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Carlos Hache reflexiona sobre la unidad, dualidad y diversidad en su nueva exposición

Written by: Redacción • 22 junio, 2023

La galería Materna y Herencia acoge la nueva exposición individual del artista Carlos Hache. Titulada TRES, en ella podemos encontrar una veintena de obras en lienzo y papel, así como esculturas y piezas de cerámica.

En TRES, Carlos Hache (Madrid 1990) representa un espacio de amor donde muestra unidad, dualidad y diversidad. Desposeído de cualquier objeto o naturaleza que no contenga un alma, que no sienta, que no sepa anhelar y carezca de emociones para soñar, cuyo corazón no lata más fuerte debido al roce, al calor de un abrazo, a una caricia.

TRES es pasado, presente y futuro, es una obra en continua transición, en la que los cuadros se convierten en escultura.

Carlos Hache fantasea en sus obras con una vida llena de personas con valor, con la fortaleza que da querer y sentirse querido. Sus figuras conviven, encajan y se relacionan, con amor y respeto, se esfuerza en aclarar. Es una orgía sin sexo, de amor puro y múltiple, polidireccional.

Sencillez y fuerza; lápiz y color. Carlos Hache encuentra y explora la profundidad de lo simple a través de una técnica que va dejando posos de belleza en cada obra. Se ha convertido en uno de los nombres que despuntan en la escena madrileña, tratando de explorar las posibilidades que lo básico aporta a su arte, consagrando un método, ante todo, delicado.

Su formación en Artes Gráficas e Ilustración en la Escuela de Arte 10 de Madrid le ha servido para indagar en el que es ahora un estilo definido y personal. Sus obras ven en el color y la figura humana la base de la creación, Ello lo realza valiéndose de tan solo tres colores: rojo, amarillo y azul en tinta acrílica. Para él, estos colores son el nido del que nacen todos los demás, siendo capaces de expresar la totalidad de las emociones.

Esta técnica le ha permitido establecerse como el artista de lo simple; como aquel que es capaz de ver lo esencial de la belleza y la belleza de lo primario. Sus ilustraciones no suelen ser premeditadas, sino que juega con el subconsciente en libertad. Pinta lo que busca, lo que necesita, ofreciendo al público una llamada o planteamiento que deberá asentar en soledad.

Siendo aún un “intruso” en el panorama artístico actual, ha encontrado en las redes –esencialmente Instagram – la forma de darse a conocer y empezar a convertir su genio en su forma de vida. Gracias a estos medios, ha conseguido infinidad de exposiciones, colaboraciones y ventas de piezas originales, de las cuales la mayoría han sido en el extranjero.

Carlos busca seguir adelante con diferentes proyectos donde la escultura y nuevas formas de expresión tendrán un fuerte protagonismo. Su perseverancia trata de alcanzar la oportunidad que le permita ir más allá sin perder esa sustancia frágil y paradójicamente poderosa que nos muestra en cada una de sus obras.

Texto de Natasha Martín.

Fechas: Del 22 de junio al 9 de julio de 2023
Lugar: Galería Materna y Herencia, Madrid

La berlinesa HKW reabre sus puertas bajo una nueva dirección plural, inclusiva y crítica

Written by: Ángela Rodríguez Perea • 21 junio, 2023

Después de más de dos años de cierre, la icónica Haus der Kulturen der Welt retoma su programación este mes de junio con un nuevo director, el comisario independiente Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, que se convierte en la primera persona africana al frente de una institución cultural pública en Alemania. Junto a su equipo, buscan impactar el escenario artístico europeo con una filosofía crítica y comprometida con los desafíos sociales, políticos y culturales de nuestro tiempo.

Haus der Kulturen der Welt, Studio Bowie

Situado en pleno jardín del Tiergarten, en el corazón de Berlín, el edificio modernista de la Haus der Kulturen der Welt o Casa de las Culturas del Mundo es uno de los lugares emblemáticos de la capital alemana. Construido en 1957, con diseño del arquitecto Hugg Stubbins, fue un regalo de Estados Unidos a Alemania Occidental cargado con una clara propaganda política occidental, dentro del contexto de la Guerra Fría y de la división del país en dos bloques. Desde su reconstrucción a finales de los 80, esta institución dependiente del Ministerio de Cultura y Medios ha servido de foro para acoger expresiones artísticas principalmente extra europeas. Sin embargo, y a pesar de esta misión principal, su dirección ha estado prácticamente siempre en manos de nacionales alemanes. Con el nombramiento del camerunés Bonaventure Soh Bejeng Ndikung apoyado por la ministra Claudia Roth, la HKW da un giro radical a su filosofía y a su programación.

Ndikung es doctor en biotecnología y comisario independiente, curador entre otros del pabellón finlandés de la 58a Bienal de Venecia, de las dos últimas ediciones de la Bienal de Fotografía de Bamako, co-curador de Documenta 14, director artístico de la bienal Soonsbek 2020-2024 y fundador del espacio berlinés SAVVY Contemporary que, desde su creación en 2009, se ha vuelto una referencia como plataforma para el arte no occidental. El nuevo equipo que acompaña a Ndikung en la HKW está compuesto por una quincena de comisarios jóvenes, originarios de cuatro continentes, incluyendo Latinoamérica, entre los que se encuentran la chilena Paz Guevara, ya veterana del centro, Edna Martínez como curadora de música y prácticas sónicas y Carlos María Romero (Atabey) como curador de prácticas performativas. La intención de este heterogéneo grupo es la de configurar una HKW más abierta y plural, que atraiga a un público amplio y que sea capaz de presentar prácticas artísticas y discursivas en la tangente de una historia del arte eminentemente europea. Una de las prioridades es por ello dar cabida a propuestas artísticas de geografías no occidentales y de comunidades que padecen o han padecido opresión de algún tipo.

Vista de exposición: Celia Vasquez Yui & Diana Ruiz Vasquez (primer plano), Bastin Santan Diggekar y Demond Melancon.

O Quilombismo es el título de la exposición colectiva que inaugura la nueva etapa de la HKW, un nombre inspirado por la obra intelectual del artista afrobrasileño Abdias Nascimento. A partir del término “quilombo”, que designaba las experiencias de fuga y construcción de comunidades por parte de personas esclavizadas en el continente americano contra la opresión del sistema colonialista, Nascimento conceptualizó a mediados del siglo XX una filosofía emancipatoria, antiimperialista y utópica. La dirección de la HKW se sirve de esta herramienta epistémica no solo para la propuesta expositiva, sino también para la labor de resignificar la institución desde sus fundaciones. Y lo hacen empezando por los espacios que la conforman, rebautizándolos con el nombre de figuras femeninas parcialmente olvidadas por la historiografía oficial, como fueron la artista textil alemana Gunta Stölzl, miembro de la Bauhaus, la dramaturga y filósofa jamaicana Sylvia Winter o la escritora de origen turco Semra Ertan, que en 1982 se inmoló para protestar contra el racismo en Alemania.

