la relación entre el ser humano y la naturaleza. Sus colecciones artificiales han sido presentadas en las bienales de arte de São Paulo (2006), Venecia (2009), Berlín (2014) y Shanghai (2019).

“Este proyecto presenta una reflexión sobre los medios físicos de pintar y navegar. Si el proceso de un viaje, antes de partir, comienza con la concepción de una idea, de una utopía en nuestra mente, Vento permite la formación de esa imagen entre el puerto de salida y el de llegada. La imagen se hace realidad (pintura) durante el viaje; El viento sopla la imagen que impulsa un viaje. Cuando lleguemos, probablemente podremos comprobar que esa imagen era, efectivamente, una ilusión necesaria.” Alberto Baraya.

Comisario: Iñaki Martínez Antelo
Fechas: Del 25 de octubre de 2024 al 1 de marzo de 2025
Lugar: Museo de Pontevedra, Pontevedra-Galicia