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Dos en UNA

Written by: Andrés Isaac Santana - La Comarca • 23 enero, 2023

Hoy nos vamos de chicas. En esta ocasión aprovecho para presentar el trabajo de dos mujeres cubanas inteligentes y lúcidas. Ambas se involucran en esta conversación que recorre aspectos fundamentales de la obra de una y advierte la sagacidad de la otra. Se trata, de una parte, de la joven crítica y curadora cubana, residente en Valencia, Nayr López García, licenciada en Historia del Arte por la Universidad de La Habana, Cuba (2019) y Máster en Marketing Comunicación y Medios Digitales en la Escuela de Formación Profesional Mastermedia, Valencia, España (2022); de otra, de la artista Gabriela Reyna a quien tuve la suerte de conocer en Cuba hace ya algunos años y cuyo trabajo me atrapó gracias a su veracidad y suspicacia.

A una de las preguntas capitales de esta entrevista, responde la artista que “a veces me parece demasiado poco decir con el arte todo lo que conlleva la toma de conciencia hacia la historia de la mujer. No obstante, volviendo a no ser absoluta, sí sé que gran parte de la visibilidad del feminismo es gracias a las artistas feministas y a lo que desarrollaron en las primeras tendencias del feminismo, y a las que como yo -quizás desde algo sutil y recatado- también hablamos; el silencio a veces grita. He tenido la oportunidad de estar en tres países de Latinoamérica en los que el tema del feminismo, del feminicidio y la violencia de género es más latente que en Cuba. Aunque nosotros no estamos exentos de esos problemas. Somos una sociedad por génesis machista, tenemos micromachismos muy latentes; pero en aquellos contextos a nivel comparativo es muy fuerte y, obviamente, se sale de los márgenes del arte (…)”

Pasen y lean

El vestido, un lugar habitado
Entrevista realizada por Nayr López García

Gabriela Reyna (La Habana, 1991) es una joven artista cubana con un loable recorrido en las artes visuales. Su contacto con la creación ha sido visceral y constante; parte siempre de sus experiencias personales para exponer un discurso que -incluso- trasciende los límites contextuales de la Isla. Es egresada de la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro (La Habana, 2011) y de la Universidad de las Artes (La Habana, 2016) en la especialidad de escultura; pero en su vida profesional ha recurrido a diferentes técnicas y soportes para expresar su pasión por la indumentaria y la vestimenta, elementos que se han convertido en verdaderos protagonistas formales de su obra.

Gabriela niega las etiquetas y, por supuesto, los encasillamientos trillados. Con su arte, se plantea reflexiones y busca respuestas a circunstancias que logra des-automatizar de su vida diaria. Es por ello que, de forma cada vez más enfática, pondera en sus discursos a la mujer y su universo (al menos el que ella habita). Mientras, disfruta el proceso, explora y potencia su feminidad para encarnar las actitudes que sostiene desde su condición de ser social. Es quizás ese uno de los aspectos más relevantes -a nivel de declaración- en las siguientes líneas: Gabriela propone -desde su trabajo- un feminismo menos mediatizado y que opta por atender a singularidades de cada experiencia de vida.

La entrevista que leerán a continuación, es parte de una conversación –o conversaciones- más extensa, donde no vacila en exponer su ser, mostrar su poesía y direccionar su poética.

_{Gabriela Reyna. Gitana Tropical – Victor Manuel, de la serie Cosas de hembra. Maquillaje sobre toallas desmaquillantes.}

¿Qué te motivó a estudiar Bellas Artes?

Es algo que necesitaba hacer desde niña. Era la actividad que preferíamos mi hermana gemela y yo. Nosotras crecimos rodeadas de arte. Fuimos criadas por mis padres y mis abuelos maternos, y ellos tienen una sensibilidad especial. Mi abuelo era arquitecto y mi abuela estudió diseño de interiores. Además, les encantaba coleccionar objetos antiguos, así que vivíamos rodeadas de historias.

Mi hermana y yo dibujábamos muchísimo y en la familia siempre nos dieron mucha libertad creativa. Nunca nos impusieron que la casita se pintara “así”, o el sol de esta otra manera. Yo creo que esa libertad potenciada es parte de lo que nos impulsó a decidir estudiar artes plásticas.

Las cuestiones de género forman parte importante de tu discurso. ¿Eres una artista feminista? ¿Eres una mujer feminista?

Esta pregunta viene a confirmar muchas cosas que me estoy replanteando. Ahora mismo me encuentro en un proceso de entendimiento justamente hacia todo lo que rodea y guarda el universo femenino. Ante todo, yo soy un ser “x”, que estoy en este plano terrenal en la experiencia de un cuerpo de mujer, me identifico con él en toda su feminidad, me gusta y así presto mi voz. Por tanto, estoy en pos de los anhelos, los deseos, la lucha de toda mujer. Me considero mujer feminista; después vendría artista feminista.

Creo que el evento que encauza el feminismo es demasiado fuerte y contundente, por eso no quiero encasillar mi obra como arte feminista, siento que si bien están presentes determinadas cuestiones feministas, otras tantas veces mi creación transita por infinitas circunstancias que van mucho mas allá; lo llamaría un arte femenino.

Debido al gran cambio de vida que experimentamos todos y que todavía vivimos – a causa del COVID- hay una vuelta introspectiva de cada ser y creo que esto ha potenciado aún más mi refugio en esos momentos a solas de toda mujer. Ahí es donde aparecen las ideas para crear, y aunque así siempre ha sido mi obra –con un carácter introspectivo- ahora estoy volviendo a reestudiar, a recodificar patrones que he desarrollado en mi trabajo, entonces cabe la pregunta si definirme como tal: artista feminista.

Siento que la lucha feminista es algo tan importante que no se puede tocar por los pelos, ni minimizar, no solo por su historia sino por cada una de las que realmente encuentran en sus filas una fuerza para seguir. Para mí, lo absoluto y los extremos no van a ningún lado y el ser feminista hay que planteárselo con seriedad y respeto.

_{Gabriela Reyna. Limpiar (Performance), 2015}

Para que me entiendas, no defiendo el hecho de la radicalidad extrema. Puedo defender mi género llevando vestidos, sentándome de forma canonizada, etc., porque además, me gusta y me siento bien ahí, nadie me lo impuso, más allá de las connotaciones históricas -que las conozco- no me puedo victimizar por algo que no soy. La feminidad es algo inherente en mí, me seduce y me lleva a indagar y accionar en el arte. Cuando se habla desde una experiencia traumática, visceral, desde un padecimiento en términos del género per se; si no lo he vivido, si no he sufrido como muchas que hoy ni siquiera pueden contarlo, pues debo tener medida y cuidado a la hora de trabajar desde ahí, porque se puede caer en lo trillado, en lo mediatizado, y se banaliza. Por eso creo que la manera en que una represente en su obra estos temas tiene que ser, o bien por experiencia propia, o con un gran respeto a la hora de ponerse en la piel de una mujer y su lucha.

A veces me parece demasiado poco decir con el arte todo lo que conlleva la toma de conciencia hacia la historia de la mujer. No obstante, volviendo a no ser absoluta, sí sé que gran parte de la visibilidad del feminismo es gracias a las artistas feministas y a lo que desarrollaron en las primeras tendencias del feminismo, y a las que como yo -quizás desde algo sutil y recatado- también hablamos; el silencio a veces grita.

He tenido la oportunidad de estar en tres países de Latinoamérica en los que el tema del feminismo, del feminicidio y la violencia de género es más latente que en Cuba. Aunque nosotros no estamos exentos de esos problemas. Somos una sociedad por génesis machista, tenemos micromachismos muy latentes; pero en aquellos contextos a nivel comparativo es muy fuerte y, obviamente, se sale de los márgenes del arte. Las personas están muy adaptadas a la violencia, lo tienen tan instaurado, que la lucha es necesaria y hasta inminente, eso me duele y no me solidarizo, sino sororidarizo.

Por estas razones es que me lo estoy planteando en el arte. Valoro y admiro muchísimo a aquellas mujeres que han hablado de eso desde su obra porque lo han padecido, sufrido, porque es su experiencia de vida. Es de respetar la postura que asumen al sacar a la luz desde el arte sus propios miedos, experiencias y lucha. A mí me gusta sublimar la feminidad de la mujer, la sensualidad, ese cuerpo que se admira, porque ¿por qué no?, por algo estoy en ese replanteamiento del feminismo como ideología, estoy buscando caminos para plantear el tipo de feminismo que va conmigo y que quiero enarbolar, al final lo importante es estar unidas.