Son más de 80 artistas los que componen O Quilombismo, comisariada colectivamente. En tanto que exposición inaugural, esta muestra tiene la voluntad de proponer una superación de narrativas mainstream, que dé cuenta de las visiones más contemporáneas y críticas dentro del arte. Esto se materializa a través de diversos dispositivos escenográficos y discursivos. Movimientos como el arte abstracto son confrontados con obras cuya estética podría aparentarse al mismo, pero que están cargadas de símbolos originarios de culturas indígenas, como el gran fresco del hall central, comisionado al artista plástico y sonoro Tanka Fonka. Más adelante, en la sala Beatriz Nascimento, se presentan obras de artistas como el marroquí Farid Belhahia, el ghanés Owusu-Ankomah o el propio Abdias Nascimento que, con orígenes geográficos y generaciones diferentes, están vinculadas por una estética que se apropia de simbolismos de sus respectivas culturas. Se constituyen de esta forma otras genealogías posibles, que desafían una cronología lineal de los movimientos artísticos.

“When we gather”, Performance – ritual durante la reapertura oficial. María Madalena Campos-Pons, Bba Murah &Ensemble, Forum Brasil y Ilê Obá Sileké, Candomblé House en Berlín y Rafael Almanza Cairo.

En línea con la idea de llegar a más público, las obras salen del edificio y dialogan con su arquitectura y con su entorno, recibiendo a los visitantes o apelándolos a acercarse y descubrir, como en el caso de la enorme instalación del artista ghanés Ibrahima Mahama en la fachada exterior, realizada con sacos de yute que exploran las relaciones de extracción y producción con la memoria histórica. En los paseos de acceso a la HKW, dos series de obras textiles de las artistas Adama Delphine Fawundu y María Magdalena Campos-Pons sustituyen hoy a antiguas banderas, como una crítica al marco de las naciones-estado. Estas obras son activadas por el viento, se integra el movimiento como propiedad intrínseca a la misma. Uno de los primas de la muestra es así la búsqueda de una aproximación plurisensorial al arte, superando su mera cualidad objetual, aprehendida a través de la vista.

Otras obras son detonadas gracias a la interacción con el público, con performances participativas como las de vanessa german o Bernardo Oyarzún, pero también rituales sagrados ancestrales, abiertos al público general, que precedieron la reapertura oficial de puertas de la HKW, otorgando un espacio central a prácticas que entroncan con la espiritualidad, como contrapunto de un marco de actuación racionalista.

La exposición está acompañada por una amplia programación que se desarrollará desde junio hasta septiembre, incluyendo el festival de música Sonic Pluriverse – Congorama, la serie de talleres de danza y música Bullerengue, ciclos gastronómicos o una serie de eventos educativos.

“O Quilombismo. Of Resisting and Insisting. Of Flight as Fight. Of Other Democratic Egalitarian Political Philosophies”
Fechas: Del 2 de junio al 17 de septiembre de 2023
Lugar: Haus der Kulturen der Welt, Berlín

Ángela Rodríguez Perea es productora cultural, redactora y comisaria. Coordina la residencia artística Dëkandoo, en Gandiol (Senegal). Durante casi 10 años fue editora en Afribuku, ha sido editora asociada del anuario sobre arte visual contemporáneo no occidental Prōtocollum, y publica en medios como El País, Clavoardiendo, El Salto o Africultures, entre otros. Ha formado parte de los equipos de SAVVY Contemporary Berlín y de la sección cultural de la Embajada de España en Senegal, Cultura Dakar. Paralelamente, ha coorganizado proyectos culturales en Saint Louis de la Réunion, Lomé, Berlín, Lisboa y Dakar, ciudades en las que ha vivido.

Alice Austen, pionera de la fotografía y militante

Written by: Redacción • 21 junio, 2023

El Museo Nacional del Romanticismo, adscrito al Ministerio de Cultura y Deporte, se suma a la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2023 presentando la exposición Alice Austen. Deshacer el género, con la que acercarse a la faceta más personal de la fotógrafa, que logró alejarse de los cánones establecidos para la mujer en la rígida sociedad victoriana de finales del siglo XIX.

Elizabeth Alice Austen (1866-1952) se inició en la fotografía en el ámbito familiar, siendo adolescente, gracias a la cámara que su tío Oswald Muller trajo de Alemania. Otro de sus tíos, Peter Townsend Austen, le enseñaría los procesos de revelado. Alice llegó a hacer a lo largo de su vida unas 8.000 fotografías, como las de su contexto familiar, sus viajes o sus imágenes de carácter más documental de la realidad social y la población migrante de Nueva York durante el cambio de siglo. No obstante, esta exposición se centra en sus obras de carácter más cercano e íntimo, especialmente aquellas que presentan a mujeres que, como ella, lograron vivir al margen de algunas de las barreras sociales asociadas a su género.

La muestra —que puede visitarse en la sala de exposiciones temporales del Museo y ha sido comisariada por Maíra Villela— se centra en esta dimensión más privada a través de las fotografías de su círculo social de posición acomodada. Una primera sección nos presenta el que fue su hogar, Clear Comfort, la casa de campo victoriana de sus abuelos en Staten Island. En este contexto desarrolló acciones performativas con sus amigas, retratando de forma explícita y avanzada las relaciones entre mujeres y el ambiente de libertad que generaron. Cabe destacar aquí las fotografías en las que aparecen vestidas de hombres, o bien luciendo máscaras y fumando, o la del llamado Darned Club. En este sentido, Austen también retrató con su cámara a su pareja, Gertrude Tate, con la que mantuvo una relación de más de cinco décadas, tres de las cuales vivirían juntas en Clear Comfort hasta que, a raíz de los problemas económicos sufridos tras el crac del 29, tuvieron que abandonar la casa en 1945, entregando Alice su archivo a la Staten Island Historical Society. Tras este suceso, desgraciadamente, la oposición de la familia de Gertrude impidió que continuasen conviviendo y mientras esta se marchó con su familia, Alice acabó viviendo en una residencia de la beneficencia.

Será en 1951, tras el redescubrimiento de Austen por Olivier Jensen, cuando su situación mejore, pudiéndose financiar una residencia para la fotógrafa, que fallecería un año después. A día de hoy, el deseo de que Gertrude y Alice descansasen juntas no se ha cumplido. Por su parte, la que fuese su vivienda, Clear Comfort, actualmente acoge la Alice Austen House —museo con el que se ha colaborado para la exposición—, lugar de referencia de la historia LGTBQ en Estados Unidos.

