PAC | Noticias - PAC | Página 123 de 1007

María Van den Eynde y Emilio Ruiz Mateo nos cuentan los detalles de FLORA 2023

Written by: Sara Torres Sifón • 10 octubre, 2023

Quedan pocos días para que arranque la sexta edición del Festival FLORA, evento que este año está dedicado a la ‘Inteligencia vegetal’. FLORA, que tendrá lugar del 16 al 26 de octubre, va a reunir a algunos de los mejores artistas florales del mundo para que muestren sus creaciones vegetales en los patios más emblemáticos de Córdoba.

Hablamos con María Van den Eynde (directora general) y Emilio Ruiz Mateo (director artístico) de FLORA 2023 para que nos cuenten más detalles sobre lo que podremos descubrir en la nueva edición.

Izq.: Retrato de María Van den Eynde © Laura Martínez Lombardía. Der.: Retrato de Emilio Mateo © Lisbeth Salas

PAC – Antes de hablar de lo que podremos encontrar en la próxima edición de FLORA, me gustaría preguntarles cómo ha sido la aceptación del festival, sobre todo dentro del ámbito del arte contemporáneo.

María Van den Eynde – Yo creo que al principio no se nos tomaba muy en serio. Quiero decir que, en la primera edición, allá por 2017, cuando hablabas de «arte floral contemporáneo» automáticamente a la gente podría venírsele a la cabeza una macrodecoración para una boda o similar, y lo nuestro va por otro lado. Es algo con lo que hemos sido muy machacones. Hay grandes floristas que trabajan lo decorativo a un nivel altísimo, pero lo que nosotros buscamos es otra cosa. Partimos del concepto de la intervención de un espacio determinado en un contexto concreto, y nuestros artistas puede que sean creadores que han partido de lo contemporáneo para acercarse a lo vegetal, o floristas que han llegado a un camino más conceptual, más contemporáneo. Al fin y al cabo, son artistas cuyo medio de expresión son las flores o la materia vegetal en lugar del óleo, el barro… Las flores y todo lo vegetal tienen un problema: son materiales caros y, además, son muy efímeros; de ahí resulta que a lo largo de la historia contemporánea no haya habido muchos artistas que se dediquen a trabajar las instalaciones florales, porque son muy difíciles de producir. FLORA es el contexto perfecto, cubre un espacio dentro del arte contemporáneo que estaba, quizás, vacío.

PAC – Este año, la temática del festival es Inteligencia vegetal. ¿Cuáles son los conceptos básicos que tenemos que tener en cuenta para saber si las instalaciones participantes cumplen la temática? ¿Qué es la inteligencia vegetal?

Emilio Ruiz Mateo – Este año la Inteligencia Artificial está encima de la mesa, no solo en el arte, sino en la ética, en la ciencia, digamos que en todas las facetas de la cultura y nos apetecía, ya que estamos hablando tanto de la inteligencia artificial, poner la mirada sobre la inteligencia vegetal.

Inteligencia vegetal es un concepto que tiene mucho que matizar, de hecho, hay muchas personas que defienden que no existe, que debería llamarse de otra manera porque lo que estamos haciendo es humanizarla. A pesar de esto, la amplia mayoría de estudiosos entienden y utilizan el termino de inteligencia para referirse a la manera que tenemos de defendernos ante determinados problemas. En ese sentido está clarísima la inteligencia que desarrollan las plantas, mucho más sofisticada que la de un animal o incluso la del ser humano…

La propuesta de Inteligencia vegetal como tema es un estímulo para que los artistas se inspiren, no solo los artistas de las instalaciones, también los creadores de las actividades paralelas, que están muy relacionadas con el tema. Nosotros no creamos una serie de criterios para comprobar si el tema está en la instalación, simplemente es el punto de partida. Aunque, si es cierto, que si nos proponen una instalación en la que vemos que no está ese tema de ninguna manera, se dialoga con el artista y se llega a un acuerdo o hay una orientación para que se reconfigure un poco esa instalación. Pero, esto no nos ha ocurrido porque creo que los temas invitan mucho a crear y, de hecho, en este año las 5 instalaciones tienen relación con el tema de una manera u otra.

PAC – ¿Cómo es el proceso de selección de los artistas invitados?

Emilio Ruiz Mateo – Es un proceso de todo un año, estamos pendientes de toda la actividad que hay en el mundo del arte floral y en el mundo del arte relacionado con instalaciones artísticas. Nosotros buscamos dos perfiles, por un lado, floristas que hayan dado el salto al formato de instalación, en ese sentido, son floristas artistas porque entienden ese formato; y, por otro lado, artistas plásticos, artistas de instalaciones artísticas que trabajan con flores, plantas y con elementos botánicos.

Estamos muy atentos a todo lo que va surgiendo a lo largo de todo el año y vamos creando, en cada edición, un mapa de diferentes tendencias, diferentes maneras de entender el arte floral. Algunos artistas son más conceptuales, algunos son más comerciales, tienen diferentes edades, diferentes nacionalidades, porque eso nos da también mucha riqueza a la hora de mostrar el arte floral. No es lo mismo el acercamiento a la floristería en Inglaterra que en Oriente, es muy diferente.

Los artistas que invitamos al festival entienden lo que es una instalación. Esto no es una bobada, aunque pueda parecer muy simple, no se trata de decorar patios, jamás lo hemos hecho ni queremos hacerlo lo que no quita que las obras tengan un poder estético brutal. Lo que buscamos son creadores que entiendan el formato de instalación artística, una obra en la que el propio lugar forma parte de ella, el espacio es un elemento más de la instalación y se trata de reinventar o de crear otro lugar diferente con esa obra que estas creando. Lo que vemos en el cubo blanco de un museo es lo que se traslada a un patio de la ciudad de Córdoba.

PAC – A la hora de la creación de las instalaciones, ¿los artistas tienen algún tipo de limitación?

María Van den Eynde – Los artistas que vienen a FLORA acuden por invitación directa del festival. Hay que tener en cuenta que FLORA es un certamen, cada año seleccionamos a cuatro artistas internacionales (más uno que surge de Patio Talento) para que realicen sus instalaciones site-specific. En este sentido, los artistas tienen todos que cumplir las mismas normas: tienen un techo de gasto en flor y en estructura; unos plazos de preproducción; el mismo número de personas trabajando en la instalación; y el mismo tiempo de montaje, que vienen a realizar a Córdoba durante la primera parte del festival. El festival les proporciona todo lo que necesitan, dentro de estos mismos parámetros para todos, pero ellos no tienen ninguna limitación creativa. Precisamente porque no es fácil como artista poder levantar una instalación floral sin restricciones «creativas» (nuestros artistas, muchas veces, trabajan por encargo de marcas, instituciones, etc.), fundamentalmente por el coste y por lo efímero, para los artistas venir a FLORA es una oportunidad muy mágica. Una vez que están en Córdoba, además, la ciudad les atrapa y, aunque se dejan la piel para levantar su instalación, todos se buscan la vida para disfrutar de la ciudad.