En otras ocasiones has manifestado cuán satisfactorio te resulta la identificación que han experimentado algunas mujeres con tu trabajo. ¿En tu obra dónde están todas las mujeres y dónde está Gabriela?

Yo trabajo desde mí, no creo que me dirijo a una mujer en específico, eso quizás viene después. Siento que las mujeres están en mi trabajo donde se sienten reflejadas, representadas, a veces se encuentran en lo que menos uno se puede imaginar. Tuve una experiencia muy linda en Argentina cuando hice Yo no me voy a desnudar (2018). El performance se acompañaba con el sonido de mi respiración que parecía el mar, el vestido de lienzo parecía arena y yo era como una isla. Una muchacha, artista venezolana, que estuvo en la acción luego me escribió contándome que la obra la llevó a las playas de su vida y eso me pareció muy lindo. Ahí están ellas, donde se descubren.

En la medida en que he trabajado, me he dado cuenta que determinadas acciones y códigos que empleo sí pueden llevar a cabo una problemática en específico. Por ejemplo, cuando hice Limpiar (2019), yo literalmente me sentía una colcha de trapear (textil con el que se friega el suelo) en ese momento de mi vida, por un suceso en concreto que me había ocurrido, pero reconozco que hay muchas mujeres que se sienten así quizás no por la misma razón que yo, sino en un “x” contexto o situación. Esto es lo hermoso del arte: unir experiencias y sensibilidades aun sin conocerse artistas y espectadores.

En tu obra es latente la presencia de algunos leitmotiv, por ejemplo, los zapatos de tacón y los vestidos. ¿Por qué utilizarlos con frecuencia?

Rápido y mal podría decirte que me siento cómoda en tacones y vestido, pero va mucho más allá de eso. Para mí, la indumentaria tiene una carga y un misterio que me seduce. Me puedo imaginar infinidad de cosas desde la indumentaria. A veces ni yo misma entiendo el porqué, pero está ahí, encuentro un código, una historia, es como el que siempre pinta con el color rosado porque le gusta.

Reconozco en mi obra los leitmotiv, lo entiendo, pero eso no quiere decir que la ropa masculina no esté presente, lo que pasa es que de una forma u otra las piezas se me han ido dando de esa manera. Además, yo guardo mucho material referente al universo de “la estética femenina”. Entonces, sin querer o por azar de la vida o porque esa es mi energía, siempre tengo más cosas desde lo femenino que de lo masculino.

Para mí el vestido es un espacio vivido, un lugar habitado. Hay una piel, hay algo que se esconde ahí. Es tu identidad, más allá que la definición de una misma como hippie, rockera, o cualquier estilo. Siempre tenemos ropas que se convierten en preferidas; y también otras que heredamos, estas a mí me encantan por la historia que tienen detrás. Yo conservo vestidos de mi abuela y de mi madre, no sé qué voy a hacer con ellos, pero algo saldrá.

El zapato para mí tiene un misterio increíble. Marca el camino, los pasos. Tengo facilidad de encontrarme ropa y zapatos en la calle, pero más que todo, zapatos. Y me los he encontrado en todo tipo de situaciones.

Estos son los materiales que aparecen en mi vida, que tengo a la mano, que me motivan e inspiran. Con ellos me siento cómoda, me empoderan, me gustan, me siento atractiva, más allá de la otra cara banal que tienen, de la superficialidad que pueden cargar, que también lo reconozco. Que utilice vestidos y tacones, no quiere decir que detrás de esa mujer que tú te representas o que yo estoy representando, no haya una sensibilidad trascendente, algo más allá de un simple tacón.

Prefiero el vestido típico negro. Para mí el negro es elegancia, sobriedad, pero también soledad que carga con el llamado luto. Asumo mi trabajo como un refugio. En mis momentos más tristes, o tensos, lo que me saca es el arte. El negro no es un color, es ausencia de luz, de tonalidad, y ese negro para mí condensa todo, porque el blanco es hermoso y es expansión, pero veo el negro como un punto, que recoge todo, es el flujo, el término de algo. Por la búsqueda que llevo en mi trabajo, estoy tratando de indagar en un color que neutralice un poco determinadas cosas para señaladas acciones, que bien pudiera ser el gris o el beige, pero aún me encuentro en ese proceso, a la par seguiré marcando el negro en mi obra.

Y mi tela preferida es el lienzo. Desde la historia misma que presenta en las artes visuales; y desde la moda; cuando se hace un vestido en las grandes empresas, el patrón clase se hace en lienzo crudo. Cuando te pones un vestido de lienzo, como en Yo no me voy a desnudar, tiene otra carga, porque nadie se pone un vestido de lienzo porque sí.

_{Gabriela Reyna. Dijiste que me traerías a donde crecen las flores de verdad, 2015. Instalación.}

Hay una pieza de gran relevancia en tu haber: …Dijiste que me traerías a donde crecen las flores de verdad (2015). ¿Por qué emplear en esta instalación elementos propios de la vestimenta masculina con un tratamiento, en mi opinión, que parte del lirismo y la sensibilidad?

Como te comentaba, no me gustan los extremismos.

No puedo radicalizarme contra los hombres, como plantean algunas tendencias, porque incluso conozco hombres que son feministas. Yo creo que debe existir un diálogo y un apoyo entre ambos géneros. Por eso esta pieza es un homenaje a los hombres de mi vida, a lo que han representado. Con ella quiero transmitir mis experiencias hermosas con ellos y su sensibilidad; no hablo exclusivamente desde lo sexual o relaciones de pareja. Mi abuelo y mi padre, por ejemplo, han sido figuras imprescindibles en mi vida, a las que admiro, y eso también me define. Alguna vez alguien me dijo que esa pieza le hablaba de amor, justo no puede ser mejor interpretación, el amor.

Y sobre esto te cuento una anécdota: cuando empecé Cosas de Hembra, que es una serie que creo que voy a trabajar durante toda mi vida -o al menos ya sé que pintaré eternamente con maquillaje sobre toallas desmaquillantes- una amiga me cuestionó por qué cuadros pintados por hombres y mi respuesta fue: ¿por qué no? Precisamente eso fue lo que me gustó de este trabajo, la mirada del artista -en el contexto que sea- hacia la mujer, cómo lo quieras ver. No porque a alguien le parezca cliché, o sectorizada deja de ser importante.

La mujer siempre ha sido musa, inspiración y no por eso le resta empoderamiento y libertad. Su figura retratada ha sido la fuente de inspiración o el motivo principal de determinados artistas a lo largo de la historia del arte, por lo que el valor que tienen es indescriptible, sin una modelo mujer no hubiéramos tenido hoy obras tan conocidas como Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso, o las mujeres de ojos oscuros de Amedeo Modigliani, o los sensuales cuerpos femeninos de Egon Schiele, o nuestra cubanísima
Gitana Tropical de Víctor Manuel.

_{Gabriela Reyna. Desnudo acostado – Amadeo Modigliani, de la serie Cosas de hembra. Maquillaje sobre toallas desmaquillantes.}

Háblame de tu generación de artistas, ¿cómo valorarías la creación actual de mujeres en Cuba?

El arte cubano siempre se ha caracterizado por tener un fuerte potencial de innovación y trascendencia, a veces con los más escasos recursos; y en esto las artistas cubanas no son excepción. Lo hermoso de buscar en la historia del arte nuevos referentes alejados del patriarcado y el falocentrismo, es que concentro la mirada en la mujer y descubro exponentes de una fuerza brutal.

Mi generación es muy versátil e independiente. En el caso particular de las mujeres, encuentro homólogas que vuelcan su imaginario en el tema de género y experiencias en un cuerpo de mujer. También están otras artistas que no necesariamente tienen que hablar desde el ámbito de ser mujer o desde su representación, y a cada una de ellas las admiro aún más, porque a veces realizar una obra totalmente diferente a lo que se considera universal, por decirlo de alguna manera, supone un reto para su visibilización. Ser mujer y no hablar sobre temas de género, a veces limita su diálogo incluso con las propias mujeres; creo que esto debe transformarse, aun más en estas generaciones.

De forma general pienso que la creación actual de cada una de nosotras en Cuba es un camino infinito a explorar y decodificar dentro de los patrones establecidos en el arte, y hoy somos mucho más visibilizadas y empoderadas en este recorrido.

Daniela Ortiz. La Rebelión de las Raíces

Written by: Redacción • 23 enero, 2023

La galería angels barcelona acoge la exposición Hechizos sobre el presente de la artista Daniela Ortiz (San Sebastián, 1937). Creadora que, mediante su trabajo, pretende generar narraciones visuales donde los conceptos de nacionalidad, racialización, clase social y género son entendidos de manera crítica para analizar el poder colonial, capitalista y patriarcal.