El interés de Austen por la práctica deportiva femenina se visibiliza en gran parte de la muestra. En este sentido, en la segunda sección, su amiga Delia Marie Elliott protagoniza algunas imágenes, rodeada de aparatos gimnásticos. Conocida como Daisy Elliot, dirigió el gimnasio Berkeley Ladies Athletic Club, en Manhattan, que permitía a las mujeres hacer uso de instalaciones deportivas, lo que supuso toda una novedad en la época. Alice Austen también dominó el tenis, deporte reflejado en algunas de las fotografías expuestas.

La tercera sección se centra en el libro Bicycling for Ladies, publicado en 1896 por Maria E. Ward, apodada Violet, que además de instruir en el uso de la bicicleta abordaba temas como su mecánica y mantenimiento, suponiendo una interesante muestra de la independencia femenina que vertebra la exposición. Las ilustraciones de esta obra, de las que se exponen algunos ejemplos, se basaron en las fotografías realizadas por Alice Austen con Daisy Elliott como modelo. Estas imágenes pueden verse en la exposición, junto a otras de amigas de Alice —como la autora, Violet Ward— y ella misma posando con bicicletas o del Staten Island Bicycle Club Tea.

Sin duda, la exposición brinda una oportunidad única para profundizar en la obra de esta prolífica artista avanzada a su tiempo, una de las pioneras en la historia de la fotografía en Estados Unidos. En su producción relacionada con el género —ese que vemos deshacerse o desdibujarse a través de su objetivo—, pero también en su propia vida, fue una precursora de la liberación y emancipación femenina, cuestionando de forma rebelde y provocativa las limitaciones del papel asignado a las mujeres en la sociedad que le tocó vivir.

Fechas: Hasta el 3 de septiembre de 2023
Lugar: Museo Nacional del Romanticismo, Madrid

En marcha ARCOmadrid 2024, una edición con el Caribe como protagonista

Written by: Redacción • 21 junio, 2023

IFEMA MADRID ha puesto en marcha la organización de ARCOmadrid 2024, que se celebrará del 6 al 10 de marzo, con el Caribe como protagonista de su nueva edición. Este proyecto central de la feria estará dirigido a la investigación de galerías y artistas vinculados al Caribe en una visión expandida, que no se limitará al territorio físico. Con este espíritu, la sección, que mantendrá activa la conexión de la feria con Latinoamérica, contará con la participación de una veintena de galerías seleccionadas por Sara Hermann y Carla Acevedo-Yates.

Con la premisa de ahondar en el descubrimiento de nuevos valores como eje fundamental de la Feria, la 43a edición de ARCOmadrid mantendrá las habituales secciones de años anteriores, con un Programa General cuyo Comité Organizador será el responsable de la selección las galerías y contenidos artísticos que tendrán presencia en esta edición. El Comité Organizador de ARCOmadrid 2024 lo integran: José Aloy -Polígrafa Obra Gràfica-, Elba Benítez -Elba Benítez-, Eduardo Brandão –Vermelho-, Vera Cortês -Vera Cortês-, Henrique Faria -Henrique Faria-, Pedro Maisterra -Maisterravalbuena-, Alex Mor -Mor Charpentier-, Iñigo Navarro -Leandro Navarro-, Sten Nordenhake -Nordenhake-, Silvia Ortiz -Travesía Cuatro- y Rosa Santos -Rosa Santos.

A este programa se suman otras secciones comisariadas: Opening, volverá a destacar por tomar el pulso a la escena internacional del galerismo joven, reuniendo una selección de galerías realizada por Yina Jiménez Suriel y Cristina Anglada. Y el programa Nunca lo mismo. Arte latinoamericano, comisariado por Manuela Moscoso y José Esparza Chong Cuy, que continuará investigando la diversidad de formas, prácticas y sensibilidades artísticas procedentes de Latinoamérica.

Por otro lado, ArtsLibris, en su apuesta por incentivar el coleccionismo, se situará nuevamente como espacio de referencia para el mundo de las publicaciones de artista, la autoedición, el fotolibro y el pensamiento contemporáneo.

Edward Burtynsky, Premio PHOTOESPAÑA 2023, presenta AFRICAN STUDIES en CENTROCENTRO

Written by: Redacción • 20 junio, 2023

CentroCentro acogerá hasta el 1 de octubre la exposición African Studies, del fotógrafo canadiense Edward Butynsky, dentro de la vigesimosexta edición del festival PHotoESPAÑA y con el patrocinio de ACCIONA.

Edward Butynsky. Camel Caravan #1, Danakil Depression, Ethiopia, 2018. © EDWARD BURTYNSKY, COURTESY NICHOLAS METIVIER GALLERY, TORONTO / FLOWERS GALLERY, LONDON

Comisariada por el propio fotógrafo, la exposición reúne, por primera vez en un espacio público, una selección de 22 fotografías del proyecto African Studies, un extenso conjunto de obras creadas entre 2015 y 2019, centradas en el África subsahariana – Kenia, Nigeria, Etiopía, Ghana, Senegal, Sudáfrica, Botsuana, Namibia, Madagascar y Tanzania–, con las que Burtynsky reflexiona sobre paisajes sometidos a una rápida expansión industrial y productiva.

Sus imágenes presentan entornos moldeados por diversos procesos de extracción de recursos, desde las artesanales minas de zafiro de Madagascar y las salinas de Senegal hasta los «paisajes residuales» de la extracción industrial mecanizada. Junto a paisajes industrializados, el artista ofrece también imágenes del prístino entorno natural como recordatorio de su fragilidad y finitud, como la rica topografía escultórica de las montañas Tsaus, en Namibia; o el inalterado ecosistema del lago Logipi, en el valle del Rift (Kenia).

Con este proyecto, el autor busca concienciar a la sociedad sobre el elevado coste que supone el crecimiento de nuestra civilización sin tener en cuenta prácticas sostenibles y sobre la necesidad de poner en marcha iniciativas gubernamentales organizadas a escala mundial, para proteger a las generaciones presentes y futuras de lo que está a punto de perderse para siempre.

Las obras de Burtynsky, fotografiadas en su mayoría desde perspectivas aéreas, a menudo muestran un aspecto frontal aplanado que transforma la imagen en campos de color de soberbia gradación o rotundas composiciones reticulares que recuerdan a la abstracción modernista. Presentadas a gran escala y con un irresistible nivel de detalle, sus superficies pictóricas y rasgos gestuales permiten entrever la confluencia de diseños naturales e infraestructuras humanas. La perpetua búsqueda de la abstracción en el paisaje por parte de Burtynsky alcanza un delicado equilibrio entre forma y contenido. Él describe este enfoque dualista como «mantener dos puertas abiertas» para que el espectador se adentre en la obra, indagando un tema muy amplio y, al mismo tiempo, explorando la imagen como forma de expresión sensorial intuitiva.