PAC – Este año cuentan con Tadao Cern, Flowers by Bornay, Harriet Parry y Ha I Hwa, ¿pueden adelantarnos algo de sus instalaciones?

Emilio Ruiz Mateo – Nosotros en FLORA jugamos mucho con el efecto sorpresa, hay cierta expectación con lo que se hace cada año en los patios porque cada año son totalmente diferentes, sería muy fácil para nosotros invitar a los artistas a repetir una obra que ya han hecho en otro espacio, museo o festival. Eso sería muy sencillo. Nosotros nos complicamos, en ese sentido, mucho la vida e invitamos al artista unos meses antes a que venga a Córdoba, a ver el patio concreto en el que va a trabajar, para que se inspire en ese patio y cree la obra site specific, es decir, son obras creadas para ese lugar y solo se podrían dar en ese lugar. Hay mucha expectación porque nadie sabe lo que va a haber en ese patio hasta el día 20 de octubre cuando se abran las puertas.

No contamos nada de las instalaciones hasta que se abren pero, por adelantar algo, te cuento que Flowers by Bornay, los artistas españoles de esta edición, tienen unos referentes que no son para nada los comunes de un artista floral, tienen como referente cosas como el cine de terror o la danza contemporánea, el comic o, por ejemplo, y esto es algo que si va a estar en la instalación de FLORA de este año: la ciencia.

En la instalación, titulada Mobilis in mobili, trabajan con un elemento que está muy relacionado con la ciencia y que está presente en el patio donde se podrá ver la instalación, el de la Diputación de Córdoba. La instalación seguro va a sorprender a la gente ya que juega con el concepto de ciencia de una manera bastante particular.

HA I I HWA, es una artista muy particular, con un estilo muy reconocible. Ella se define como artista de plantas alienígenas, tiene una mirada hacia el futurismo, todo lo que hace parece como llegado de otro planeta. Además, ella tiene muy presente el arte y la filosofía oriental en su obra, en concreto la relación entre el hombre y la naturaleza.

En su instalación, titulada Mecanismo Artificial de defensa, la artista reflexiona y expone su preocupación sobre que quizá toda la tecnología que se está usando en el mundo natural acabe alterando ese mundo natural.

Harriet Parry, es una artista en la que se mezcla, por una parte, lo que es una artista clásica, graduada en Bellas Artes, con una influencia y pasión por la Historia del Arte, y por otra, la florista en todo el sentido de la palabra. Harriet Parry tiene una técnica muy depurada en la floristería, crea unas instalaciones en las que domina el detalle, ella juega muchísimo con pequeños detalles, llega incluso a esconder pequeñas cosas en sus instalaciones para que la gente no se aburra de mirar y mirar y de encontrar cosas y luego trabaja mucho el color.

Ella es una defensora radical del color y en ese sentido es en el que ha querido enfocar su instalación en el Patio de los Naranjos de la Mezquita-Catedral. Su instalación, titulada Duramen, apuesta de manera intensa por el color; y como su nombre indica tiene relación con la parte más antigua, más dura y más fuerte del tronco de los árboles, la parte que le da solidez a la planta y al árbol.

Tadao Cern, presenta una instalación que se llama Flor Negra, eco blanco. Tadao es un artista de instalaciones, ese es su gran potencial, de hecho, tiene algunas instalaciones muy conocidas, instalaciones con grandes globos negros, con materiales como el trigo, como plumosas, creando grandes campos. Estas instalaciones en muchas ocasiones hablan de como actuamos las personas frente a determinados fenómenos, ante determinadas situaciones. En este caso, siendo FLORA, lo que ha querido mostrar es cómo reaccionan ciertas flores ante determinadas situaciones y eso es lo que veremos en su instalación situada en el patio primero del Museo Arqueológico.

Por último, los artistas rusos Flowgardenz que tienen una gran preocupación por el tema de la fluidez. Ellos buscan constantemente crear espacios fluidos, en los que no hay género, no hay tiempo, no hay espacio, ellos sueñan con crear un jardín en el que las fronteras estén totalmente diluidas y también tienen una preocupación muy grande por el tema de la escala, Flowgardenz apuesta por conseguir que el hombre quede en segundo plano frente a la naturaleza. En este sentido, en su instalación, titulada Célula, va a haber un juego de la escala bastante interesante.

PAC – Una apuesta muy interesante del Festival es el programa Patio Talento FLORA, donde artistas que no suelen enfrentarse a grandes instalaciones florales pueden hacerlo por primera vez. Pueden hablarnos un poco de este proyecto y de los ganadores de este año.

María Van den Eynde – Una de las obsesiones que tenemos en FLORA es intentar que todo lo que hacemos en el festival, de una manera o de otra, pueda ser útil en la ciudad. En este sentido, siempre decimos (y nos decimos a nosotras mismas) que, al igual que traemos al mejor talento del mundo debemos ser capaces de generar talento. La idea de Patio Talento ya nos rondaba en las primeras ediciones, pero en un festival como este, en el que todo es más o menos «inventado», en el sentido de que no hay otro festival en el mundo sobre instalaciones florales contemporáneas, primero teníamos que asegurarnos de que había camino por delante, de que íbamos a poder crecer en contenidos y en calidad. En el año 2021 lanzamos la primera convocatoria de Patio Talento, que fue un éxito en cuanto a convocatoria, con más de cien propuestas; en estos dos años posteriores, y yo creo que seguirá así, las propuestas que nos llegan son cada vez mejores, mucho más trabajadas, mucho más entendido desde el punto de vista contemporáneo. Yo creo que Patio Talento es uno de los grandes aciertos de FLORA, nos da muchas alegrías. El año pasado, por ejemplo, la artista ganadora de Patio Talento ganó la edición, ganó a los «grandes», y eso es mucho para una segunda edición de esta convocatoria. El proyecto ganador de este año, Célula, es una propuesta de Flowgardenz, colectivo artístico multidisciplinar creado por los artistas rusos Vladimir Vanenkov y Konstantin Bushmanov, que viven exiliados de Rusia desde hace dos años por su oposición al régimen político y a la guerra de Ucrania. La idea, como podemos intuir por el nombre, se basa en una célula vegetal, y ha sido elegida por su contemporaneidad, su adecuación al patio y al tema del festival y por su originalidad.

PAC – Para finalizar, ¿pueden adelantarnos algo de las actividades paralelas del festival?