Miguel López, en el texto de la exposición escribe:

En los últimos años, las obras de la artista y activista Daniela Ortiz han incorporado modelos y lenguajes pedagógicos, como los libros infantiles y espectáculos de títeres, que le permiten mostrar su respeto y agradecimiento al saber que emana de la colectividad, las plantas, el territorio y los seres espirituales. Esta exposición reúne un conjunto de obras recientes que apelan a la dimensión afectiva de la memoria oral y a una escucha que no es puramente racional sino corporal.

Su mudanza a Cusco –el lugar en donde creció– en 2020 fortaleció su vínculo con la calidez del trabajo manual. Luego de estar fuera de Perú por más de una década, la artista deseaba reconectar con formas de representación artística no occidental –estéticas populares, campesinas e indígenas. Su serie La Rebelión de las Raíces es heredera de la tradición religiosa de los exvotos pintados: láminas metálicas o de madera en donde se plasma una imagen y un texto para pedir un deseo. Condensada en tres o cuatro viñetas, sus series conectan múltiples tiempos y geografías.

En sus pinturas de exvotos, la artista no solo imagina formas de justicia ante una historia de extracción, esclavismo y confiscación de bienes por parte de occidente; sus pinturas son también una forma de intercambio entre lo terrenal y lo sagrado. Sus peticiones tienen un carácter propiciatorio, como si ella les hablara a fuerzas superiores capaces de cambiar el rumbo de la vida. Esta dimensión ritual asoma incluso en el ritmo musical de sus textos en los cuadros. Las plantas –protagonistas de sus historias– dan cuenta de una idea de sanación que no se agota en la visión liberal de curar del cuerpo individual, sino que reclama la urgencia de restaurar un equilibrio ecológico y social fracturado.

Otra de sus obras en exposición es The Weeping Woods and the Okapi Resistance, un espectáculo de títeres comisionado por el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas. Presentada para una audiencia principalmente de niños, la obra tiene como protagonistas a un okapi –un mamífero que vive en la República Democrática del Congo– y a otros animales de siete monumentos de Bruselas. La historia conecta episodios que van desde la evangelización en Abya Yala hasta la invasión en Iraq y Afganistán para evidenciar la condescendencia y el autoritarismo del colonialismo blanco enmascarado en falsas políticas de protección humanitaria, filantropía y solidaridad. Es elocuente que esta pieza teatral haya sido presentada delante de un monumento que relata el colonialismo belga en Congo. Frente a la grandilocuencia patriarcal de esa enorme escultura, sus delicados títeres ofrecen un desagravio simbólico a través del juego y la ternura.

La hechura artesanal y los colores vibrantes de sus piezas son profundamente seductores: nos recuerdan las cualidades mágicas y políticas de la belleza. Sus pinturas subrayan la dimensión revolucionaria de las raíces, hojas, larvas y frutos para tirar abajo a los representantes del poder colonial. Su espectáculo de títeres expresa el poder de una alianza entre animales, espíritus y fuerzas humanas capaz de abrir nuevos caminos de liberación. Las obras de Daniela Ortiz no solo abren nuevas puertas para entrar a la historia, también lanzan hechizos sobre el presente.

La Rebelión de las Raíces
Fechas: Hasta el 5 de marzo de 2023
Lugar: àngels barcelona, Barcelona

La mirada de 3 mujeres arranca el programa expositivo del Lázaro Galdiano

Written by: Victoria Arribas Roldán • 23 enero, 2023

La mirada de tres mujeres arrancan el programa expositivo del Museo Lázaro Galdiano de este año 2023. La coleccionista Bárbara Rueda y las artistas Linarejos Moreno y Rossel Meseguer, plantean tres propuestas en dialogo con las colecciones del museo.

¿Qué veremos?

Homenaje. La Colección ACB Bárbara de Rueda en el Museo Lázaro Galdiano

La primera exposición es la propuesta de la coleccionista Bárbara Rueda, una muestra Homenaje que pierde su condición de privada y familiar para constituirse en una gran afirmación del arte como depositario de una memoria compartida.

Bajo el título Homenaje. La Colección ACB Bárbara de Rueda en el Museo Lázaro Galdiano, se presenta una narración de la historia del arte contemporáneo con 30 piezasque reflejan esa fructífera idea del coleccionismo como una permanente construcción de memoria, enlazada con la noción de patrimonioy con dos grandes componentes: obligación y generosidad. Junto a otros artistas, se presentan obras de una selección de mujeres artistas, tanto “pioneras” como jóvenes creadoras, que representan la elección consciente que Bárbara de Rueda ha hecho desde que se ocupó en solitario de la Colección ACB (Colección que formó junto con su esposo, Alberto Corral López-Dóriga, y que ella ha ampliado en los últimos 15 años) y cuya obra admira: Elena Assins, Lea Lublin, Concha Jerez, Soledad Sevilla, Susana Solano, Ana Teresa Barboza, Cecilia Costa, Cristina Lucas, Fernanda Fragateiro o Julia Aurora Guzmán.

Esta exposición, podrá verse hasta el 2 de marzo en la Sala Pardo Bazán, el Salón de baile y Pórtico del Museo.

_{On the Geography of Red. Datos, Linarejos Moreno}

“On the Geography of Red” Linarejos Moreno

Desde el 9 de febrero y hasta el 9 de abril, la artista Linarejos Moreno presenta en exclusiva, On the Geography of Red, un site-specific realizado en diálogo con el Museo Lázaro Galdiano, dentro de su programa “Artistas por casa”, para aplicar la metodología de su proyecto a un contexto local. El resultado es una obra novedosa que cuestiona, desde la poética de su propio lenguaje, la mirada desde la que se ha construido la identidad canónica del paisajey que a la vez se convierte en un estudio sociológico y técnico del museo.

En On the Geography of Red, la artista yuxtapone las fotografías tomadas el 22 de marzo de 2022 –cuando una fuerte calima proveniente del Sahara transformó el cielo de Madrid en la atmósfera roja de Marte– con una gran cantidad de datos relativos al museo, en todo un análisis de género, clase social, botánica e incluso de aspectos atmosféricos, que entroncan con una genealogía de representación científica del pensamiento pictórico romántico.

Donde caben mundos… de Rossel Meseguer

Rossel Meseguer, quien se define como una rastreadora de vestigios, documentos y archivos, es la otra mujer que mira al Museo Lázaro Galdiano y nos ofrece una poética exposición en la que presenta más de 25 libros y cuadernos que muestran el material recopilado durante años en diferentes proyectos y distintas temáticas; estos cuadernos y libros se muestran en diálogo con una docena de libros de la Biblioteca Lázaro Galdiano, joyas bibliográficas que abarcan manuscritos, impresos raros y curiosos, fruto de la recopilación de un gran bibliófilo, José Lázaro Galdiano, que sentía “delirio por las letras”, como decía de sí mismo. Donde caben mundos… podrá visitarse desde el 23 de febrero al 23 de abril en la Sala 1 y el Gabinete de Tejidos del museo.

La internacionalización del Arte Español eje principal del 10º aniversario de LA NEOMÚDEJAR

Written by: Redacción • 21 enero, 2023

El Museo C.A-V La Neomudéjar en su décimo aniversario lanza su premio adquisición para Artistas Emergentes en colaboración con el programa DALA 2023 de la prestigiosa feria de arte LA ART SHOW en Los Ángeles.

Se cumplen 10 años del nacimiento de uno de los museos más singulares de la ciudad de Madrid, el Museo La Neomudéjar siempre ha destacado por un programa museal atípico y una clara misión de vocación internacional, por eso este año 2023 en el que celebra su 10 aniversario, ha planteado un programa que no solo tendrá visibilidad en España sino en otros países con los que ha ido manteniendo una estrecha comunicación diálogo y programación.

Por tercer año, Arthouse y sus dos museos ( La Neomudéjar y Zapadores Siglo XXI), estarán, presentes en la feria de Los Ángeles como museos invitados en la sección comisariada por Marisa Caichiolo, DIVERSEartLA. Este año la artista que representará al museo, será Carmen Isasi con una gran instalación a 4 pantallas cuyo título DESHABITADAS, profundiza sobre el eje curatorial de este año en la feria. Sin duda una ocasión fantástica para destacar producciones de arte español en territorio estadounidense.

Premio de Adquisición de Museos para artistas emergentes

La edición DALA 2023 lanzará una nominación al Premio de Adquisición de Museos para artistas emergentes. Este programa, que busca apoyar la escena del arte fomentando la adquisición de obras de arte contemporáneo por parte de los principales Museos nacionales e internacionales, es posible por primera vez gracias al compromiso de DALA y el Museo La Neomudéjar de España, con el apoyo de LA MUESTRA DE ARTE.