Edward Burtynsky, Premio PHotoESPAÑA 2023

La vigesimosexta edición del Festival ha querido reconocer la trayectoria de Edward Burtynsky con el Premio PHotoESPAÑA 2023, máximo galardón del Festival. En esta ocasión, PHotoESPAÑA no solo reconoce la trayectoria del fotógrafo canadiense, sino sobre todo su compromiso con cuestiones como el medio ambiente y el desarrollo sostenible. Una constante que le ha acompañado a lo largo de toda su carrera y sobre las que el autor ya ponía el foco mucho antes de que se convirtieran en temas de actualidad y pasaran a formar parte de las agendas de los gobiernos.

Edward Burtynsky es considerado uno de los fotógrafos contemporáneos más destacados del mundo. Sus extraordinarias representaciones fotográficas de paisajes industriales globales representan más de 40 años de su dedicación a dar testimonio del impacto del ser humano en el planeta. Las fotografías de Burtynsky forman parte de las colecciones de más de 80 museos en todo el mundo, entre otros, National Gallery de Canada en Ottawa; Museum of Modern Art, Metropolitan Museum of Art y Guggenheim Museum en Nueva York; Tate Modern en Londres, Los Angeles County Museum of Art en California o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Entre las distinciones de Burtynsky se incluyen el Premio TED inaugural en 2005, que compartió con Bono y Robert Fischell; los Premios del Gobernador General en Artes Visuales y Medios de Comunicación; el Premio Outreach en los Rencontres d’Arles; el Premio Roloff Beny Book; y el Premio Photo London Master of Photography 2018. En 2019 recibió el Premio Arts &Letters en el Maple Leaf Ball anual de la Asociación Canadiense de Nueva York y el Premio Lucie 2019 al Logro en Fotografía Documental. En 2020 se le concedió la Beca Honoraria de la Royal Photographic Society y en 2022 recibió el Premio a la Contribución Sobresaliente a la Fotografía de la Organización Mundial de la Fotografía. Recientemente ha sido incluido en el Salón Internacional de la Fama de la Fotografía y en 2022 ha recibido el premio Pollution Probe Award.

Burtynsky también fue una figura clave en la producción de la galardonada trilogía documental Manufactured Landscapes (dirigida por Jennifer Baichwal, 2006), Watermark (dirigida por Baichwal y Burtynsky, 2013) y ANTHROPOCENE: The Human Epoch (dirigida por Baichwal, Nicholas de Pencier y Burtynsky, 2018). Las tres películas siguen proyectándose en festivales de todo el mundo. Burtynsky es actualmente titular de ocho doctorados honoris causa.

Fechas: Hasta el 1 de octubre de 2023
Lugar: CentroCentro, Madrid

The Last Slice, colectiva que analiza diferentes enfoques sobre la comida

Written by: Redacción • 20 junio, 2023

La galería Badr El Jundi, en su sede madrileña, presenta la exposición colectiva The Last Slice. Un proyecto que reúne el trabajo de ocho artistas internacionales: Alma Berrow, Tania Blanco, Holly Halkes, Maia Regis, Iván Forcadell, Kat Lowish, Coline Marotta y Lena Christakis.

_{IVÁN FORCADELL. Latitud, Francia y una reunión, 2023. Cortesía de BADR EL JUNDI. © Iván Forcadell}

Desde la industrialización alimentaria, hasta la exploración de los comportamientos humanos. “The Last Slice” interpreta el acto de la comida como un acto social alrededor de una mesa. Como un episodio que se convierte en un momento histórico. Como una reunión de personas, familiares, conocidos en una vida cotidiana. Una referencia al tradicional bodegón. La comida como la vida es un ciclo que empieza y acaba. ¿Y qué valor espacio/tiempo le estamos dando?

Los artistas

ALMA BERROW (GB, 1992)

Alma Berrow es una artista británica que crea complejas esculturas de cerámica. Su atrevida práctica redefine de manera divertida el género de la naturaleza muerta, representando ceniceros rebosantes o elaborados platos de comida que transmiten momentos contemporáneos y familiares de la vida cotidiana.

Berrow estudió originalmente Arte y Textiles en la Universidad de Falmouth, pero durante la primera cuarentena, debido al covid-19, decidió explorar el campo de la cerámica. Desde entonces, Berrow ha participado en varias exposiciones colectivas y ferias internacionales, como IRL: In Real Life, Timothy Taylor (2021), Miami Nada, Nino Meir (2021) y, más recientemente, en el Dallas Contemporary Museum (2023). En 2021 la artista formó parte de la subasta Sotheby’s (Women) Artists, su obra se presentó junto a obras de Lavinia Fontana, Dorothea Tanning, Cindy Sherman y Helen Frankenthaler. Actualmente vive y trabaja en Londres.

TANIA BLANCO (Valencia, España, 1978)

El trabajo de Tania Blanco tiene un carácter multidimensional, centrándose principalmente en los acontecimientos socio-políticos recientes y en los problemas medioambientales. Desde que completó sus estudios, ha participado en varias residencias artísticas y ha recibido numerosos premios y becas como la beca Pollock-Krasner Foundation , la beca de residencia Casa de Velázquez (Académie de France à Madrid), la Beca Fundación Especial Caja Madrid (Generaciones 2014), la beca de residencia Bogliasco Foundation (Liguria Arts Center), la beca de artista Fundación Caixa Galicia, la XX Beca Alfons Roig (Concejo de Valencia), la beca Formarte de residencias artísticas del Ministerio de Cultura de España (Collège d´Espagne à Paris), o la beca de residencia Cité Internationale des Arts en Paris. Asimismo, el trabajo de Blanco se ha podido ver en exposiciones individuales, en museos y galerías, y en varias exposiciones grupales y ferias de arte en las que ha participado. Tania Blanco terminó el Programa de Posgrado (2017-2020) en la Royal Academy of Arts en Londres.

LENA CHRISTAKIS (USA 1997)

Lena Christakis es una artista visual afincada en Nueva York que creció en Massachusetts y Vermont. Se licenció en Arte por la Universidad de Yale en 2020, especializándose en pintura. Desde que se graduó, las obras de Christakis, que Observer llamó “joyas minimalistas surrealistas”, se han presentado en exposiciones colectivas en toda la ciudad de Nueva York e internacionalmente, incluida una exposición de dos personas en SPRING/BREAK Art Show en Manhattan y Too Long at the Fair, una exposición en Golsa Gallery en Oslo, Noruega, así como A/Typical Now en Opening Gallery en Tribeca. A principios de este año, su exposición Suitcase Paintings en SPRING/BREAK Los Ángeles supuso la primera presentación individual de su obra. Entre sus próximas exposiciones figuran una colectiva en Badr El Jundi de Madrid (España), que se inaugurará en junio, y la nueva exposición Art In Embassies en la Embajada de EE.UU. en Bishkek (Kirguistán).