María Van den Eynde – El programa de actividades paralelas de FLORA de este año es el más ambicioso de todas las ediciones que hemos realizado. La temática, que es «Inteligencia vegetal» nos ha permitido desarrollar un programa en el que hay cabida para muchas disciplinas artísticas. Este año queríamos empezar a traer más pensamiento al festival, pero no queríamos cargar la edición de acciones que fueran similares, que girasen en torno a mesas redondas o a conferencias, y eso nos hizo darle muchas vueltas a que el programa estuviese compensado. Por eso yo creo que este año hay mucha intersección de disciplinas. Colaboramos con el Festival de la Guitarra de Córdoba en una acción comisariada a tres bandas que se llama Raíces y Cuerdas, un experimento musical y visual sobre flamenco contemporáneo en el que participarán, entre otros, el recién nominado a los Grammy Latinos Juanfe Pérez. Uno de los principales teatros de Córdoba, el teatro Góngora, se ha animado a programar una pieza creada ad hoc y que hemos categorizado como «conferencia bailada» en la que hemos puesto a trabajar juntos al jardinero e investigador en obras de arte Eduardo Barba con Antonio Ruz, bailarín, coreógrafo y director escénico. Van a hablar de flora botánica y estamos seguras de que va a ser un experimento maravilloso.

También tenemos una acción por metro cuadrado específica para FLORA comisariada por La Juan Gallery. Y, una de las joyitas, aunque es muy difícil elegir, sea probablemente la presencia de Stefano Mancuso, el neurobiólogo italiano que lleva años escribiendo y hablando sobre la inteligencia de las plantas. Llevamos tres años intentando que venga a FLORA y, por fin, este año, lo hemos conseguido. Él sí va a ofrecer una conferencia precisamente sobre la inteligencia vegetal como capacidad de las plantas de resolver problemas. Nosotros quizás sentimos que estamos en la cúspide de la pirámide, pero ¿realmente es así? Necesitamos a las plantas para respirar, para calentarnos, nos las comemos… Son seres que están inmóviles, que no pueden huir si viene un depredador u ocurre una catástrofe natural, así que han tenido que desarrollar, aparte de los cinco sentidos, otros tantos: Mancuso dice que hasta veinte; realmente es muy recomendable escucharle y leerle.

PAC – Muchas gracias. Recomendamos a todos nuestros lectores disfrutar del arte contemporáneo, las flores y los patios durante la próxima edición de FLORA, del 20 al 26 de octubre, en Córdoba.

Miguel Bravo. Tintar la pintura

Written by: Andrés Isaac Santana - La Comarca • 10 octubre, 2023

Toda pintura es un hecho: las pinturas están cargadas con su propia presencia.
Andy Warhol

Sin duda, mucha gente percibirá un crecimiento exponencial de la pintura luego de tantas y tan absurdas defunciones. Y ello es así porque, a pesar del frondoso ejército de enterradores y de sepultureros, ella sigue más viva que nunca. Habita, con fruición delirante, los espacios institucionales del arte y arbitra los escarceos fronterizos con el mercado. La pintura, bien lo sabe un tipo como Miguel Bravo, no ha dejado nunca de sorprender a las personas de gusto serio y refinado. En ella, en la doblez de su superficie y en la espesura de su horizonte connotativo, se condensan las aspiraciones estéticas de muchos. Por más que se desee su muerte, por mucho que se le presuma un lenguaje retrasado dentro del panteón de las nuevas prácticas artísticas, la pintura exhibe, con una desfachatez escandalosa, su enorme capacidad de reinventarse. Si pudiera hablarse de una subjetividad traviste en el contexto de los lenguajes tradicionales del arte, esa sería la pintura. Esta última hace alarde de sus infinitas formas de alternar respecto de su propia identidad y a propósito del amplísimo repertorio de sus vestimentas. Ni por un momento ha abandonado su condición retórica y su elocuencia a la hora de dispensar metáforas. La obstinación y la locura le asisten, sabiéndose ella (a sí misma) una gran triunfadora frente al concierto de las adversidades y los descréditos.

El interés de Miguel Bravo por la pintura certifica, más si cabe, la pertinencia de ésta a la hora de acreditar formas múltiples de lenguaje y de estilos de vida. No tengo duda alguna acerca de que Miguel vive para la pintura, se debe a ella, abdica ante ella en una suerte de ritual erótico en el que el encuentro y la proximidad con el objeto díscolo del deseo, revela la gramática de un gesto de amor y de una pasión denodada. Ello no significa, entiéndase bien, que su obra responda solo, o únicamente, a un impulso hormonal. Muy por el contrario, se debe, en gran medida, al seguimiento premeditado de una clarísima intensión intelectual y a la investigación sobre la naturaleza del color. Miguel ha razonado en profundidad acerca de la pintura, no solo como hecho estético, sino también como acontecimiento retórico.

Tintar la piel, su más reciente trabajo, expuesto actualmente en Casa de Cantabria en Madrid, se organiza sobre la arquitectura del color y la ampliación expedita de sus argumentos. Tanto es así que el propio artista asegura, en extenso, que “este trabajo surge del estudio de diversos tratados de la “Teoría del color” y de movimientos artísticos americanos de mediados del siglo XX. El protagonista sigue siendo el color; explorando su expresividad, sus relaciones. En el desarrollo de trabajo, la pintura se desliza por el lienzo a través de los campos de color expandido, fluye en límites diluidos y cubre espacios más o menos controlados. Se trata de explorar una relación de tensión o equilibrio, de profundidad y fuerza en las superposiciones. También aparecen algunas formaciones geométricas, con el fin de conseguir sensación espacial de profundidad. En el proceso, el azar da paso a un posterior procedimiento de control, siempre buscando el encuentro con lo esencial. El conjunto de las obras parte desde una técnica común y camina hacia un mismo objetivo expresivo. Aun así, apreciamos diversos matices fruto de la exploración de distintas posibilidades. Se trata de que la relación de tonos en el espacio, su disposición en él, las superposiciones y veladuras consigan transmitir distintas sensaciones al espectador que, según sus códigos elaborados a través de la cultura, la tradición y su propia experiencia, le puedan evocar diversas emociones (…)”.

Nótese que la inflexión no recae sólo en lo formal si bien es cierto que su voz redunda en ese cosmos circunscrito. Sin embargo, debo subrayar, que sus afirmaciones alcanzan la esfera de la experiencia perceptiva y su anclaje en el hábito cultural de mirar y de ver, de observar y de ser observado. Ya sabemos que toda pintura, que toda superficie enfática, que todo hecho pictórico, que toda construcción discursiva y simbólica, responde a las demandas de una experiencia cultural y de unas expectativas acuciantes. Por tal motivo, cualquier debate en torno a su pintura debe considerar la relatividad de las estructuras del gusto y lo vulnerable (y falible) de los juicos de valor. En cualquier caso, habría que señalar que su pintura no responde nunca al empeño reproductor, a la iniciativa testimonial o a la abdicación frente a los hechos venidos de fuera. Estas premisas jamás formaron parte de las intenciones de este artista. Muy lejos de ello las obras de Bravo se ubican en una encrucijada epistémica más compleja y que apunta a esa necesidad de desterrar del campo de la abstracción la burda ideología que comulga en señalar a la pintura abstracta como un espacio de baja significación. Miguel Bravo es un artista, lo dije antes y lo reitero ahora, dependiente del color. Su obra pictórica es, con mucho, un gesto enfático per se.