“Queríamos introducirnos como agente activo en el mercado americano, brindando desde una óptica filantrópica un apoyo a las galerías que representan a artistas emergentes” comenta Francisco Brives -Co-director del Museo Centro de Artes de Vanguardia “La Neomudéjar”-. “La filantropía es una de las dinámicas habituales en EEUU y hemos acordado que es una fórmula óptima participar con la feria desde este lugar como institución museal con colección adscrita al ICOM.”

El premio de adquisición -de 5.000 euros- se anunciará al final de la edición DIVERSEartLA 2023 el domingo 19 de febrero. La selección estará a cargo de los directores de La Neomudéjar, Néstor Prieto y Francisco Brives y la curadora de DIVERSEartLA, Marisa Caichiolo quienes en días previos visitaran galerías y conocerán las propuestas artísticas .

Para ello los directores viajarán junto a la artista vasca representante de este año, Carmen Isasi, a Los Ángeles, en este mes de Febrero. “Nuestra presencia en la feria, siempre nos ha ayudado a asentar una presencia de arte español en diálogo con otros grandes museos internacionales con lo que tenemos la oportunidad de generar redes, encuentros y visibilizar la institución”. comentan Néstor Prieto y Francisco Brives.

LA ART SHOW

LA ART SHOW reúne cada año una media de 80.000 visitantes en la ciudad durante los 5 días de feria. Este año como en los anteriores, la feria se desarrollará en LA CONVENTION CENTER de la ciudad de los Ángeles del 15 al 19 de Febrero del 2023.

La lista de instituciones de arte, museos y organizaciones sin fines de lucro participantes de DIVERSEartLA 2023 son:

– Instituto Cultural Italiano (Los Ángeles)

– AMA Museo de Arte de las Américas de la Organización de los Estados Americanos (Washington D.C.)

– Museo La Neomudéjar (Madrid, España)

– Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) (Long Beach)

– Skid Row Cooling Resources / Homeless Health Care Los Angeles (HHCLA) (Los Ángeles)

– Kunstiniciative Wurzeln und Flügel e.V Art Museum (Alemania)

– Galería ReflectSpace, Departamento de Arte y Cultura de la Biblioteca de la Ciudad de Glendale (Los Ángeles) y Centro de Artes Culture Nomad (Seúl)

– Oficina OPC Proyectos Culturales (México)

– Producciones Raubtier & Unicus

Entrevista a Carlos Enfedaque

Written by: José Luis Martínez Meseguer • 20 enero, 2023

Carlos Enfedaque (Zaragoza, 1994). Vive y trabaja en Berlín (Alemania). Grado en Bellas Artes (Pintura) por la Universidad de Zaragoza (2016). Máster universitario en Educación Secundaria, Bachillerato y Formación Profesional (Dibujo) por la Universidad Cardenal Herrera, Valencia (2018).

_{Retrato de Carlos Enfedaque. Cortesía del artista}

Interesado en la figura humana y el retrato como reflexión sobre temas como el “yo”, la identidad o el género y cómo jugar con estos. Sus pinturas plantean preguntas, mensajes escondidos, información desconocida y narrativas sin resolver, que permiten al espectador proyectarse en la pintura. Propone el tipo de imaginario que le habría gustado tener a su alcance de niño, creando un lenguaje visual que se compromete con el espectador en forma de conversación sobre identidad, amor y sexo, cuestionando los límites entre lo privado y lo público, afecto y violencia, figuración y abstracción.

Figurativo aunque deconstruye el motivo en varios tonos. Se guía por la luz y la manera en que esta transforma y colorea los elementos y cuerpos, trascendiendo el motivo y añadiendo ambigüedad, haciendo un guiño personal intrínsecamente íntimo a la escena queer club de Berlin, tan rica y diversa que se vive allí y de la que se rodea y forma parte. Engrosa y enriquece el imaginario que todos asociamos con la intimidad, interacciones y la sexualidad homosexual y/o disidente.

_{Carlos Enfedaque. A las 23 horas II. 35 x 38cm. Cortesía del artista.}

PAC – Te proyectas desde Berlín. ¿Te hubiera gustado cambiar de lugar y hacerlo desde allí?

Carlos Enfedaque – Por el momento llevo viviendo en Berlín cuatro años y siento que aún me quedan varias cosas por vivir aquí. Desde luego fantaseo con mudarme a otros países, sobre todo en el invierno… pero por el momento lo siento como una buena base de operaciones.

PAC – ¿Crees que tu trayectoria habría sido la misma?

Carlos Enfedaque – Desde luego que no, cuando acabé mis estudios en España (Valencia), no veía ninguna posibilidad; estaba sumido en un trabajo precario; no tenía ni tiempo ni dinero en una ciudad en la que no era fácil hacerte un hueco como joven artista emergente. Le debo mucho a Berlín. Empezando por la cantidad de oferta cultural para todo tipo de públicos e intereses. Me ha ayudado muchísimo a enriquecerme visualmente, con experiencias culturales y sociales. Dándome un contexto en el que he podido adquirir cierta estabilidad económica dedicándome a lo que quiero, a lo que me gusta y mejor sé hacer. Lo mejor de Berlín es que es transversalmente diversa.

PAC – ¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?

Carlos Enfedaque – Es algo bastante instintivo, como el comer, para mí ese impulso viene de algún lugar entre la cabeza y el estómago. Soy muy visual y disfruto enormemente de trabajar con las manos, probablemente relacionado con el fetiche de crear objetos.

Ha habido temporadas en las que no he pintado pero tarde o temprano algo me acaba redirigiendo al color y la mancha. Supongo que gran parte del porqué pinto es porque quiero llegar a la gente, crear conversaciones a través de la imagen. Aportar al imaginario colectivo cosas que considero que hace falta que sean vistas.

PAC – ¿Qué ansiabas?

Carlos Enfedaque – Soy una persona inquieta por naturaleza y he padecido de ansiedad hasta el día de hoy. Poco a poco (ayudado por terapia), he ido entendiendo que esa ansiedad me ha funcionado a modo de motor y me ha llevado hasta donde estoy ahora, lo cual me hace estar más en paz conmigo mismo.

Ahora ansío tener tiempo, espacio y medios para seguir haciendo pintura, seguir descubriendo/me y desarrollando/me.

PAC – ¿Lo encontraste?

Carlos Enfedaque – En gran parte sí, pero es un trayecto, espero que largo. No creo que haya una meta definitiva en la que haya que pararse sino ir disfrutando y saboreando el recorrido.

_{Carlos Enfedaque. Tim, Samuel, 2022. Óleo sobre lino. 160 x 115 cm. Cortesía del artista.}

PAC – ¿Qué crees que puede mejorarse en el Sistema del arte?

Carlos Enfedaque – Con el sistema entiendo… ¿el mercado del arte? Es extremadamente opaco y hermético. Y desde mi experiencia académica nadie te enseña a navegarlo, a cómo moverte en él. Ha sido a través de consejos de compañeres de oficio con más experiencia y mi instinto por lo que he ido encontrando mi camino y sabiendo manejarme con los códigos.

PAC – ¿Qué deberíamos aportar y eliminar al Sistema?

Carlos Enfedaque – Todo se fundamenta en una educación, añadiría una enseñanza que diese valor a lo cultural, a lo manual y emocional por encima de lo económico y material. Mostrar que el arte es catártico y didáctico, que el lenguaje de las imágenes es accesible, solo debemos ponerlo al alcance de todos.

Deberíamos aportar sistemas de apoyo que empujen a artistas jóvenes y emergentes en sus inicios a poder desarrollarse. Se habla de la fuga de cerebros pero conozco muchos casos de gente que tenía mucho que decir, poseían un talento excepcional y la voluntad para expresarlo pero que tienen carreras creativas frustradas ya que se ven obligados a sobrevivir con trabajos precarios o que poco tienen que ver con la expresión artística.

Un ejemplo definido de algo que aportar sería la renta básica incondicional. Aunque ésta no solo se aplique a artistas plásticos, estoy seguro que es una medida con la que todos salimos ganando. Eliminaría la desigualdad de visibilidad y recursos ya que, como en todos los ámbitos, hay gente que posee la gran porción del pastel y no tienen tanta hambre. Dando especial atención a colectivos que históricamente han sido invisibilizados, de una manera transversal.

_{Carlos Enfedaque. Yellow Flame. 142 x 160 cm. Cortesía del artista.}

PAC – Asociacionismo profesional ¿qué opinas?

Carlos Enfedaque – Creo firmemente en los sindicatos y asociaciones. Es una manera de aunar fuerzas para protegernos y combatir injusticias.