La obra de Christakis profundiza en el codificado género de la naturaleza muerta, ampliando el memento mori hasta extremos más ambiguos. Objetos escasamente dispuestos en entornos indefinidos hablan simultáneamente de múltiples realidades de la condición humana. La soledad, la vanitas, el aburrimiento; junto a la belleza, el humor y el placer. A partir de un léxico de símbolos creados y prestados, Christakis yuxtapone distintos modos de representación en un mismo cuadro, desde lo hiperreal a lo hiperplano.

_{HOLLY HALKES. Unrealistic Expectations, 2023. Cortesía de BADR EL JUNDI. © Holly Halkes}

HOLLY HALKES (Londres, GB, 1993)

Holly Halkes estudió su primera licenciatura en Diseño de Moda adquiriendo un amor por el diseño de impresión y los colores atrevidos. Posteriormente estudió Bellas Artes en la City & Guilds of London Art School, donde se graduó en 2022 tras presentar su trabajo en varias exposiciones con galerías como The Room en Londres, ha presentado obras en la London Art Fair y tiene una próxima exposición individual en el Albert Contemporary de Odense en 2023.

IVÁN FORCADELL (Alcanar, España 1993)

Influenciado por las vanguardias propias del arte moderno, Iván Forcadell es un artista multidisciplinar que produce desde la autenticidad y el expresionismo para crear un cuerpo de trabajo que se remite a su auténtico ser, sus raíces y su mirada. El artista entrelaza relatos de su infancia en el campo, folclore e ironía acercándose a estas cuestiones con armonía y desenfado; su característico estilo fresco y colorido es un contundente posicionamiento a favor de la capacidad de impresionar del arte y un llamamiento a la reinvención constante del artista para el que la relación con su obra supone el pilar fundamental de su producción. Forcadell encuentra en la importancia de la naturaleza y las relaciones humanas, y cómo estas se relacionan con su propia vida, la base de sus obras. Para él es tan importante la honestidad en sus series como su originalidad, llevando adelante una constante investigación de nuevas técnicas y materiales a la vez que introduce en sus composiciones elementos de proximidad y objetos encontrados.

Forcadell se licenció en Diseño por la Universidad EINA de Barcelona y cuenta con numerosas exposiciones nacionales e internacionales, entre las que destacan: “Flux Cutting”, Foco Gallery, Lisboa (2019), “El inicio del segundo acto”, Fundación Lluís Coromina, Barcelona (2019), “Primavera de Escayola”, Centro de Arte Casa de Indias, El Puerto de Santa Maria (2020) y “Un beso, una araña y una flor (Letters to LB)”, Random Space, Mahón ( 2021). La obra del artista ha sido incluida en prensa de renombre como: Harper’s Bazaar, El País ICON, Vogue España, El Mundo o Architectural Digest España, entre otros.

KAT LOWISH (Nueva York , EEUU, 1990)

Kat Lowish es una artista afincada en Nueva York que trabaja principalmente con pintura, además de fotografía y cerámica. Recientemente ha obtenido un máster en Bellas Artes en la Escuela de Arte de la Universidad de Columbia. Es licenciada en Filología Alemana y Francesa por el University College de Londres.

Para Kat Lowish contar historias siempre ha estado en el centro de su práctica artística. Creció con amor por el teatro y la interpretación. Imaginando historias y mundos que, en su mayoría, estaban muy alejados de su realidad.

Las obras de teatro, las películas y las novelas siempre suelen tener un desenlace concreto y esto a veces puede coartar una imaginación innecesaria. Para ella, lo maravilloso y emocionante de pintar es, en parte, que puede inventar un momento de una historia -con todos sus detalles- sin comprometerse con un final definitivo, lo que permite al espectador encontrar el suyo propio. Para ella es liberador no saber cómo continúa un momento. Espera que las escenas que pinta despierten intriga y abran interrogantes que comiencen momentáneamente en el lienzo, pero que continúen o concluyan en la imaginación del observador.

COLINE MAROTTA (Francia, 1995)

Desde que terminó su máster en Bellas Artes en la Real Academia Danesa de Bellas Artes (2017), Marotta ha expuesto en la Brigade Gallery (Copenhague), The Tennis Elbow (Nueva York) y la Public Gallery (Londres), entre otras. Su obra ha sido incluida en colecciones públicas como Statens Kunstfond (DK), además de numerosas colecciones privadas. En la actualidad, Marotta vive y trabaja entre Copenhague y Marsella.

Partiendo de su interés por lo ontológico, las suaves pinturas expresionistas de Coline representan un ambiente de tranquilidad, consuelo y reconciliación que destilan tranquilidad, consuelo y reconciliación.

Sus personajes contemplativos, que se encuentran abrazados o tendiendo la mano, añaden una intimidad a los espacios familiares que habitan. Símbolos de esperanza, esperanza de días mejores, de cuidados y de sentirse en casa brotan en las obras. Las escenas que propone Marotta no son de un época diferente a la actual, sino que existen en un mundo libre de plazos, electrónica y ajetreo: en lugar de centrarse en las impresiones grandiosas y abrumadoras, Marotta opta por investigar nuestras actividades cotidianas y comunes, la magia de lo banal.

MAIA RÉGIS (Francia, 1995)

Maïa Régis se graduó en el Royal College of Art de Londres en otoño de 2019 , en Pintura. Régis creció en París y estableció su estudio en Londres después de graduarse para comenzar a trabajar en varias exposiciones. Su debut lo hizo en la exposición individual ‘Kilos’ que se inauguró en Carl Kostyal Gallery (Londres) en diciembre de 2022. Ahora vive y trabaja en Palermo, Sicilia.

Sus pinturas son superficies viscerales vinculadas a un material urbano. Están asociadas a ruidos, diálogos callejeros y sensaciones táctiles… que enlazan con una dimensión cinematográfica. Proceden del disfrute del color, de los impulsos musicales de todos los estilos, del deambular por mercadillos llenos de comida y olores.

Los cuadros son un mosaico de imágenes contemporáneas, inspiradas en experiencias vividas o extraídas de los medios de comunicación, la música, el cine, la fotografía o las referencias pictóricas.

Esto le permite navegar en aguas turbulentas entre signos carentes de contenido significativo, atmósferas contrastadas con arquetipos portadores de violencia colectiva o, por el contrario, horizontes paradisíacos. La ambigüedad es para ella la clave de una obra viva.

Fechas: Hasta el 27 de julio de 2023
Lugar: Badr El Jundi, Madrid

Las fotografías de Nick Brandt llegan a Madrid

Written by: Redacción • 20 junio, 2023

De la mano de TAMARA KREISLER Gallery, llegan primera vez las fotografías de Nick Brandt (1964, Londres) a Madrid. Una exposición, titulada THE DAY MAY BREAK, Chapter I & II, que destaca dentro del Festival Photoespaña23.