Elena Menéndez: lo líquido del arte

Written by: Andrea García Casal • 10 octubre, 2023

‘‘[Si] miramos a los clásicos del arte moderno, a los modernistas, percibimos con claridad las señales de esa tendencia, de esa idea respecto a la finalidad, culminación, de la creación artística. […] Alcanzada la perfección, el mundo se para. Nada queda por hacer, nada ha de cambiar. Pero somos todos unos líquido-modernos y para nosotros la perfección, el que todo sea para siempre igual, no es un ideal, es una pesadilla’’.
Zygmunt Bauman. ‘’Arte líquido’’ en Arte, ¿líquido?, 2007.

El sociólogo y filósofo Zygmunt Bauman determinó el concepto de modernidad líquida para referirse a las cualidades del presente, caracterizado fundamentalmente por la fluidez frente a la estabilidad. Para Bauman, la obra de arte ya pertenece al pasado e incluso la considera muerta, parangonando los museos con los cementerios —los museos son el fin del arte; los cementerios significan el término del ser humano—. La estética prospera desligada en parte o totalmente del objeto; del arte tangible. Se manifiesta habitualmente a través de lo efímero —líquido—, confrontándose a lo duradero —sólido—.

Hablando con la artista Elena Menéndez Muñoz (Castrillón, 1983), cuyo alias es Miss Prosperity, ella dice reconocerse dentro de la modernidad líquida que explicó Bauman. Sin embargo, abraza la noción de una manera particular, ya que lo suyo no es un arte perecedero. No se trata de la pérdida de la materialidad, del soporte y de la técnica tradicionales, sino de todo lo contrario.

Toda sed. 2017. Técnica mixta sobre tabla. 60 cm x 40 cm. Cortesía de la artista.

Sí es cierto que cuando nuestra protagonista crea arte, lo hace desde una conceptualización profunda; consiente a lo arbitrario, a lo vacilante, entrar en juego en una especie de neoautomatismo psíquico. Cabe el azar a lo largo del desarrollo de la obra. Aunque sus composiciones artísticas también tienen cierta planificación. Los mensajes presentes en cada pieza se encuentran bien definidos, sobre todo porque parten de un origen común, de una misma idea que es la positividad. La positividad como rizoma compuesto por múltiples raíces y yemas: amor, amistad, alta autoestima, confianza, tolerancia, solidaridad, bondad, empatía, compasión, etc. En definitiva, dar con la cara buena de la realidad.

Los artistas que cita Bauman en el capítulo ‘’Arte líquido’’ tienen en común con Menéndez y también entre sí la fuerte meditación conceptual. Empero, ellos se han centrado más en realizar obras y actuaciones que manifestaran su descarnada crítica hacia la vida actual, por lo que determinadas piezas, en el caso de hablar de arte objetual, no se conservan hoy día porque se prepararon con materiales de desecho y/o destinados a consumirse solos al transcurrir los años, o bien con la intervención performativa, como en la situación del artista Gustav Metzger.

Sin embargo, el hecho de que el mundo sea líquido no quiere decir que determinados valores, que además son positivos para la humanidad y para la naturaleza, dejen de ser reivindicados con el propósito de destacar exclusivamente la faceta negativa de nuestro tiempo, aunque claro está que esta última vía es necesaria para visibilizar situaciones tanto generales como concretas que nos afectan, concienciándonos e incluso ofreciendo caminos para solventarlas favorablemente. Con todo, no deberían prevalecer ni lo fugaz ni lo autodestructivo en las artes por encima de otras praxis artísticas, ya que lo efímero no ha de captar mejor el presente que lo persistente.

Aunque sí tiene que determinarse una igualdad entre las artes pasajeras que se documentan mediante fotografía, vídeo… para su conservación —performance, happening, tipos de land art y de instalaciones, etc.— y las artes plásticas —dibujo, pintura, grabado, escultura, etc.—, pues todas son hijas de los siglos XX-XXI.

Ella quiere más. 2018. Técnica mixta sobre lienzo. 100 cm x 81 cm. Cortesía de la artista.

Precisamente Menéndez, artista líquida, recurre al arte más tradicional, al objeto y elige representar ideas que nos ayudan a encontrar nuestro verdadero yo, a experimentar una sensación reconfortante y a ahondar en lo que la humanidad tiene de bueno, que debe explotar siempre. Evitando caer en concepciones desesperanzadoras sobre nuestra presencia terrestre. Tampoco se trata de una visión idealizada, pero sí positiva para enfrentarse a los problemas universales e individuales de la existencia en todas sus esferas.

Lo hace con composiciones plasmadas sobre todo en lienzo y papel, utilizando la técnica mixta —acrílico, tinta, collage, etc.—. En sus obras, originadas para ser duraderas, ya que transmiten conceptos indelebles que han de perdurar físicamente y en la memoria, es habitual que incluya palabras, oraciones escuetas y onomatopeyas, las cuales pertenecen originalmente a fragmentos de canciones que escucha mientras está creando y reinterpreta a su manera, tomando las partes que más le interesan y plasmándolas en la obra. Guían nuestra mirada, a veces perdida entre los trazos cromáticos y los campos de color, los manchones, las salpicaduras, los dibujos y los recortes —son imágenes de los años veinte; la historia llama la atención a Menéndez al encontrar en esta progresos en derechos humanos, a nivel ideal y/o real, que posteriormente se perdieron, se cuestionan o están tambaleándose—, aplicados como collages. Dan un significado delimitado a lo que se ve, porque la narrativa es importante para la asturiana y mediante los textos resulta más preciso dar un mensaje unívoco. Con todo, para la artista, la palabra, la mancha y el collage, en síntesis, son sus elementos clave desde un punto de vista formal y de significado.

Ella quiere volar. 2018. Técnica mixta sobre lienzo. 100 cm x 81 cm. Obra seleccionada en el XIV Certamen Nacional de Pintura Contemporánea “Casimiro Baragaña”. Cortesía de la artista.

Y siguiendo una estética de la belleza, corporeizada, que grosso modo no tiene que ver con los artistas mencionados por el citado Bauman y que igualmente dista con el pensamiento global del sociólogo cuando menciona la estancación acerca del arte, considerando que este, tras su perfeccionamiento durante épocas, ya ha finalizado en su evolución. Su devenir está quieto y no queda nada por hacer, a pesar de que nos resistamos a tal mordaz planteamiento.

