Yanelis Mora será una de las artistas del proyecto AQUÍ, que inauguraremos en el estudio del reconocido artista cubano Dagoberto Rodríguez, coincidiendo con ARCO y la semana del arte en Madrid. Pero no es solo este el motivo por el que le dedico una entrada en mi columna de PAC; sino, y más importante, porque estimo que ha consolidado un crédito de prestigio en la escena feminista del arte contemporáneo con una celeridad y una audacia envidiables.
Si tuviera que resumir en una frase el carácter de su obra, sin duda, sería esta: un mapa con otros sentidos. Venida del mundo de las Artes Escénicas cuenta con la habilidad suficiente para organizar un discurso y dispensar un horizonte de emergencias morfológicas que responden a este. Yanelis elabora, con pasión y delicadeza consumada, una suigéneris cartografía en la que -pienso- intenta hacer “compatible” sus ilusiones utópicas con la realidad del desgaste y de la ruina. Sus piezas apelan a todo tipo de patrón y al sentido lapso (y preciso) de la geometría, en tanto referencias que le permiten la fundación personal, íntima e intransferible de extraños escenarios afectados por la regencia del cuerpo fractal. Observo con atención estos accidentes y advierto en ellos una voluntad de decir que no descubre del todo la autoridad poética, pero que fuerzan por colocarse en un espacio de significación a todas luces atendible. Hablamos de piezas muy atractivas que, vistas desde el propio relato de la historia del arte cubano, bien podría discutir su lugar en el contexto de esa genealogía que presta atención a las derivaciones y embestidas de la abstracción geométrica. Esto último sin desatender jamás que esta propuesta asume la porosidad ambivalente del signo estético y del hacer en arte más allá de su abdicación frente a todo tipo de escuela, movimiento o estilo.
Creo, sin temor a equivocarme, que el trabajo de Yanelis nace de una necesidad horizontal, entendiendo esto como una respuesta afectiva, honesta y libre a su condición y lugar en el mundo.
En esta oportunidad, y priorizando el enfoque coral, contamos con textos de las críticas y curadoras Ana Gabriela Ballate Benavides, Yadira de Armas Rodríguez, Luis Enrique Padrón y fragmentos de una potente entrevista que realizara a la artista la también curadora y crítica de arte cubana, residente en Miami, Claudia Taboada Churchman. Entre todas estas voces se orquesta una exégesis que certifica la expansión y hondura de los mapas de esta increíble artista.
Pasen y lean.
I
Yanelis Mora, por su parte, evoca esos “paisajes del alma” a partir de referentes reales. Empleando como lenguaje expresivo la técnica del foundation paper piecing, la artista ordena -cual oficio ancestral llevado a la contemporaneidad con la sutileza y perfeccionismo de quien confecciona un reservorio de memorias propias y colectivas-, el trazado cartográfico, a vista de pájaro, e incluso frontal, de diferentes paisajes. Y es que el mapa, como registro, no solo constituye para Yanelis ese hipertexto cual gramática universal a la hora de trazar camino. Es también la oportunidad de accionar con el material para dejar su huella en un proceso -el relacionado con lo textil- que habla de la mujer desde la antigüedad, en su relación con lo doméstico, lo manual y con lo artístico. Sus más recientes trabajos parten de esa búsqueda de espacios, que la artista asume constantemente.
Inspirada en los paisajes de Castilla y León, “Siena” se convierte en una de las series más autobiográficas de esta creadora. En la total alusión que realiza, tanto al nombre de su hija como a la paleta de colores que emplea, Yanelis Mora descompone cada fragmento para hilvanar la memoria no sólo de estos espacios, sino también la suya propia. Con un lenguaje cercano al diseño, desarrolla un vocabulario abstracto, donde de manera geométrica genera composiciones cromáticas contenidas en la tela como soporte, plano de color y/o materia pictórica que va conformando su obra.
Ana Gabriela Ballate Benavides y Yadira de Armas Rodríguez.
Críticas de arte y curadoras independientes.
II
El trabajo de Yanelis es una alegoría sobre la ansiedad del hombre contemporáneo. El mapa, con su perspectiva a Vista de pájaro, es su motivo fundamental. Juega desde el cielo a imaginar jardines, un caos pleno e incontrolable. Sus complejos entramados de formas en otra época hubieran sido analizados como abstracciones. Hoy, por el contrario, son piezas de gran realismo. ¿No son acaso paisajes de la superficie del mundo? Aparentemente ha eliminado en ellos el horizonte. Nada más lejos de lo cierto: ha desarmado la línea que convencionalmente hemos usado para imaginarlo; abriéndolo ante nuestros ojos, lo ha transformado, de trinchera en valle.