Desde luego que en el sistema hay ya varios tipos de relaciones que se establecen entre artistes, galerías, coleccionistes y comisaries. Los unos dependemos de les otres y por ello debemos establecer relaciones sanas y equilibradas, como en cualquier otro espectro de las relaciones humanas.

En el momento en que se dan abusos de poder, chantajes o injusticias deberíamos poder desechar y terminar estas relaciones.

El papel de una galería que te cuida como profesional es fundamental, igual que un coleccionista o comisarie, si creen en tu trabajo, todes elles pueden ayudarte a impulsar tu carrera de la misma manera que tú les ayudas a elles. Es bonito hacer buenas simbiosis.

_{Carlos Enfedaque. Abrazo II, 2022. Óleo sobre lino. 160 x 125 cm. Cortesía del artista.}

PAC – Háblanos un poco de tu trayectoria.

Carlos Enfedaque – Nací en 1994 en Zaragoza, Aragón. Aunque a mi familia le interesaba y participaba de la cultura, poco tenía que ver con lo artístico, pero no dudaron en regar esa semilla que vieron en mí, apoyándome en todas las decisiones con las que posteriormente fui encauzándose a las artes plásticas.

Decidí mudarme a Teruel (aunque hubiese preferido Barcelona) para cursar el grado de Bellas Artes, dónde pude explorar todas las disciplinas que las nuevas instalaciones de la universidad me permitieron. Después de juguetear, sobre todo con la escultura y pintura, durante mi Erasmus en Coimbra Portugal, decidí que la pintura era lo que mejor se adaptaba a mis necesidades, por lo que el último año de grado lo curse en Valencia (UPV) especializándome en pintura.

Un año después de acabar el grado cursé en Valencia el máster de profesorado ya que tenía interés por la pedagogía artística. Tras tres años de trabajar y estudiar en Valencia finalmente me mudé a Berlín dónde retomé la pintura y empecé a proyectarme, donde actualmente tengo mi estudio y resido.

_{Carlos Enfedaque. Sin título, 2022. Óleo sobre lino. 60 x 45cm. Cortesía del artista.}

PAC – Defínete mediante hashtags o etiquetas

Carlos Enfedaque – #intimidad #queer #colores #figuracionabstracta #pinturagestual #homo

PAC – ¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

Carlos Enfedaque – La identidad/identidades, el amor, intimidad y sexualidad, retratos psicológicos y muerte. Me gusta pensar que trabajo el retrato y la figura humana como paisaje mental. Presentar un imaginario lo suficientemente sugerente como para que el espectador se proyecte en este y pueda hacer su propia lectura del mismo. Pinto lo que a mí me gustaría ver y considero que escasea en los circuitos artísticos.

_{Carlos Enfedaque. Seudónimo, 2022. Óleo sobre lino 106 x 200 cm. Sin título, 2022. Óleo sobre lino. 43 x 55 cm. Cortesía del artista.}

PAC – ¿Algún proyecto, pendiente, que te gustaría realizar?

Carlos Enfedaque – Últimamente he disfrutado mucho del abocetaje sobre papel con pasteles al óleo, ha supuesto para mí una manera rápida de hacer estudios de color y forma en pequeño formato. Fantaseo con llenar una pared entera con estos esbozos en mi próxima expo individual en 2023.

Estoy a la espera de que me confirmen la participación en un par de ferias internacionales y en España, siempre es una buena excusa para volver a casa.

PAC – Un deseo.

Carlos Enfedaque – Poder dedicar más tiempo a estar en mi estudio, sin tener que sacrificar tanto tiempo de ocio, social y de descanso como he hecho hasta ahora. Seguir teniendo la posibilidad de viajar y conocer gente a través de esta profesión. Que mis obras lleguen a gente que necesite verlas.

Todos los mapas

Written by: Andrés Isaac Santana - La Comarca • 20 enero, 2023

Yanelis Mora será una de las artistas del proyecto AQUÍ, que inauguraremos en el estudio del reconocido artista cubano Dagoberto Rodríguez, coincidiendo con ARCO y la semana del arte en Madrid. Pero no es solo este el motivo por el que le dedico una entrada en mi columna de PAC; sino, y más importante, porque estimo que ha consolidado un crédito de prestigio en la escena feminista del arte contemporáneo con una celeridad y una audacia envidiables.

Si tuviera que resumir en una frase el carácter de su obra, sin duda, sería esta: un mapa con otros sentidos. Venida del mundo de las Artes Escénicas cuenta con la habilidad suficiente para organizar un discurso y dispensar un horizonte de emergencias morfológicas que responden a este. Yanelis elabora, con pasión y delicadeza consumada, una suigéneris cartografía en la que -pienso- intenta hacer “compatible” sus ilusiones utópicas con la realidad del desgaste y de la ruina. Sus piezas apelan a todo tipo de patrón y al sentido lapso (y preciso) de la geometría, en tanto referencias que le permiten la fundación personal, íntima e intransferible de extraños escenarios afectados por la regencia del cuerpo fractal. Observo con atención estos accidentes y advierto en ellos una voluntad de decir que no descubre del todo la autoridad poética, pero que fuerzan por colocarse en un espacio de significación a todas luces atendible. Hablamos de piezas muy atractivas que, vistas desde el propio relato de la historia del arte cubano, bien podría discutir su lugar en el contexto de esa genealogía que presta atención a las derivaciones y embestidas de la abstracción geométrica. Esto último sin desatender jamás que esta propuesta asume la porosidad ambivalente del signo estético y del hacer en arte más allá de su abdicación frente a todo tipo de escuela, movimiento o estilo.

Creo, sin temor a equivocarme, que el trabajo de Yanelis nace de una necesidad horizontal, entendiendo esto como una respuesta afectiva, honesta y libre a su condición y lugar en el mundo.

En esta oportunidad, y priorizando el enfoque coral, contamos con textos de las críticas y curadoras Ana Gabriela Ballate Benavides, Yadira de Armas Rodríguez, Luis Enrique Padrón y fragmentos de una potente entrevista que realizara a la artista la también curadora y crítica de arte cubana, residente en Miami, Claudia Taboada Churchman. Entre todas estas voces se orquesta una exégesis que certifica la expansión y hondura de los mapas de esta increíble artista.

Pasen y lean.

_{Yanelis Mora. Untitled, 2020. From the series Jardines de la Inconsciencia. (Unconsciousness gardens). Fundation paper piecing. 180x150cm. Cortesía de la artista.}

Yanelis Mora, por su parte, evoca esos “paisajes del alma” a partir de referentes reales. Empleando como lenguaje expresivo la técnica del foundation paper piecing, la artista ordena -cual oficio ancestral llevado a la contemporaneidad con la sutileza y perfeccionismo de quien confecciona un reservorio de memorias propias y colectivas-, el trazado cartográfico, a vista de pájaro, e incluso frontal, de diferentes paisajes. Y es que el mapa, como registro, no solo constituye para Yanelis ese hipertexto cual gramática universal a la hora de trazar camino. Es también la oportunidad de accionar con el material para dejar su huella en un proceso -el relacionado con lo textil- que habla de la mujer desde la antigüedad, en su relación con lo doméstico, lo manual y con lo artístico. Sus más recientes trabajos parten de esa búsqueda de espacios, que la artista asume constantemente.

Inspirada en los paisajes de Castilla y León, “Siena” se convierte en una de las series más autobiográficas de esta creadora. En la total alusión que realiza, tanto al nombre de su hija como a la paleta de colores que emplea, Yanelis Mora descompone cada fragmento para hilvanar la memoria no sólo de estos espacios, sino también la suya propia. Con un lenguaje cercano al diseño, desarrolla un vocabulario abstracto, donde de manera geométrica genera composiciones cromáticas contenidas en la tela como soporte, plano de color y/o materia pictórica que va conformando su obra.

Ana Gabriela Ballate Benavides y Yadira de Armas Rodríguez.
Críticas de arte y curadoras independientes.

_{Yanelis Mora. Eden de Lagunas ll, 2020. From the series Jardines de la Inconsciencia (Unconsciousness gardens). Fundation paper piecing. 190x150cm. Cortesía de la artista.}

El trabajo de Yanelis es una alegoría sobre la ansiedad del hombre contemporáneo. El mapa, con su perspectiva a Vista de pájaro, es su motivo fundamental. Juega desde el cielo a imaginar jardines, un caos pleno e incontrolable. Sus complejos entramados de formas en otra época hubieran sido analizados como abstracciones. Hoy, por el contrario, son piezas de gran realismo. ¿No son acaso paisajes de la superficie del mundo? Aparentemente ha eliminado en ellos el horizonte. Nada más lejos de lo cierto: ha desarmado la línea que convencionalmente hemos usado para imaginarlo; abriéndolo ante nuestros ojos, lo ha transformado, de trinchera en valle.