Claro está que no hace falta ceñirse a esta proposición. Hallar la belleza y la verdad continúan siendo metas para algunos/as artistas, al igual que el arte no ha perecido en las vanguardias. De hecho, lo que busca Menéndez en su trayectoria más reciente es agarrarse a un punto de vista optimista que realmente es el único óptimo. Por cierto, optumus es el grado superlativo del adjetivo del latín clásico bonus —bueno—. Y a su vez, bonus viene del adjetivo del latín antiguo duenos, el cual significa lo mismo —bueno—. Si rastreamos el origen de la palabra belleza, proviene del adjetivo latino clásico bellus, que deriva igualmente de duenos, pero en su versión diminutiva: duenelos. Así, hay una relación etimológica clara entre lo bueno y lo bello. Idéntica a la que manifestó el griego Platón en su filosofía; su obra Fedro (370 a.C.) es testigo de la unión entre lo bueno y lo bello. Para que estos calificativos puedan aplicarse, es imprescindible que se haya encontrado la verdad del asunto que sea y trabajar desde esta.

Menéndez aborda la verdad, alcanzando lo bueno y bello sin dificultad porque la conoce bien. Es más, y no solo por su experiencia privada, sino porque observa el mundo con una mirada abierta y curiosa, sabe que la verdad también tiene una cara negativa que visibilizar e integrar con la positividad. Tras una iluminación, crea.

Detalle de la exposición Recalculando Ruta. 2022. Galería Cinabrio, León. Obra realizada en técnica mixta sobre lienzo 20 cm x 20 cm. Cortesía de la artista.

Tampoco se puede olvidar el componente azaroso que antes se citó, lo que surge de repente, que apenas palpable y menos aún visible en sus piezas artísticas, realmente está ahí latente. Crear es un acto transformador. Menéndez ha vuelto a la materia en sus últimos años tras cultivar la instalación y la performance, aunque ahora también quiere recuperar estas disciplinas y hacerlas converger en sus enriquecedoras muestras. Siguiendo temáticas específicas que se soportan en sus lienzos y dibujos en papel, pero igualmente en sus actuaciones e instalaciones, puntualmente ligadas a lo musical. Como diría la filósofa María Zambrano en Los sueños y la creación literaria (edición de 1964), ‘’La luz es el lugar de la suprema exposición para el hombre; del darse a ver, aun antes que del ver. […] Ver es por sí mismo terrible […]. El hombre sufre la pasión de la luz, y en ella, viendo, dándose a ver naciendo, se recrea’’.

CIRIA, The New York paintings

Written by: Redacción • 9 octubre, 2023

La complejidad sin artificio, como una naturaleza indómita que se rige desde el instinto. Así nos presenta Ciria, está exposición que recorre un azar de caminos cruzados, recorridos de ida y vuelta, derivas casi iniciáticas de un creador hambriento de romperse, resquebrajarse, negarse e intentar desde un exilio elegido, reorientar su producción artística, para culminar aceptando que su huella es tan personal e intransferible, que no puede hallar la salida del laberinto. El artista puede reinventarse pero no huir de si mismo.

Siempre estará esa laguna, la Estigia donde nacemos al tránsito de una muerte constante como acredita la rueda de Samsara. La cartografía de obras que abarca está exposición, está enmarcada en un contexto de territorialidad durante su estancia en Estados Unidos y más concretamente en la ciudad de New York. Una producción que le encumbra como una de las voces frescas y referenciales del arte español transfronterizo. Su inmersión en la búsqueda de un lenguaje netamente contemporáneo se ve afectado por sus derivas experienciales y recorridos por residencias artísticas en Israel, Reino Unido, Francia, Finlandia o Alemania.

Ciria acredita un hacer creativo que eclosiona, explota ante el espectador desde la contundencia de un gesto liberador. Sus trabajos a menudo guardan un conocimiento “torcido” una huida de las fauces de la contención estética, que exploran el exceso, el brutalismo y la visceralidad no exenta de belleza.

El acto armónico, casi sonoro de algunas obras como “hombre de corazón estrujado” revela una ternura que por veces Círia esconde tras su producción de máscaras, de rostros fragmentados, de esferas ovaladas donde acierta a enjaular sus emociones o sentimientos como en la obra “Posible nacionalidad”

Está recopilación comisariada por el propio artista recoge gestos creativos que abarcan un periodo de más de 4 años en New York. Obras nunca mostradas en Madrid que tenemos la suerte de poner en diálogo con la naturaleza bruta e industrial del museo La Neomudéjar.

Fechas: Del 13 de Septiembre al 12 de Noviembre 2023
Lugar: Museo La Neomúdejar, Madrid

Jordy Kerwick, en el Museo Thyssen-Bornemisza

Written by: Victoria Arribas Roldán • 9 octubre, 2023

El museo Thyssen-Bornemisza continúa con su programa de exposiciones dedicado a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza y en esta ocasión, nos presentan la obra de Jordy Kerwick.

Jordy Kerwick. Este amor moderno, 2023 (This Modern Love). Pintura de spray, acrílico y óleo sobre lienzo, 200 x 230 cm. Colección Blanca y Borja Thyssen‐ Bornemisza. Foto: Muriel Cavanhac; cortesía del artista y Vito Schnabel

Comisariada por Guillermo Solana, la muestra reúne nueve piezas, desde lienzos de gran formato a obras más pequeñas sobre papel, entre las que se encuentran tres pinturas pertenecientes a esta colección. Además de coloridas y brillantes, las obras muestran una variada gama de técnicas en distintos estratos: pintura de spray, acrílico y óleo en los lienzos o rotulador y pastel al óleo en la obra sobre papel. Todas pertenecen a la producción más reciente del artista, realizadas entre 2022 y 2023.

Dos de ellas, Este amor moderno (2023) y La musa (2023), permiten, además, intuir sus referencias artísticas a través de los libros que incluye entre los elementos decorativos: el arte cretense, el fauvismo y Henri Matisse.

La exposición incluye la naturaleza muerta Antes/Después (2023), heredera de sus primeras composiciones, en la que Kerwick presenta un gran jarrón con flores, dos cigarrillos y un cenicero con colillas, así como dos obras sobre papel de la serie Sin título (2023) y los lienzos Tratando de atrapar un corazón (2023) y Sin Título (2022).

Sobre Jordy Kerwick

Alejado del academicismo, Kerwick comenzó a pintar hace siete años. Primero pintando naturalezas muertas en tonos suaves para poco a poco ser más coloristas y con detalles más variados. A continuación, en estas escenas de interiores aparecieron una cobra y un tigre camuflados, seres fantásticos que saltaron después al exterior, a paisajes selváticos habitados por leones y lobos, pero también por unicornios, casi siempre con dos cabezas.

En su pintura reciente, el artista ha ido creando composiciones más narrativas y complejas, dejando entrever toda una mitología, en ocasiones protagonizadas por una divinidad femenina.

Su trabajo ha podido verse en ciudades como París, Londres, Berlín, Nueva York, Los Ángeles, Tokio, Hong Kong y Sídney. Convertido en un pintor de éxito, sus obras forman parte de colecciones nacionales, como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, así como en colecciones internacionales (Estados Unidos y Japón).