El punto de partida de su poética es el trabajo con Foundation Paper Piecing. Actualmente el proceso de trabajo se muestra tan sugerente como la obra terminada. El material más importante para ella ha sido siempre la tela. Por lo que sus imágenes gozan de una apariencia extraña, camaleónica y especialmente orgánica. Desde pequeña se había interesado en las artes de la costura. Cuando comenzó sus estudios de actuación encontró una oportunidad de desarrollar esta afición. Entonces se implicó en el diseño de vestuarios, lo que le permitió enriquecer sus caracterizaciones dramáticas. De alguna manera, los personajes que ha encarnado son un objeto de arte en sí mismos, y su secreta manera de hacer teatro, una forma de trascender las limitaciones tradicionales de ese medio. Estamos hablando, en toda regla, de una artista transdisciplinaria.
Pensemos, por ejemplo, en el caso de sus fabulosas mascarillas. Se advierte un vínculo con los legendarios vitrales de Amelia Peláez, las cartas celestes y los “tableros” de Dolores (Loló) Soldevilla, las estructuras ensambladas de Sandú Darié, y los irresistibles volúmenes de Zilia Sánchez. En lo aparente saltan a la vista colores exacerbados, intolerancia a la oscuridad y obsesión por lo matérico. Mientras, de fondo se advierte un vínculo más fuerte, de tipo conceptual. La comunión en la necesidad de una gramática de alcance universal, contemporánea, que sea capaz de conectar la tradición visual nativa con todos los imaginarios del mundo. En efecto, las mascarillas portan una fuerza cosmogónica; son una escabrosa y aventurada incursión al vórtice de la cultura global. Algo igual de interesante ocurre si fijamos el análisis en la manera en que la artista aborda la geometría. Hay una intensa relación entre su perspectiva y la de figuras como Sophie Taeuber- Arp, Matilde Pérez o Lygia Clark. Desarma lo plano, lo simétrico, lo inerte, acorde a una abstracción optimista, convulsa, séptica; ajena a toda legislación matemática o racional. Pues, como dijera Carmen Herrera, la geometría no es sino la estructura de la poesía. Una visión así, contraria al romance de la forma plástica; que busca constantemente trazar analogías con el impulso de la vida; es profundamente naturalista. Por eso no ha de extrañarnos que el título de su primera exposición personal sea Polen y que el centro articulador de su discurso sea una tragedia orgánica.
Luis Enrique Padrón / crítico de arte y curador / Estudio Mala Fama.
III
Mis motivaciones para crear son diversas, pero hay puntos muy evidentes como por ejemplo mi relación directa con las artes visuales durante 13 años por estar casada con un artista de la plástica cubana que ya todos conocen. Por otro lado, el trabajo en el teatro con las luces, el espacio, los objetos, los sonidos y las formas, es la base fundamental que da origen a este proceso creativo que vengo desarrollando hace alrededor de 4 años, y que estoy convencida que, consciente o inconscientemente, será el sustento central de mi inspiración para series y piezas futuras.
A pesar de saber que era capaz de construir vestuarios, títeres, o bien, elementos escenográficos que aprendí con la actuación, solía decir una y otra vez: “Nunca podré hacer otra cosa en mi vida que no sea actuar”. En el año 2017, por segunda vez en New York, me encontré algún tiempo en un panorama que carecía de ese universo actoral al que estaba acostumbrada. La primera vez la pasé bastante mal, yo diría que fatal; no así la segunda, cuando mi sentido de supervivencia puso a prueba aquel ‘leitmotiv’ y despertó en mí otra manera de hacer, de crear, de sentirme casi igual de plena que en el teatro. Me reuní con dos amigas, una de ellas diseñadora gráfica y comencé haciendo una prueba, llevando sus dibujos al textil. Lo que no imaginaba era que aquello no era más que un avance… En el año 2019 vinimos mi esposo y yo a residir a Madrid, ya para ese momento traía en mente llegar aquí y continuar con los textiles que había iniciado en New York, pero en esta ocasión con otro enfoque y explorando nuevas ideas. Sabía que esa tendencia que tengo a la desubicación podría aparecer en cualquier momento y pretender colocar en mí algún descontrol emotivo, pero increíblemente la inspiración y el trabajo diario fueron más fuertes que cualquier sentimiento negativo que pudo aflorar. Hoy me queda claro que de los peores momentos salen las mayores enseñanzas.