En “THE DAY MAY BREAK”, Nick Brandt presenta fotografías tomadas en Zimbabue, Kenia y Bolivia entre 2020 y 2022 que son parte de un proyecto global en el que retrata a personas y animales que han sido afectados por la degradación del medio ambiente y el cambio climático. Todos sus protagonistas han sido fotografiados en santuarios naturales donde se encontraban los animales rescatados, que nunca más vivirán en su habitat salvaje.

Como resultado, casi todos los animales están habituados a los humanos, por lo fue fácil que los humanos estuvieran cerca de ellos, fotografiados en el mismo marco al mismo tiempo. La niebla presente en las fotografías, es un símbolo de un mundo natural que se desvanece rápidamente frente a nosotros y fue creada por máquinas de niebla en el lugar, como eco del humo de los incendios forestales, intensificado por el cambio climático, que devasta gran parte del planeta.

Nick Brandt - Najin-and people in fog — _{Nick Brandt – Najin and people in fog}

Los temas de las series fotográficas de Nick Brandt siempre están relacionados con el impacto destructivo que la humanidad está teniendo tanto en el mundo natural como ahora también en los propios seres humanos.

Artista: Nick Brandt
Fechas: Hasta el 25 de julio 2024
Lugar: TAMARA KREISLER Gallery, Madrid

Angela Melitopoulos. Cine(so)matrix

Written by: Redacción • 19 junio, 2023

La exposición Angela Melitopoulos. Cine(so)matrix, la mayor retrospectiva dedicada a la artista audiovisual Angela Melitopoulos hasta la fecha. Consta de 10 obras audiovisuales y un proyecto sonoro instalados en sus respectivas salas que van trazando un recorrido a lo largo de más de dos décadas. Desde el videoensayo Passing Drama (De paso por Drama) de 1999 hasta el proyecto de investigación actualmente en proceso Matri Linear B (Matrilineal B) de 2022, Angela Melitopoulos investiga y reflexiona sobre una nueva forma de narrar el tiempo, conectando cuestiones que tienen que ver con la memoria, las migraciones, la resistencia y los paisajes de vida.

Angela Melitopoulos nació en Múnich (Alemania) en 1961. Alumna del maestro del vídeo arte, Nam June Paik en la Academia de Arte de Düsseldorf, su formación parte de una aproximación autorreflexiva al medio audiovisual. Su práctica artística no puede separarse de la curiosidad con la que investiga tanto los temas que aborda en sus videoensayos como los medios materiales técnicos y expresivos que emplea en su realización y en sus instalaciones.

Para Melitopoulos, el vídeo imita el funcionamiento de la percepción y la memoria, lo que permite estudiar los procesos de formación de la subjetividad, intentando abrirla con sus trabajos, a nuevas formas alejadas de identificaciones capitalistas, coloniales y patriarcales. A esta peculiar manera de trabajar con el espacio, el sonido y la imagen en movimiento lo denomina Cine(so)matrix, una forma de cine experimental que da nombre a la exposición.

Durante el proceso de creación de sus obras aparecen diferentes colaboraciones con intelectuales, artistas o activistas como el filósofo Maurizio Lazzarato, la antropóloga Barbara Glowzewski, el psiquiatra y psiconalista Jean Claude Pollak, la filósofa y artista Elisabeth von Samsonow o las artistas Kerstin Schroedinger y Angela Anderson.

El vídeo como herramienta de pensamiento

Melitopoulos usa la tecnología del vídeo de forma experimental, con un montaje o proceso no lineal, fraccionado, en algunos casos multicanal, y como una herramienta de intervención sensorial, según explica: “La imagen de vídeo no documenta lo real, sino que actúa como una memoria visual”.

Los vídeos e instalaciones de Melitopoulos indagan acerca de la memoria, la percepción y la formación de la conciencia histórica colectiva, así como sobre el mapeado y uso de los lugares en el tiempo. De los intereses y enfoques que su trabajo utiliza nacen conceptos como el de cronopaisajes, una propuesta conceptual y estética que, a su vez, articuló gran parte de las investigaciones y hallazgos de Melitopoulos en la década de los 2000.

La exposición. Un recorrido por el paisaje y la memoria.

Al inicio de la exposición, una “instalación textil” del artista y diseñador de origen chileno José Délano, evoca un telar donde se visualizan las intersecciones y líneas de investigación del trabajo de Angela Melitopoulos. Los títulos de cada proyecto se muestran como peines de telar, nodos físicos conectados entre sí a través de hilos de algodón. Una selección de notas, frases sueltas y citas reúnen las claves para adentrarse en la exposición. En el núcleo del recorrido, seis “diagramas eléctricos” del mismo autor sintetizan algunos de los conceptos fundamentales que atraviesan las diferentes obras de la artista que componen esta exposición.

Passing Drama, 1999. De paso por Drama. Videoensayo, 66 min.

La primera obra que se nos muestra es un videoensayo sobre la memoria migrante centrada en la historia de la familia de la propia artista, refugiados griegos, tal como le fue transmitida después de tres generaciones. En la década de 1920, un millón y medio de personas fueron obligadas a abandonar Asia Menor y buscar refugio en Grecia. Uno de los lugares de paso en su huida fue el pequeño pueblo heleno de Drama. Este desplazamiento se prolongó en las generaciones siguientes, a través de Austria y Alemania.

Passing Drama se centra en las pequeñas historias de los refugiados y migrantes, los desplazados de la Historia con mayúsculas: «En tanto que migrante, uno o una vive en un mundo de diferencias, singularidades, heterogeneidades (el “aquí” adonde se ha migrado y el “allá” de donde se viene; la lengua materna y la lengua que se tiene que aprender y la cultura a la que hay que adaptarse).», escribe Melitopoulos.

Es justamente esta reflexión acerca de la dispersión de la memoria migrante, el punto de partida para concebir la noción de los “cronopaisajes”, a cuyo desarrollo teórico y práctico dedica varios años. Para ello inicia una plataforma de trabajo en red y multiautoral, Timescapes, compuesta por artistas, investigadores y activistas que, conectados a través de internet, comparten información, materiales de vídeo y técnicas de edición e investigan nuevas técnicas de narración.

Corridor X, 2006. Corredor X. Videoinstalación de dos canales, 80 min.

Corredor X es el nombre del décimo corredor de la Red Transeuropea de Transporte, un proyecto de infraestructuras pensado para facilitar la comunicación de personas y mercancías a lo largo de toda la Unión Europea, conectando Austria, Eslovenia, Croacia, Serbia, Macedonia del Norte y Grecia.