Kerwick forma parte de una nueva generación de artistas que ha recurrido a las redes sociales para compartir su trabajo. De esta forma, desde Albi (Francia), donde reside desde 2019, ha alcanzado una audiencia más amplia y ha podido conectarse con otros artistas y galeristas de todo el mundo. En 2016, vendió su primera obra a través de Instagram y en 2022 irrumpió en las casas de subastas de Londres y Nueva York.

Fechas: Hasta el 15 de enero de 2024
Lugar: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

MALEZA Christian Villamide

Written by: Redacción • 9 octubre, 2023

La Fundación Rac presenta por primera vez una exposición individual del artista gallego Christian Villamide. Este proyecto, que lleva por título Maleza, está concebido expresamente para el espacio de la Fundación, por lo que casi todas las obras expuestas, han sido producidas expresamente para esta exposición.

Para el artista, la naturaleza constituye la casa donde vive y es también una fuente de emociones y de múltiples reflexiones. Nos habla de la zona perimetral de las ciudades como campo de batalla, de las grandes explotaciones de cultivos de la especulación constante del territorio o de la pereza con la que posamos nuestra mirada sobre el territorio que transitamos día a día, mirándolo pero sin verlo.

También nos hace pensar en el porque de usar la palabra MALEZA para definir la belleza de ese paisaje que nos da la vida y como en cuanto nos alejamos de las zonas cultivadas o ajardinadas nuestro cerebro ve Maleza, por prejuicios y miedos ancestrales….. A Christian Villamide le interesa tanto el paisaje idílico como el transformado por el hombre y también el creciente desapego emocional e intelectual respecto del entorno que habitamos.

Christian Villamide, artista multidisciplinar, nacido en Lugo en 1966. Ha expuesto en distintos centros, entre ellos en el Museo de Arte Contemporáneo Florencio de la Fuente, de Huete (Cuenca); en el CGAC, de Santiago de Compostela; en el CAB, de Burgos; en el Museo Provincial de Lugo; en el Centro Cultural Marcos Valcárcel, de Orense. Asimismo ha expuesto en galerías como Marisa Marimón, en Orense, Pardo Bazán, en A Coruña o Paloma Pintos en Santiago de Compostela.

Artista: Christian Villamide
Fechas: Hasta el 19 de noviembre de 2024
Lugar: Fundación Rac, Pontevedra

El artista VHILS, protagonista de la primera exposición submarina de la península ibérica

Written by: Redacción • 7 octubre, 2023

EDP, junto al artista portugués Alexandre Farto aka Vhils, ha inaugurado EDP Art Reef, la primera exposición submarina de la península ibérica. Se trata de una muestra de arte que fomenta una economía circular y apoya la biodiversidad, ya que servirá de base para el desarrollo de un nuevo ecosistema marino, con la aparición de vida nueva.

Como parte de su compromiso con las próximas generaciones y de ser una compañía 100% verde en 2030, la energética retó a Vhils a llevar a cabo un proyecto que materializa el propósito de la compañía de sustituir las fuentes de energía fósiles por renovables y de elegir el camino de la descarbonización. Una intervención que es un diálogo entre arte y naturaleza, un ejemplo en la preservación de los océanos y que ya puede visitarse.

La exposición, situada a una milla de la costa de Albufeira y a más de 10 metros de profundidad, consta de 1.250 metros de exposición y 13 obras – 8 de las cuales son de hierro mientras que las otras 5 son de hormigón – y tendrá un impacto medioambiental positivo, aseguran los expertos.

Vhils utilizó materiales extraídos de tres centrales térmicas de EDP desmanteladas: Soto de Ribera, en España; y Sines y Carregado, en Portugal. Está divida en seis conjuntos de diversos formatos que evolucionarán con las mareas y cambiarán de estación a estación, siendo distinta cada año. Además, por recomendación de los biólogos marinos que prestan apoyo técnico al proyecto, las obras llevarán implantados corales vivos para acelerar el crecimiento del ecosistema. Para poder visitar esta exposición se requiere titulación en submarinismo.

El lugar será vigilado durante los próximos años, estando disponible para estudios científicos y medioambientales, además de sus aspectos culturales y de sensibilización.

La sostenibilidad y el medio ambiente son parte esencial del proceso creativo de Vhils, que considera que la energía del pasado puede transformarse ahora para generar vida en el fondo del mar y que “la oportunidad de reconvertir el material resultante del proceso de desmantelamiento de las antiguas centrales de EDP tiene la virtud de facilitar el acceso a materiales únicos, con una enorme carga histórica, de contribuir a un proceso de descarbonización y de estimular la biodiversidad a través del arte”.

Catarina Barradas, directora de marca del grupo EDP ,explica que “EDP Art Reef tiene como objetivo estimular la reflexión sobre la relación de la humanidad con el mar. En EDP, estamos realmente comprometidos con el cuidado de nuestros océanos y queríamos ir un paso más allá. EDP Art Reef no es sólo un proyecto pionero creado por un gran nombre del arte contemporáneo, es un homenaje al pasado del sector eléctrico, pero también es un compromiso con nuestro futuro”.

El proyecto ha contado con el importante apoyo del Ayuntamiento de Albufeira, Turismo de Portugal, CCMar (Universidad del Algarve), entre otros, y ha sido validado por la Dirección General de Recursos Naturales y la Agencia Portuguesa de Medio Ambiente, así como por otras entidades competentes. A su vez, el hundimiento de la exposición cuenta con la autorización del Instituto de Conservación de la Naturaleza y los Bosques y de la Autoridad Marítima Nacional.

Entrevista a Jimena Lucas

Written by: José Luis Martínez Meseguer • 6 octubre, 2023

Jimena Lucas [Montevideo (Uruguay), 1979]. Vive y trabaja en Manresa (Barcelona). Se forma con Ricardo Sánchez (1995-1999). Estudios de psicología en la Universidad de la República Oriental del Uruguay. Estudios de teatro en el Centro Comunal Funsa de Montevideo. Artista plástica multidisciplinar. Pintura. Escultura. Instalación. Collage. Ensamblaje. Grappage, técnica propia. Arte textil. Arteterapia. Teoriza y define el proceso creativo en tres fases que llama trans: transgresión, transición y transformación.

Retrato de Jimena Lucas. Cortesía de la artista.

PAC – Te proyectas desde Manresa (Barcelona). ¿Te hubiera gustado cambiar de lugar y hacerlo desde allí?

Jimena Lucas – El hogar es un rincón donde me siento segura para poder trabajar, pero en ningún caso ha sido un condicionante para ello.

He vivido tantas mudanzas que no sabría decirte cuantas, pero lo que sí sé es que aún no se acabaron. Ellas han significado muchas cosas a lo largo de mi vida, pero nunca han sido motivo para crear. Y es que cuando creo viajo, calculo, resuelvo, experimento, transformo, desde la obra hasta la percepción del entorno en ese momento, es un universo transformador en donde la realidad no es más que mi constructo imaginario.

PAC – ¿Crees que tu trayectoria habría sido la misma?