El punto de partida de su poética es el trabajo con Foundation Paper Piecing. Actualmente el proceso de trabajo se muestra tan sugerente como la obra terminada. El material más importante para ella ha sido siempre la tela. Por lo que sus imágenes gozan de una apariencia extraña, camaleónica y especialmente orgánica. Desde pequeña se había interesado en las artes de la costura. Cuando comenzó sus estudios de actuación encontró una oportunidad de desarrollar esta afición. Entonces se implicó en el diseño de vestuarios, lo que le permitió enriquecer sus caracterizaciones dramáticas. De alguna manera, los personajes que ha encarnado son un objeto de arte en sí mismos, y su secreta manera de hacer teatro, una forma de trascender las limitaciones tradicionales de ese medio. Estamos hablando, en toda regla, de una artista transdisciplinaria.

_{Yanelis Mora. Untitled. 2019. From the series Jardines de la Inconsciencia (Unconsciousness gardens). Fundation paper piecing. 37x38cm. Cortesía de la artista.}

Pensemos, por ejemplo, en el caso de sus fabulosas mascarillas. Se advierte un vínculo con los legendarios vitrales de Amelia Peláez, las cartas celestes y los “tableros” de Dolores (Loló) Soldevilla, las estructuras ensambladas de Sandú Darié, y los irresistibles volúmenes de Zilia Sánchez. En lo aparente saltan a la vista colores exacerbados, intolerancia a la oscuridad y obsesión por lo matérico. Mientras, de fondo se advierte un vínculo más fuerte, de tipo conceptual. La comunión en la necesidad de una gramática de alcance universal, contemporánea, que sea capaz de conectar la tradición visual nativa con todos los imaginarios del mundo. En efecto, las mascarillas portan una fuerza cosmogónica; son una escabrosa y aventurada incursión al vórtice de la cultura global. Algo igual de interesante ocurre si fijamos el análisis en la manera en que la artista aborda la geometría. Hay una intensa relación entre su perspectiva y la de figuras como Sophie Taeuber- Arp, Matilde Pérez o Lygia Clark. Desarma lo plano, lo simétrico, lo inerte, acorde a una abstracción optimista, convulsa, séptica; ajena a toda legislación matemática o racional. Pues, como dijera Carmen Herrera, la geometría no es sino la estructura de la poesía. Una visión así, contraria al romance de la forma plástica; que busca constantemente trazar analogías con el impulso de la vida; es profundamente naturalista. Por eso no ha de extrañarnos que el título de su primera exposición personal sea Polen y que el centro articulador de su discurso sea una tragedia orgánica.

Luis Enrique Padrón / crítico de arte y curador / Estudio Mala Fama.

_{Yanelis Mora. Fuga, 2023. De la serie Siena. Foudation Paper piecing (tela sobre papel). Dimensiones variables. Cortesía de la artista.}

III

Mis motivaciones para crear son diversas, pero hay puntos muy evidentes como por ejemplo mi relación directa con las artes visuales durante 13 años por estar casada con un artista de la plástica cubana que ya todos conocen. Por otro lado, el trabajo en el teatro con las luces, el espacio, los objetos, los sonidos y las formas, es la base fundamental que da origen a este proceso creativo que vengo desarrollando hace alrededor de 4 años, y que estoy convencida que, consciente o inconscientemente, será el sustento central de mi inspiración para series y piezas futuras.

A pesar de saber que era capaz de construir vestuarios, títeres, o bien, elementos escenográficos que aprendí con la actuación, solía decir una y otra vez: “Nunca podré hacer otra cosa en mi vida que no sea actuar”. En el año 2017, por segunda vez en New York, me encontré algún tiempo en un panorama que carecía de ese universo actoral al que estaba acostumbrada. La primera vez la pasé bastante mal, yo diría que fatal; no así la segunda, cuando mi sentido de supervivencia puso a prueba aquel ‘leitmotiv’ y despertó en mí otra manera de hacer, de crear, de sentirme casi igual de plena que en el teatro. Me reuní con dos amigas, una de ellas diseñadora gráfica y comencé haciendo una prueba, llevando sus dibujos al textil. Lo que no imaginaba era que aquello no era más que un avance… En el año 2019 vinimos mi esposo y yo a residir a Madrid, ya para ese momento traía en mente llegar aquí y continuar con los textiles que había iniciado en New York, pero en esta ocasión con otro enfoque y explorando nuevas ideas. Sabía que esa tendencia que tengo a la desubicación podría aparecer en cualquier momento y pretender colocar en mí algún descontrol emotivo, pero increíblemente la inspiración y el trabajo diario fueron más fuertes que cualquier sentimiento negativo que pudo aflorar. Hoy me queda claro que de los peores momentos salen las mayores enseñanzas.

_{Yanelis Mora. Loto viejo. De la serie Primavera del 2020. Foundation paper piecing (tela sobre papel). 17×15 cm. Cortesía de la artista.}

Mis mapas son el consuelo en gran medida a fragmentos de mis miedos. Esos miedos que son parte de mi vida y probablemente también de vidas pasadas. Alguien me dijo un día: “Tú no debes dejar nunca de actuar, así tengas 80 años o más, no lo hagas, porque dentro de ti vive un monstruo que sale a respirar cuando te subes a escena”. Y yo creo que estos mapas que luego transformo en jardines, me ayudan también en gran medida a sacar y a liberarme de esa parte de mí que tanto amo pero que tan difícil se me hace sobrellevar en ocasiones. Mis mapas no solo pretenden hablar de ubicación o de encontrar un rumbo, también cuentan historias de amor, de alegrías, de creencias, de familia, de niñez y juventud, de esfuerzos, de ahogos y de luz. Cada vez que comienzo uno es como enfrentarme a un ser al que miro de frente, fijo y muy de cerca, sin pestañear ni un segundo y una vez que lo termino es como si hubiera dejado atrás un gran peso, y de pronto aquello se transforma en ese paisaje, en algo bello para mí, un aliento de paz.

>Aquí llegas a experimentar el aquí y el ahora que tanto nos cuesta en la vida real. Bueno, pues una improvisación es lo más parecido al proceso que estoy llevando ahora mismo. Y te puedo decir que con el tiempo he aprendido que querer explicar o explicarnos el por qué sucede o de dónde viene el resultado de la obra, casi siempre pierde la espontaneidad, la frescura y la sinceridad que trae implícito. Pero hasta donde sé la abstracción es una representación de lo esencial de los fenómenos y las cosas. Ella es capaz de hablarnos de lo que la figuración muchas veces no logra comunicarnos y particularmente para mí es una elevada síntesis de la pureza de lo más profundo de la consciencia y el espíritu. No obstante, la respuesta a tu pregunta puede estar en el hecho de vivir rodeada de Artistas durante años como son: Mi abuelo, mi esposo, o de amigos como Michel Pérez (el Pollo) Osvaldo Gonzales, José Eduardo Yake con sus pinturas, sólo por mencionar algunos, más todo el background adquirido durante años cada vez que visito museos o exposiciones con Campins. Otros artistas que me motivan son Bernhard Lang, Rosario Belda, Lygia Clark, Carmen Herrera, Sandu Darie, Lygia Pape, Hormazd Narielwalla y por supuesto Mondrian. Por otro lado, está el teatro, que hasta cierto punto es una abstracción de la realidad desde el momento justo en el que tu logras transformar en escena un objeto y convertirlo en todo lo que tú seas capaz de visualizar en él, Ejemplo: Una Maleta en una cama, en un mueble, en una mesa, en una tarima, en un barco…

_{Yanelis Mora. Azul estática. De la serie Primavera del 2020. Foundation paper piecing (tela sobre papel) 20×15 cm. Cortesía de la artista.}

Aprendí a utilizar una antigua máquina de coser Singer a los diez años y poco a poco aquello se volvió un disfrute enorme para mí. Rompí y transforme cuanta ropa podía y muchas veces parte de las prendas que usaba y uso me las arreglo o hago. Al cabo de los años esto me sirvió durante la carrera de actuación. Ya sabemos que en Cuba por la escasez un actor muchas veces se convierte en su propio diseñador de vestuario, y hasta de escenografía, cosa que adoré desde el primer momento. Aquello me fue dando una destreza con las manos y la imaginación que hicieron de mí un ser sumamente creativo. La textura en la tela tiene un encanto y una riqueza que me permiten trasmitir incluso más de lo que me propongo con estas piezas. El patchwork es un Arte milenario donde predomina el trabajo riguroso con los textiles, es una labor muy exquisita de detalle y de mucha paciencia. Yo no suelo ser perfeccionista y tampoco paciente, sin embargo, cuando realizo estos trabajos se rompen todos los esquemas. En el caso del método Foundation Paper Piecing fué todo un suceso cuando lo encontré, sucedió por casualidad un día viendo imágenes de obras en un festival de quilt que se realiza anualmente en Birmingham Inglaterra, la manera en la que estaban cosidas aquella piezas eran de un nivel de precisión, de perfección y de complejidad que no podía descifrar, lo cual captó toda mi atención y no paré hasta lograr entender durante par de meses después la intrincada madeja que hay detrás de los patrones que acompañan este tipo de obras. Mi inglés no es bueno, pero eso no fue un impedimento para ir traduciendo poco a poco el único libro que hallé y que me orientó para hacer mis propios dibujos en base a esta técnica hasta convertirlos luego en esos mapas de los que hemos estado hablando. Fue toda una odisea, pero ahora mismo esto me da una confianza enorme en los próximos trabajos que quiero hacer y me hace sentir súper feliz.