Mis mapas son el consuelo en gran medida a fragmentos de mis miedos. Esos miedos que son parte de mi vida y probablemente también de vidas pasadas. Alguien me dijo un día: “Tú no debes dejar nunca de actuar, así tengas 80 años o más, no lo hagas, porque dentro de ti vive un monstruo que sale a respirar cuando te subes a escena”. Y yo creo que estos mapas que luego transformo en jardines, me ayudan también en gran medida a sacar y a liberarme de esa parte de mí que tanto amo pero que tan difícil se me hace sobrellevar en ocasiones. Mis mapas no solo pretenden hablar de ubicación o de encontrar un rumbo, también cuentan historias de amor, de alegrías, de creencias, de familia, de niñez y juventud, de esfuerzos, de ahogos y de luz. Cada vez que comienzo uno es como enfrentarme a un ser al que miro de frente, fijo y muy de cerca, sin pestañear ni un segundo y una vez que lo termino es como si hubiera dejado atrás un gran peso, y de pronto aquello se transforma en ese paisaje, en algo bello para mí, un aliento de paz.
>Aquí llegas a experimentar el aquí y el ahora que tanto nos cuesta en la vida real. Bueno, pues una improvisación es lo más parecido al proceso que estoy llevando ahora mismo. Y te puedo decir que con el tiempo he aprendido que querer explicar o explicarnos el por qué sucede o de dónde viene el resultado de la obra, casi siempre pierde la espontaneidad, la frescura y la sinceridad que trae implícito. Pero hasta donde sé la abstracción es una representación de lo esencial de los fenómenos y las cosas. Ella es capaz de hablarnos de lo que la figuración muchas veces no logra comunicarnos y particularmente para mí es una elevada síntesis de la pureza de lo más profundo de la consciencia y el espíritu. No obstante, la respuesta a tu pregunta puede estar en el hecho de vivir rodeada de Artistas durante años como son: Mi abuelo, mi esposo, o de amigos como Michel Pérez (el Pollo) Osvaldo Gonzales, José Eduardo Yake con sus pinturas, sólo por mencionar algunos, más todo el background adquirido durante años cada vez que visito museos o exposiciones con Campins. Otros artistas que me motivan son Bernhard Lang, Rosario Belda, Lygia Clark, Carmen Herrera, Sandu Darie, Lygia Pape, Hormazd Narielwalla y por supuesto Mondrian. Por otro lado, está el teatro, que hasta cierto punto es una abstracción de la realidad desde el momento justo en el que tu logras transformar en escena un objeto y convertirlo en todo lo que tú seas capaz de visualizar en él, Ejemplo: Una Maleta en una cama, en un mueble, en una mesa, en una tarima, en un barco…
Aprendí a utilizar una antigua máquina de coser Singer a los diez años y poco a poco aquello se volvió un disfrute enorme para mí. Rompí y transforme cuanta ropa podía y muchas veces parte de las prendas que usaba y uso me las arreglo o hago. Al cabo de los años esto me sirvió durante la carrera de actuación. Ya sabemos que en Cuba por la escasez un actor muchas veces se convierte en su propio diseñador de vestuario, y hasta de escenografía, cosa que adoré desde el primer momento. Aquello me fue dando una destreza con las manos y la imaginación que hicieron de mí un ser sumamente creativo. La textura en la tela tiene un encanto y una riqueza que me permiten trasmitir incluso más de lo que me propongo con estas piezas. El patchwork es un Arte milenario donde predomina el trabajo riguroso con los textiles, es una labor muy exquisita de detalle y de mucha paciencia. Yo no suelo ser perfeccionista y tampoco paciente, sin embargo, cuando realizo estos trabajos se rompen todos los esquemas. En el caso del método Foundation Paper Piecing fué todo un suceso cuando lo encontré, sucedió por casualidad un día viendo imágenes de obras en un festival de quilt que se realiza anualmente en Birmingham Inglaterra, la manera en la que estaban cosidas aquella piezas eran de un nivel de precisión, de perfección y de complejidad que no podía descifrar, lo cual captó toda mi atención y no paré hasta lograr entender durante par de meses después la intrincada madeja que hay detrás de los patrones que acompañan este tipo de obras. Mi inglés no es bueno, pero eso no fue un impedimento para ir traduciendo poco a poco el único libro que hallé y que me orientó para hacer mis propios dibujos en base a esta técnica hasta convertirlos luego en esos mapas de los que hemos estado hablando. Fue toda una odisea, pero ahora mismo esto me da una confianza enorme en los próximos trabajos que quiero hacer y me hace sentir súper feliz.
Extracto de una entrevista que sostuvo la artista con la crítica y curadora
cubana Claudia Taboada Churchman, quien en la actualidad ejerce como
curadora en Pan American Art Projects, Miami.