Corredor X es también el título de esta road movie a doble pantalla que se produce en el seno de Timescapes. Durante tres años, videoartistas y activistas de Alemania, Serbia, Grecia y Turquía crean un repositorio de vídeo llamado Cronopaisajes, que usa el montaje no lineal para explorar la memoria colectiva y formas alternativas de representación fílmica que cuestionan la supuestamente progresista ideología de integración capitalista, según Melitopoulos.

Unearthing Disaster I, 2013. Desenterrar el desastre I. Videoinstalación de dos canales, 37 min

Compartiendo sala con la anterior, esta videoinstalación de Angela Melitopoulos realizada junto a la artista Angela Anderson, es también una road movie a doble pantalla que documenta las desproporcionadas consecuencias ocasionadas por la construcción de una mina de oro en los bosques del monte Kakavos en Skouris, y su impacto en las ecologías sociales, mentales y medioambientales, así como las estrategias de resistencia desarrolladas por sus pobladores. Melitopoulos señala: “Lo que encontramos es la realidad biológica que produce un desastre político. La mina de oro de la Calcídica impone unas condiciones de homogenización total de las subjetividades a un solo plano de realidad, desencadenando así una resistencia que busca otra perspectiva.”

The Cell. Antoni Negri and the Prison, 2008. La Celda. Antonio Negri y la cárcel.
Capítulos: Prólogo 18 min / Exilio – París, 1997, 10 min /Cárcel – Rebibbia, 1998 46 min /Arresto
domiciliario – Roma, 2003. 47min

La celda. Antonio Negri y la cárcel es una película-entrevista editada originalmente en formato DVD sobre los 15 años de encarcelamiento del filósofo Antonio Negri (Padua, 1933), uno de los principales teóricos de la izquierda en Italia desde la década de 1960, acusado de asociación y rebelión armada contra el Estado.

Este proyecto de 120 minutos se articula a partir de tres entrevistas realizadas al filósofo en su exilio en París en 1997, en la celda de la prisión romana Rebibbia en 1998 y el último día de su condena en Roma en 2003.

The Language of Things, 2007. El lenguaje de las cosas. Videoensayo, 33 min.

El lenguaje de las cosas es un videoensayo que investiga la forma de inmediatez experimentada en entornos tecnológicos como los parques de atracciones, donde “las máquinas se aceleran, el cuerpo llega a perder el sentido de la gravedad y se alcanza un estado de euforia que pone en suspenso el sentido habitual del tiempo y de forma casi instantánea, nos coloca en un estado sensorial de comunalidad material con las cosas”. Intercalando el montaje de las tomas grabadas con extractos del texto del filósofo lemán Walter Benjamin, “Sobre el lenguaje en cuanto tal y sobre el lenguaje del hombre”, Melitopoulos construye un ensayo audiovisual cuya textura fragmentada y sincopada reproduce el entorno perceptivo creado por las máquinas.

Assemblages, 2010. Agenciamientos. Videoinstalación de tres canales, 71 min.

En la senda de investigación sobre el “animismo maquínico”, Angela Melitopoulos viaja a Brasil, reexamina las ideas del filósofo y psiquiatra Félix Guattari en las culturas animistas y crea el proyecto Agenciamientos, junto con el sociólogo y filósofo Maurizio Lazzarato, para el que utilizan material documental, fragmentos de películas, programas radiofónicos, archivos sobre la clínica de La Borde y clips de entrevistas.

El montaje es un tríptico con pantallas de tamaños diferentes suspendidas en el aire y cada una intensifica una modalidad perceptiva: ver, oír, leer.

The Life of Particles, 2012. La vida de las partículas. Videoinstalación de tres canales, 82 min.

La vida de las partículas es un proyecto de investigación visual de Angela Melitopoulos y Maurizio Lazzarato que sigue el camino emprendido con Agenciamientos en torno a la noción del “animismo maquínico” y utiliza el mismo tipo de presentación, tres pantallas de distinto formato dispuestas verticalmente y suspendidas en el aire. Concebida a manera de cuaderno de viaje, en sus tres partes se solapan las entrevistas, los extractos de películas, las imágenes de archivo y las grabaciones de voz del propio Guattari.

La videoinstalación aborda la situación de Japón tras el terremoto y el desastre nuclear en Fukushima en 2011; la protesta anticolonial contra la militarización en Okinawa; el Movimiento antinuclear en Hiroshima después de 1945 y la historia tecnológica de Japón, en la que la tradición animista es fundamental.

The Refrain, 2015. El ritornelo. Instalación de cuatro canales, 66 min

En colaboración con Angela Anderson, Maurizio Lazzarato y Aya Hanabusa, Angela Melitopoulos crea El ritornelo, una instalación compuesta por una vitrina con material de archivo, un mapa, un texto mural y cuatro canales de vídeo.

La historia narrada en esta instalación habla de la resistencia de los habitantes de la isla de Okinawa (Japón) y de la isla de Jeju, (Corea del Sur) contra la presencia militar estadounidense. Las protestas en defensa del territorio, que llevan años sucediéndose, hallan en la reiteración de melodías, el ritornelo, un método de construcción de identidad, de salvaguarda de la memoria colectiva y de robustecimiento del
sentimiento de pertenencia a un determinado lugar.

Zonkey Music, 2023 Música Zonkey. 10 piezas musicales

Angela Melitopoulos canaliza parte de sus investigaciones recientes a través del proyecto de música experimental ZONKEY, en el que participa también la artista Kerstin Schroedinger y que se centra en las cualidades expresivas de la superficie terrestre. Las “pistas de tierra” en las cuatro estaciones de escucha que componen esta sala fueron improvisadas por ZONKEY en Berlín y Baja Austria en torno a un yacimiento paleolítico. Con el uso de micrófonos, amplificadores e instrumentos, buscan, generan y transmiten sonidos que brotan del paisaje, creando composiciones de corta duración.

Matri Linear B 2021. 2022. Matrilineal B. Dos videoinstalaciones multicanal de 71 y 103 min

El último proyecto de Angela Melitopoulos, actualmente en proceso, se centra en la fuerza expresiva de la tierra, explora la propia acción de ver los paisajes como paisajes hablantes, conectando el pasado prehistórico con la contemporaneidad para preguntarse acerca de claves que nos permitan escapar de una forma patriarcal y colonial dominante de relacionarnos con el entorno, explica la artista. Son dos instalaciones de vídeo multicanal, con vídeo sincronizado, en las que se despliega una investigación que se ha llevado a cabo, hasta ahora, en Australia, Baviera y Austria.

Matri Linear B- Surfacing Earth. 2021. Matrilineal B-Tierra emergente se centra en el arte de habitantes aborígenes del Norte de Australia, así como en las políticas relativas a sus derechos sobre la tierra y la transmisión de su memoria, amenazada e interrumpida por el genocidio colonial y la expoliación de sus tierras.