Extracto de una entrevista que sostuvo la artista con la crítica y curadora
cubana Claudia Taboada Churchman, quien en la actualidad ejerce como
curadora en Pan American Art Projects, Miami.

JUSTMAD renueva su compromiso con la ecología, el mundo rural y el arte emergente en su programa anual de residencias junto a Ras de Terra

Written by: Redacción • 20 enero, 2023

JUSTMAD, en su décimo cuarta edición, que tendrá lugar del 23 al 26 de febrero de 2023 en Madrid, continúa su compromiso con el contexto rural y el medioambiente, con su programa de residencias en colaboración con Ras de Terra.

Tras el éxito y la experiencia del pasado año, en 2023 tres artistas, Pilar del Puerto (Galería Beatriz Pereira), Manuel García Cruz (Navel Art) y Almaro (Galería Modus Operandi), compartirán sus talentos desde el 23 de enero hasta el 3 de febrero, en la residencia de Ras de Terra en Villanueva de la Vera (Cáceres), para desarrollar un proyecto común bajo la dirección creativa de la artista Mónica Sánchez-Robles, co-fundadora de Ras de Terra. Su trabajo conjunto se expondrá en la feria JUSTMAD en su sede habitual del Palacio Neptuno.

Este año se abordará el universo de la lana merina y su problemática actual desde la mirada del arte contemporáneo. Los artistas podrán enfatizar en su extraordinario potencial, sus enormes beneficios sociales y medioambientales. El proyecto tiene como finalidad apoyar de manera sostenible a la comunidad local con proyectos culturales y agrícolas, crear un diálogo innovador y creativo inspirado por la naturaleza, la historia y cultura de la zona. A este contexto de unión con la tierra y la cultura local, se une la visión ya consciente de los artistas residentes, que provienen de Málaga, Plasencia y Córdoba. Dos semanas en las que convivirán en este complejo autosuficiente de impacto cero que regenera y revitaliza las estructuras arquitectónicas y agrícolas autóctonas.

JUSTMAD se suma a la filosofía de Ras de Terra que tiene como objetivo proporcionar una experiencia cultural a los artistas para favorecer su relación con la comunidad local, generando nuevas vías de conocimiento de lo local hacia las ciudades a través de valores culturales, ambientales y sociales. En definitiva, buscar la regeneración y sostenibilidad en especial armonía con los artesanos y productores locales.

Arte y respeto por la naturaleza

Ras de Terra presta especial atención a su vínculo con el arte y el respeto a la naturaleza desde la primera intervención arquitectónica que les condujo a la rehabilitación de uno de los secaderos de La Vera catalogado como patrimonio paisajístico español y sede de esta residencia. Para los residentes supone una experiencia vital y personal que les da además la oportunidad de trabajar e investigar, a la vez que les permite sumergirse en la comunidad local y disfrutar de su gastronomía en una integración real.

JUSTMAD ha otorgado un importante protagonismo al desarrollo de residencias artísticas con un programa que se extiende más allá de los días de la feria y en distintos puntos de la geografía. En anteriores ediciones los residentes han participado en contextos como Avilés, Genalguacil o Madrid de la mano de comisarios y artistas como Andrea Pachecho, Asier Mendizábal, Carlos Garaicoa o Eugenio Ampudia, entre otros.

Ras de Terra forma parte de la New European Bauhaus, un pacto verde europeo que abre nuevas oportunidades de diseño. La Nueva Bauhaus Europea es una iniciativa puesta en marcha por la Comisión Europea con el objetivo de redefinir nuestros modos de vida y nuestro sistema cultural y económico.

JUSTMAD con una consolidada trayectoria de catorce años presenta el arte más actual, la sostenibilidad y la ecología, como ejes imprescindibles de su programación. Óscar García García, comisario de arte y gestor cultural se estrena en la dirección de una Feria, que ya es un referente del que nacen los nuevos talentos artísticos del futuro.

La 7ª Edicion de UVNT Art Fair, la más internacional

Written by: Victoria Arribas Roldán • 19 enero, 2023

UVNT Art Fair prepara su séptima edición para los días 23-26 de febrero y lo hace con aire internacional. Así, de las 34 galerías que participan en esta edición, casi la mitad vienen de Hong Kong, Caracas, Londres, Frankfurt o Ámsterdam y dieciséis de ellas acuden por primera vez a la feria.

Cuatro días en los que podremos disfrutar del trabajo de más de 150 artistas emergentes y de media carrera, predominando aquellos que trabajan en lo que los críticos han denominado, “Nuevo Arte Contemporáneo”.

Durante estos años, UVNT se ha atrevido con nuevos lenguajes acogiendo a artistas muy valorados y buscados en el mercado internacional, ayudando a poner en el foco desde sus inicios a artistas como Ana Barriga, Marria Pratts, Ela Fidalgo, Filip Custic.

En esta edición, se presenta el trabajo de artistas que están sonando muy fuerte en la escena contemporánea internacional, como Larissa de Jesús, Miju Lee, Magda Kirk, Francisco Mendes Moreira, Takeru Amano, Theo Mercier, Austyn Taylor, Ornella Pocetti o Erkut Terliksiz.

_{Afa Annfa. The Presentation, 2022. JPS Gallery}

GALERÍAS PARTICIPANTES

La sede del COAM acogerá la participación de 34 galerías; Quince son internacionales: Aout Gallery (Beirut), BlueyBluey (Londres), C+N Gallery CANEPANERI (Milán/ Génova), Cerquone Gallery (Caracas/Madrid), Cohle Gallery (París/ Menorca), Galerie Heike Strelow (Frankfurt), Golden Hands Gallery (Hamburgo), JPS Gallery (Hong Kong/Tokyo/París/Barcelona), LAGE EGAL Curatorial Projects (Berlín), Lariot Collective (Londres), Mobius Gallery (Bucarest), Moosey (Londres/Norwich), Pictorum Gallery (Londres), The Curators Room (Amsterdam/Barcelona) y Zawahra Alejandro (Puerto Rico).

La participación nacional cuenta con los espacios: Alzueta Gallery (Madrid), Arniches 26 (Madrid), Di Gallery (Sevilla), Gabinete de Dibujos (Valencia), Galería Herrero de Tejada (Madrid), Galería Llamazares (Gijón), Galería Trinta (Santiago de Compostela), Galería Yusto/Giner (Madrid/Marbella), Gallery RED (Palma de Mallorca), Gärna Art Gallery (Madrid), La Bibi Gallery (Palma de Mallorca), La Causa Art Gallery (Madrid), La Gran (Madrid) + Espacio Líquido (Gijón), Plataforma2 (Barcelona), My Name’s Lolita Art (Madrid), Renace Contemporary Art (Jaén), Swinton Gallery (Madrid), Victor Lope Arte Contemporáneo (Barcelona) y Wadström Tönnheim Gallery Art (Marbella).

UVNT cuenta también con una sección dedicada a las Young Galleries, galerías jóvenes que se están haciendo un hueco en el mercado y se enfocan en el descubrimiento y promoción de artistas jóvenes. Este año participarán LAGE EGAL Curatorial Projects (Berlín), Di Gallery (Sevilla), Gabinete de Dibujos (Valencia) y Plataforma2 (Barcelona).