Jimena Lucas – A veces pienso que poder asentarme en la montaña, en una gran casa donde trabajar y vivir con mis seres queridos, estaría bien. Donde no hubiera nada que pudiera dispersarme. Pero es una cuestión de optimizar el espacio y el tiempo.

Por lo demás, pensar en que hubiese podido ser diferente, es algo que no me permito. Son tantas las posibilidades que en cada minuto podría cambiar mi historia. Prefiero entender mi trayectoria como lo que es: esfuerzo y aprendizaje.

Pienso que estoy donde estoy porqué son las consecuencias de mis decisiones pasadas y si hoy cambio de opinión no significa necesariamente que hayan sido malas, sino que hoy son otras según las circunstancias.

Jimena Lucas. *Moby Dick*, 2023. 144 x 222 x 15 cm. Técnica mixta. Cortesía de la artista.

PAC – ¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?

Jimena Lucas – Hoy en día me impulsa la necesidad, no entiendo mi vida si no la llevo a cabo creando. Como suelo pensar: “soy la herramienta a través de la cual el arte expresa su necesidad de existir”.

Pero puedo decir lo que me impulsó desde mis recuerdos más lejanos: crear siempre fue mi espacio para estar a salvo. Yo no lo veía así, para mí era jugar, escribir y pintar (desde los siete años, que recuerde), pero visto con perspectiva, vivía en un hogar complicado con padres complicados y muchas experiencias jodidas que pienso que un niño no debería vivir y fue entonces que sin darme
cuenta le estaba vendiendo mi alma al arte a cambio de paz.

PAC – ¿Qué ansiabas?

Jimena Lucas – Más que anisar, diría anhelar, porqué la paciencia ha sido mi “Pepito Grillo”. Lo que más anhelo es tener el tiempo necesario para poder crear todo lo que deseo crear, y cada día se me ocurren nuevos proyectos… Lo tengo difícil, ¿no?

PAC – ¿Lo encontraste?

Jimena Lucas – Debo encontrar mi aceptación, resignación, beneplácito, admisión, aprobación, etc. De que no tengo garantía para poder llevar a cabo toda mi obra; aun lo busco.

Jimena Lucas. *Crepúsculo*, 2023. 122 x 122 x 30 cm. Técnica mixta. Cortesía de la artista.

PAC – ¿Qué crees que puede mejorarse en el sistema del arte?

Jimena Lucas – Complicado, parece un oxímoron, “sistema del arte”. Creo que, por ende, si tengo que pensar en algo sistémico respecto al arte, este estaría vinculado al plano económico, ya que entiendo al arte como crear y para ello no existe una norma única ni mejor, ni más válida que otras, y eso lo convierte en un estado de infinitas posibilidades.

El sistema es algo ordenado, con normas y procedimientos que regulan el funcionamiento. Creo entonces que la dificultad está en aquellos que convierten y trasladan al arte al plano de un sistema.

Por ello, desde esta perspectiva, sistema y arte siempre tendrán discrepancias.

Jimena Lucas. *Latiendo*, 2022. 170 x 130 x 90 cm. Escultura. Cortesía de la artista.

PAC – ¿Qué deberíamos aportar y eliminar al Sistema?

Jimena Lucas – Yo le aportaría otra perspectiva, lo de sistema no colma las necesidades básicas por lo menos para los artistas, que ya nos cuesta salir del taller como para entrar en un sistema.

Quizá lo entiendo mejor como el ciclo del arte, un proceso en continuo movimiento y evolución. La mejor forma de aportar es crear, avanzar, aprender de los de siempre y de nuestros congéneres, para evolucionar en y para el ciclo creativo.

Jimena Lucas. *Waterlily*, 2023. 102 x 107 x 15 cm. Anudado (técnica propia). Cortesía de la artista.

PAC – Asociacionismo profesional ¿Qué opinas?

Jimena Lucas – Convivimos con otros, en casa, en el trabajo, con los amigos, vivimos en asociacionismo. Es una herramienta muchas veces necesaria hasta para poder sobrevivir, nos ayuda a defender nuestros intereses. Por lo menos tengamos la esperanza de que podemos elegir con quien asociarnos y que sea un acto consciente.

En el campo particular del arte lo veo como una oportunidad de crecimiento, desarrollo, investigación y sobre todo empatía. Dotar así a las obras de otras dimensiones, tanto formales y espaciales como imaginarias y filosóficas.

Jimena Lucas. *Jaque Vida*, 2023. 100 x 60 x 80 cm. Escultura. Cortesía de la artista.

PAC – Háblanos un poco de tu trayectoria.

Jimena Lucas – El arte estuvo siempre presente en mi vida, pero a los dieciséis años empecé a estudiar en el taller de Ricardo Sánchez (discípulo de Joaquín Torres García). En el año 2000 llegué a Barcelona, formé parte de asociaciones de artistas y formé parte de algunas exposiciones. No fue hasta este año que decidí empezar a hacer pública mi obra dentro del circuito del arte, apuntándome a varios concursos y saliendo seleccionada en algunos de ellos, como el de la Universidad de Murcia o el Premio Ciudad de Barcelona – Agbar.

PAC – Defínete mediante hashtags o etiquetas.

Jimena Lucas – Creo que los hashtags que me definirían son: #Crear, #Arte, #Integrar, #Áureo, #Emoción y #Amor.

Jimena Lucas. *Muda Forzada*, 2023. 100 x 100 x 7 cm. Técnica Mixta. Cortesía de la artista.

PAC – ¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

Jimena Lucas – Entiendo una pieza como una ecuación que debe ser resuelta desde su perspectiva geométrica, matemática, numérica, matérica y como estos elementos funcionan mejor para la percepción visual y harmónica.

En cuanto a la parte emocional, histórica o literaria de la obra, esta se relaciona con mi mundo interno, mis miedos, experiencias y emociones que se pueden trasladar al otro mediante la empatía, la sociabilización y el arte.

Siempre hay alguien que ha vivido o sentido algo similar a ti. 8000 millones de individuos en un mismo planeta, hay muchas circunstancias parecidas: duelo, adicciones, pasiones, pérdidas, libertad, desarrollo personal, educación, amor o medida aurea son algunas de ellas.

Jimena Lucas. *Definitivo*, 2023. 23 x 31 cm. *Grappage* (técnica propia). Cortesía de la artista.

PAC – ¿Algún proyecto, pendiente, que te gustaría realizar?

Jimena Lucas – Tengo muchos proyectos pendientes, surgen muy a menudo, y no me abandonan hasta que los realizo. Ahora estoy en uno que se llama La casa por la ventana.

En donde el espectador podrá elegir de qué lado prefiere estar. La casa por la ventana es el momento en que el individuo decide dejar algo atrás, cambiar, y eso conlleva perdidas y situaciones dolorosas… o por el contrario, no hacerlo. Siempre hay argumentos a favor y en contra.