Matri Linear B – Revisions. 2022. Matrilineal B-Revisiones incluye relatos de varios productores agrícolas de la Baja Austria donde el patrón de crecimiento y explotación intensiva ha favorecido el uso de tecnologías y la mecanización de los cultivos, lo que implica la disminución del contacto humano con la tierra de forma que los agricultores se convierten en testigos y operadores de su propia extinción.

Fechas: Hasta el 18 de septiembre de 2023
Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

El poeta y el artista. La colaboración entre Seamus Heaney y Jan Hendrix en Yagul

Written by: Redacción • 19 junio, 2023

Fundación Casa México en España acoge la exposición El poeta y el artista. Seamus Heaney y Jan Hendrix en Yagul. Una exposición que muestra una serie de serigrafías, tapices, litografías y libros ilustrados, resultado de la colaboración entre el artista neerlandés-mexicano Jan Hendrix y Seamus Heaney, el poeta y premio Nobel irlandés, teniendo como referente el paisaje y la flora de las ruinas de Yagul en Oaxaca entre 1992 y 2016.

El poeta y el artista está conformada por 50 piezas que incluyen serigrafías, litografías, tapices, videos, fotografías, libros y material de archivo, procedentes de diversas colecciones privadas y de la colección permanente del MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporáneo, UNAM , México).

La exposición está curada por Cuauhtémoc Medina, uno de los más influyentes críticos y curadores de arte contemporáneo con gran reconocimiento a nivel nacional e internacional. Actualmente, curador en jefe del Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México.

Cuauhtémoc y yo nos dimos cuenta de que había un hilo rojo corriendo por la exposición, que es una especie de retrospectiva. En cada fase había un elemento que se repetía a lo largo de los años. Una serie de obras que estaban todas conectadas por su tema central que es Yagul y por la relación con el trabajo con los poetas en particular con Seamus Heaney.
Jan Hendrix

El poeta y el artista

La relación entre ambos comienza a raíz de la profunda admiración de Hendrix con la obra literaria de Heaney, cuando en 1980 conoce la obra del poeta. Más adelante a principios de los noventa, comienza su colaboración con el primer libro La rama dorada, que Hendrix ilustra con serigrafías de las cactáceas de Yagul impresas en hoja de oro. Una de las ramas más fructíferas de la producción de Jan Hendrix (1949) ha consistido en acompañar con su obra gráfica libros de reconocidos escritores como García Márquez, Ludwig Wittgeinstein, Pura López Colomé, W.G Sebald, entre otros. Posteriormente en 1996 colaboran en La luz de las hojas (The Light of the Leaves) un poemario que evoca y homenajea a poetas fallecidos con impresiones de paisaje rocoso de Yagul con bordes dorado y negro. Cuando se realizó la traducción de la obra, se presentó junto con una separata de ocho serigrafías y trece grabados en hoja de plata sobre papel nepalés.

En 2008 ambos coinciden en Madrid y surge su última colaboración para la Eneida. Libro VI. Heaney decidió abarcar en su totalidad la traducción libro VI de la Eneida de Virgilio, un libro del cual ya había traducido algunos fragmentos. Hendrix usa nuevamente imágenes del paisaje de Yagul con litografías vistas, imágenes de espinas y brotes en blanco sobre fondo negro (trabajo negativo/positivo). Durante el proceso de creación del libro, Seamus Heaney fallece (2013), suspendiendo el proyecto, finalmente su familia lo retoma y se publica en 2016.

Yagul

Yagul es una zona arqueológica fortificada ubicada en el estado de Oaxaca en el valle de Tlacolula, que data de 1352, donde se han encontrado vestigios de pintura mural. En 2010 la UNESCO lo nombró Patrimonio de la Humanidad. Jan Hendrix visita por primera vez Yagul invitado por el artista Francisco Toledo. Asombrado por la luz del paisaje de Oaxaca, los colores y la flora, decide ilustrar el libro con imágenes inspiradas en Yagul. Francisco Toledo y Jan Hendrix invitaron a Seamus Heaney a presentar el libro La luz de las hojas en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca en 1999. En ese evento, Heaney comparó a Irlanda y México como tierras creadas por artistas románticos a partir de sus mitologías, y la historia de sus invasiones.

Fechas: Del 9 de junio al 10 de septiembre de 2023
Lugar: Casa de México en España, Madrid

BASC el nuevo movimiento artístico experiencial

Conoce BASC, el nuevo movimiento artístico experiencial

Written by: Redacción • 19 junio, 2023

El panorama artístico de Barcelona ha sido agitado por la llegada del movimiento emergente conocido como BASC. Este colectivo de artistas está transformando la forma de experimentar el arte, desafiando los formatos tradicionales y sumergiendo al espectador en experiencias inmersivas. Su característica más destacada son las “Basqueadas”, encuentros gastronómicos curados donde se fusiona el arte y la gastronomía, trascendiendo el espacio expositivo convencional. Inspirados en los principios del “social practice”, BASC crea espacios de pensamiento crítico en los que el comensal adquiere un rol activo en la experiencia.

Las intervenciones clandestinas de BASC solo se pueden acceder mediante invitación directa de los artistas. Alrededor de 20 participantes tienen la oportunidad de sumergirse en una experiencia única guiada por un hilo conductor que provoca distintas voces y perspectivas. Estos encuentros son desafiantes, efímeros y exclusivos, generando una atmósfera misteriosa alrededor de las obras y experiencias que se degustan. Xavi Morón, uno de los artistas, menciona que no siguen ninguna agenda y no tienen presiones externas para crear, lo que les permite disfrutar de la libertad colectiva y la retroalimentación autogestionada.

Detrás de estos eventos fascinantes se encuentra un grupo de amigos artistas con voces independientes y diversas, que encuentran en BASC un espacio de diálogo conjunto fuera de su zona de confort. Se reúnen periódicamente en busca de estimulación intelectual y creativa, compartiendo ideas, aprendizajes y técnicas que enriquecen su obra colectiva. Los cinco artistas que forman parte de BASC son Marina Salazar, Xavier Morrón, Gastón Lisak, Samuel de Sagas y Nicole Vindel. Sus obras exploran diversos formatos, desde lo performático hasta lo escultórico, pictórico e incluso comestible. Han obtenido reconocimiento internacional en ciudades como Nueva York, Hong Kong y Singapur, colaborando con marcas e instituciones de renombre.

BASC ha llegado para romper las barreras preestablecidas del arte y desafiar las normas establecidas. Su enfoque inmersivo y su compromiso con la práctica social han despertado un gran interés y curiosidad en la escena artística de Barcelona. Estaremos atentos a las próximas intervenciones y eventos que este colectivo nos ofrezca, seguros de que nos seguirán sorprendiendo con su propuesta única y arriesgada.