_{Sydnie Jimenez. Artwork, 2022. Moosey}

UVNT Mahou Talks

UVNT Mahou Talks acogerá charlas, encuentros y activaciones artísticas en un espacio diseñado para la ocasión por los estudios de arquitectura Palma + NULA.STUDIO que se han fusionado para dar forma a un espacio en el que explorar los límites de la realidad y de la ficción material. Su propuesta conjunta, Fake Realness, es una instalación que investiga la creación de nuevos materiales y revaloriza los elementos que reflejan una evolución tecnológica que cuestiona los límites de la ficción material.

PROGRAMA DE ARTE PÚBLICO

El Programa de Arte Público, gracias al patrocinio de Las Rozas Village, convierte los espacios y las calles de la capital en un museo al aire libre con el objetivo de poner en valor el Nuevo Arte Contemporáneo. Esta iniciativa pretende acercar el arte a los ciudadanos mediante la intervención de espacios públicos con el objetivo de crear un diálogo y vínculo artístico más próximo. Podrán disfrutarse durante todo el mes de febrero.

El recorrido por las obras de arte público lo completan dos zonas. Una de ellas estará en Madrid centro con el programa de esculturas que podrán visitarse del 13 al 26 de febrero. En esta edición participarán: Yann Leto (Yusto/Giner) en Alcalá con Gran Vía, Albert Pinya (Gärna Gallery) en la Red de San Luis (Montera con Gran Vía) y Avelino Sala (Galería Llamazares) en Callao. Además, el colectivo Coolshit intervendrá el patio del COAM durante los días de la feria.

Por segundo año consecutivo, Las Rozas Village se une a UVNT Art Fair completando el eje artístico más allá del centro de la ciudad, transformando el espacio en una galería de arte al aire libre. Durante todo el mes de febrero, siete artistas crearán obras site-specific interviniendo fachadas y la Glass House con murales, cerámicas, arte digital, obras textiles, florales… Los artistas serán Gema Polanco, Kokon Design, Casa Antillón, Cachete Jack, Aka Corleone y Paula Valdeón.

TAXÓN DE TAILOR – Juan Díaz-Faes

Written by: Ricardo Recuero • 19 enero, 2023

Inmersos en la preparación de su nueva muestra, prevista para el próximo mes de marzo, la Colección Solo, presenta de la mano de la galería Vlab, el trabajo reciente de uno de los artistas más representativos de cuya obra cuentan sus fondos: Juan Díaz-Faes.

Tras sus recientes intervenciones murales en Madrid y Seúl, Taxón de Tailor, recoge veintinueve piezas realizadas a lo largo de estos dos últimos años, selección marcada por un deseo de búsqueda y una voluntad de experimentación. Fiel a su estilo, siempre ecléctico y sin prejuicios, el universo Faes se expande formal y procesualmente explorando nuevas posibilidades, formatos, materiales y soportes.

Desde un punto de vista iconográfico el recorrido polimórfico de Díaz-Faes reinterpreta libremente los modos tradicionales del Lowbrow Art, del cual mantiene más allá de su esencia, el posicionamiento a la hora del qué y el cómo narrar a través del arte. Los ecos de Robert Williams, Todd Schorr y hasta de Murakami, a la hora de generar patrones repetitivos y elaborar personajes con una iconicidad autónoma, se deslizan hacia el Tag o el Dirty, dinamitando los límites entre la figuración y la abstracción. La limpieza visual y la pureza de líneas, de inspiración geométrica, adquieren desde la base un carácter estructural.

Del cajón de sastre personal, espacio heterótopo, lugar de espera y potencialidad, emergen un sinfín de rutas inesperadas. En este contenedor mental de creación se impone cenitalmente la búsqueda de la diferencia; el encuentro con aquellas características o cualidades especificas de cada pieza que permiten segregar las unas de las otras, prevaleciendo sobre la evidencia de lo común y que determina la noción de diversidad como un elemento discursivo y aglutinante.

En contra del debate, relativo a la división de las artes desde una perspectiva jerárquica y calificativa, que aunque ya agotado parece querer perpetuarse desde los sectores más heterónomos, el artista consigue cimentar la idea, más contemporánea y adecuada a los tiempos actuales, del ARTE, con mayúsculas, como taxón primario.

De algún modo continuamos anclados en la concepción establecida en el SXVII sobre la idea de las Bellas Artes, concepto que por otra parte se viene debatiendo desde la antigüedad y que tiende a compartimentar y limitar la expresión artística en si, además de promover la emisión de un juicio de valor respecto a su efectividad. El debate sobre la diferenciación entre Alta/baja Cultura también es antiguo; ya existía una división entre las artes liberales y las artes mecánicas, contexto en el que precisamente la pintura, era considerada como un arte menor dado que implicaba mancharse las manos con el pigmento y el pincel en su ejecución.

En realidad tan solo se trata de una cuestión de perspectiva. La elección de la disciplina, el motivo o el tema de una pieza artística, no debería inferir en su valoración. Como entidad contemporánea cada artista puede centrar su interés en la figura de un personaje propio, inventado, proveniente del cómic o el cine, en lugar de seleccionar la imagen del noble, la personalidad relevante o la deidad de turno a la hora de realizar un retrato. Los valores a tener en cuenta deben focalizarse hacia la ejecución, el proceso, el discurso que emite, la reacción y reflexión que provoca, son otro tipo de cuestiones las que entran en juego. Las cualidades diferenciadoras de soporte o contexto, que junto a otras más específicas, conforman el núcleo de esta exposición, no deberían incidir en la legitimidad de ningún tipo de manifestación o expresión plástica o artística. El soporte, la técnica, los materiales, la esfera (pública/privada), pasarían a formar categorías taxonómicas conformando una estructura no jerárquica sino mas bien en forma de red.

En un ejercicio de equilibrismo semántico, la homofonía sugerida entre tailor (sastre) y Taylor -referido al economista Frederick Winston Taylor (1856-1915) – nos traslada a lo que desde mi punto de vista, configura una de las claves que vertebra toda la obra de Díaz-Faes: el valor de lo lúdico.

>En las postrimerías del siglo veinte el Taylorismo redefinía los cánones en la división de la organización del trabajo, tratando de establecer un método de organización industrial encaminado a optimizar y aumentar la producción. El control y la fragmentación de cada uno de los parámetros de la recién inaugurada cadena de montaje y especialmente del tiempo, destruía el anterior ritmo autónomo del trabajador y de algún modo acababa con la esencia de los antiguos oficios y la artesanía. A Systematic Vagrancy (Holganza Obrera Generalizada). En este sentido los patrones de inspiración industrial, procesos que el artista conoce de primera mano debido a su formación y experiencia en el campo del diseño, colisionan con el trabajo manual, el del artista, desde la humildad y la veracidad del artesano.

La cronobiopolítica de Dana Luciano y Foucault, nos previene de los peligros del dominio del tiempo como herramienta de control de los cuerpos individuales, encaminándolos hacia la máxima productividad. Las piezas infográficas, que inscriben a sus característicos personajes de carita triste o sonriente en un bucle temporal, nos hablan de la necesidad de escapar de la alienación para alcanzar la felicidad. La diversión puede ser revolucionaria.

Cada una de las piezas que aborda el artista, inspiran el tiempo del juego como herramienta de emancipación, desde un espíritu infantil, que no pueril, sus entramados y laberintos ponen en valor la importancia de la fractura del principio de rendimiento y de lo lúdico como el lugar del verdadero bienestar, de la alegría, de la emancipación y de la libertad.

TAXÓN DE TAILOR – Juan Díaz-Faes
Fechas: Hasta el 28 de enero de 2023
Lugar: Vlab Gallery, Madrid

Cecilia Granara Guerrière. 2022. Badr El Jundi

“MOTHERS” en Badr El Jundi

Written by: Redacción • 19 enero, 2023

La galería Badr El Jundi presenta “MOTHERS”, la nueva exposición colectiva, comisariada por Elisa Rigoulet, en su espacio de Madrid.

Las seis mujeres que dan forma a la muestra “MOTHERS” son Bea Bonafini, Marie Boyer, Bel Fullana, Cecilia Granara, Emma Passera y Camille Soualem.

_{Bel Fullana, Virgo 333. 2022. Badr El Jundi}

La exposición MOTHERS es una narrativa de las representaciones de mujeres realizadas por mujeres. Ante todo, es una historia sobre sus relaciones. En el concepto de madres, está la idea de clan, de comunidad. También está la idea del cuidado al otro, en un principio de verticalidad en movimiento que implica que cada uno de los individuos, protegidos, un día, protegerá también a su vez.

Artistas: Bea Bonafini, Marie Boyer, Bel Fullana, Cecilia Granara, Emma Passera, Camille Soualem
Comisaria: Elisa Rigoulet
Fechas: Del 14 de enero al 4 de marzo de 2023
Lugar: Badr El Jundi, Madrid