Hay tantas ventanas como oportunidades, experiencias, situaciones dolorosas, pasiones, amigos, soledad, mundos… pero el arte siempre acompaña.

PAC – Un deseo.

Jimena Lucas – Que siempre nos acompañe la curiosidad, la creatividad y el pensamiento crítico.

ART Situacions III inicia su itinerancia en el Centro de Arte la Capella de Barcelona

Written by: Redacción • 6 octubre, 2023

ART Situacions, el proyecto de mecenazgo que lleva más de una década promoviendo la difusión del sector más joven del arte actual, inicia la itinerancia de su tercera exposición, ART Situacions III, en Barcelona, concretamente en el Centro de Arte la Capella, donde se podrá ver del 3 de octubre al 5 de noviembre de 2023.

La exposición pone en diálogo la obra de cinco artistas españoles y cinco franceses: Elena Aitzkoa, Nora Aurrekoetxea, Lucía Bayón, Aleix Plademunt y Pablo Capitán del Río y los franceses Salomé Chatriot, Marie-Luce Nadal, Benoît Piéron, Elsa Brès y Yoan Sorin. Estos artistas han sido seleccionados por un comité formado por María de Corral, Lorena Martínez de Corral, Chus Martínez y Vicent Todolí.

El proyecto ART Situacions ha apoyado a cada uno de ellos para la producción de un total de 10 obras nuevas creadas para la ocasión, que se mostrarán junto a una selección de piezas representativas de los artistas.

El espacio expositivo está diseñado de manera escenográfica por Olga Subirós, arquitecta que ha trabajado en el montaje de exposiciones en museos como el MACBA o el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Además, ART Situacions III está acompañada de un libro editado por Turner cuyo hilo conductor es un texto de Chus Martínez: “Los artistas reseñados forman un grupo ecléctico, tanto en lo formal como en lo material, que busca abordar la necesidad de ternura y cuidado, así como un nuevo amor por la vida”, asegura Martínez.

Después del 5 de noviembre, la exposición, que tuvo su primera parada en IFEMA Madrid durante ARCOmadrid, viajará a diversas sedes de Francia con la misión de apoyar la cultura y a los artistas participantes.

Un proyecto de mecenazgo y pasión por el arte

Conscientes de la escasez de oportunidades que afronta el sector más joven del arte actual, ART Situacions, que surge del deseo personal del matrimonio de coleccionistas catalanes Pilar Forcada y Marcel Pascual de contribuir a dinamizar el tejido artístico, nace en 2011 para promocionar el arte emergente a través de un apoyo económico destinado a la creación. Fruto de ello se han celebrado ya dos ediciones. La primera tuvo lugar en 2012 con Portugal como país invitado y contó con la participación de los artistas españoles Patricia Dauder, Pepe Cifuentes, Francesc Ruiz, Juan López Díez, Miki Leal, Jaime de la Jara, Santiago Giralda, Nuria Fuster y los portugueses Mauro Cerqueira y Carla Filipe. La segunda se celebró en 2016 con los artistas italianos Ludovica Carbotta, Gabriele de Santis, Anna Franceschini, Diego Marcon y Alek O. y los españoles Miren Doiz, José Guerrero, Rubén Guerrero, Teresa Solar Abboud y Anna Talens.

Tras el fallecimiento de Pilar Forcada en 2021, su marido Marcel Pascual, coleccionista y director general de Honda-Greens, ha asumido la dirección de ART Situacions con la voluntad de dar continuidad al proyecto en memoria de su mujer y a su pasión compartida por el arte durante más de 50 años. “Durante casi medio siglo hemos construido juntos una colección ecléctica y diversa, donde al lado de artistas reconocidos incorporamos trabajos de promesas emergentes”, afirma Marcel Pascual. “Nos ha dado muchas alegrías haber contribuido con nuestro respaldo a que un buen puñado de artistas hayan podido dedicarse exclusivamente a la creación”.

Además, entre 2017 y 2022 ART Situacions convocó el premio anual ART Situacions ARCOmadrid para premiar la mejor obra de arte emergente de la feria. Sus premiados han sido: Antonio Ballester Moreno (2017), Carlos Irijalba (2018), Patricia Gómez y María Jesús González (2019), Asunción Molinos Gordo (2020) e Irma Álvarez-Laviada (2022).

PANTHEON. Viktor Pivovarov

Written by: Redacción • 6 octubre, 2023

La Galería Hilario Galguera Madrid acoge la exposición individual de Viktor Pivovarov “Pantheon” en colaboración con DSC Gallery.

La exposición Pantheon presenta obras de Viktor Pivovarov sobre formas metafísicas. El ciclo expuesto aquí, titulado Eidoi con atributos, representa una parte de una de las mayores series de Pivovarov, Eidoi, iniciada en el año 2000 y finalizada en el 2008.

El término Eidos (pl. eidoi) procede de la filosofía platónica, y significa una idea familiar para el alma antes de su concepción, a la que el alma vuelve a lo largo de la vida. En sus cuadros, Pivovarov intenta localizar, identificar y retratar esta idea.

Las figuras de Pivovarov recuerdan a las obras de Giorgio de Chirico, a los últimos trabajos de Kazimir Malevich o simplemente a los maniquíes articulados de madera utilizados en las escuelas de arte. Las figuras carecen de rostro, lo que las priva de toda individualidad, sexo o ego. El artista sólo utiliza colores primarios, como si subrayara el carácter elemental del propio proyecto. Los fondos son blancos. Al igual que Wassily Kandinsky, Pivovarov entiende el color blanco como un equivalente del color oro, que se utiliza habitualmente para referirse al mundo metafísico. Las obras adquieren así un significado similar al de las pinturas medievales sobre tabla. En consecuencia, los eidoi no existen en nuestro mundo terrenal, al igual que los iconos de los santos medievales.

Los eidoi, expuestos en la galería madrileña, hacen referencia a la tradición de las figuras de santos por sus diversos atributos, que, a diferencia de las propias figuras, se representan de forma realista y se convierten así en conductos entre el mundo terrenal y el metafísico. Cualquier objeto, ya sea una lámpara de queroseno, un tintero o una regadera, nos ayuda a acercarnos a los mundos eidéticos originales. Al mismo tiempo, al observar estos objetos, podemos identificar a estos eidoi sin sus atributos individuales, de forma similar a los iconos de los santos, que también se representan en su forma idealizada, no realista.

Una procesión de eidoi se dirige hacia un gran círculo rojo, símbolo del infinito y de la trascendental perfección edénica. En el centro del círculo hay otro más pequeño, que simboliza el ojo humano. A través de este ojo el artista retrata ideas antes invisibles que el visitante puede a su vez explorar a través de este mismo ojo.

El interior de la exposición podría evocar un Panteón imaginario, el templo de todos los dioses. La procesión de seres perfectos conduce al visitante por la nave del templo hacia el ábside, que domina el espacio como símbolo de la perfección edénica.

Texto e imágenes cortesía de la galería.