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Flux Cored, de Sahatsa Jauregi en Contextos desde una colección

Written by: Redacción • 15 abril, 2023

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, acoge la exposición Flux Cored, de Sahatsa Jauregi. La propuesta se integra en el programa Contextos desde una colección, con el que el museo da a conocer obras que recientemente han entrado a formar parte de sus fondos en conjunto con otras piezas de la misma autora.

Flux Cored se compone de ensamblajes que reúnen siluetas de partes del cuerpo hechas de chapas de metal recortadas que a menudo se estiran o se sostienen gracias a elementos textiles. Su composición es producto de una temporalidad específica y la posibilidad de transformación está siempre latente en las obras. En ellas se manifiesta el interés de la artista por los cuerpos formados por diferentes tecnologías; prostéticos, musculados, decorados, a veces excesivos. Partiendo a menudo de la fotografía, las “esculturas llanas” de Jauregi expresan el deseo de crear y materializar situaciones que le resultan estimulantes.

Sahatsa Jauregi

Sahatsa Jauregi es profesora docente en la Facultad de BBAA de la Universidad de País Vasco y ha sido miembro del espacio independiente Okela durante los años 2017-2022. Entre sus exposiciones individuales y colectivas se cuentan las desarrolladas en espacios como The Ryder (Madrid, 2022), Aparador Monteleón (Madrid, 2022), Galería The Goma (Madrid, 2022), Azkuna Zentroa (Bilbao), Artiatx (Bilbao, 2021), Tabakalera (Donostia-San Sebastián 2021), Galería Fran Reus (Palma de Mallorca, 2021), Palacio Horcasitas (Balmaseda, 2021), Halfhouse (Barcelona, 2019), Swamp Horses (Espinavessa, 2019) o Carreras Múgica (Bilbao, 2016). Su trabajo ha sido reconocido con premios como el Programa de Artistas Noveles de Guipúzcoa 2013, el Primer Premio Ertibil 2017, el Premio Gure Artea 2019 y el Premio ARCO Comunidad de Madrid. Asimismo ha realizado residencias en Tabakalera (Donostia-San Sebastián, 2019), Halfhouse (Barcelona, 2019), Fundación Bilbaoarte (Bilbao, 2016) o Pacific Film Archive (Berkeley 2012).

Contextos desde una colección

Contextos desde una colección es un programa de exposiciones cuyo objeto es dar a conocer la producción de artistas que recientemente han entrado a formar parte de los fondos de Artium Museoa. Esta propuesta se suma a otras iniciativas que tienen como finalidad dar a conocer la Colección Artium Museoa, un excepcional fondo contemporáneo de carácter público integrado por casi 2.800 obras de arte. En este marco, la incorporación de obras, documentos y archivos a los fondos museográficos contribuye a explorar y a dar cuenta de los debates y las prácticas que se están desarrollando en el campo del arte en el momento presente. Esta es, sin duda, una de las funciones fundamentales del museo: fomentar la producción de patrimonio contemporáneo e impulsar a los y las artistas y sus producciones.

El programa de adquisiciones del museo contribuye a este objetivo, y es además una herramienta indispensable para tomar el pulso a un momento caracterizado por su dinamismo y su complejidad. Esta iniciativa pretende funcionar como un lugar de encuentro entre públicos y prácticas artísticas desde el que elaborar nuevas estrategias para mirar y tratar de aprehender el presente.

El de Sahatsa Jauregi es el más reciente proyecto de Contextos desde una colección, programa en el que han participado también artistas como Ion Munduate, Daniel Llaría, Nadia Barkate y Lorea Alfaro.

Comisariado: Catalina Lozano
Fecha: Hasta el 3 de septiembre de 2023
Lugar: Artium, Vitoria-Gasteiz- Araba

Entrevista a Abel Carrillo

Written by: José Luis Martínez Meseguer • 14 abril, 2023

Abel Carrillo (Murcia, 1992). Vive y trabaja en Madrid. Artista visual, diseñador gráfico, director de arte. Collage. Pintura digital. El arte como potente herramienta de denuncia social. Sus proyectos confluyen, en la tolerancia y en la libertad, contra la LGTBIfobia, el racismo y las injusticias en general.

PAC – Te proyectas desde Madrid. ¿Te hubiera gustado cambiar de lugar y hacerlo desde allí?

Abel Carrillo – Vivo en Madrid desde hace siete años y he desarrollado toda mi vida laboral y artística desde aquí. Antes vivía en Murcia, de donde soy. En aquel entonces sí que me rondaba la idea de trasladarme a una gran ciudad para buscar oportunidades y los destinos que barajé eran la capital y Barcelona. Pero la casuística me condujo a Madrid. Nada más finalizar mis estudios me ofrecieron un empleo. Desde entonces, por razones personales y profesionales, tengo claro que es aquí donde quiero estar. Por supuesto, siempre me atraerán destinos tan ricos culturalmente como Berlín, que me encanta, pero tengo claro que Madrid es el lugar desde el cual quiero proyectarme.

PAC – ¿Crees que tu trayectoria habría sido la misma?

Abel Carrillo – Por supuesto, como artista te nutres de tu entorno. Las personas que te acompañan, los lugares que frecuentas o la cultura que consumes influyen en la percepción del mundo y en la forma de exponerlo. Yo estoy conforme con mi decisión de hacerlo desde Madrid. Es cierto que la ciudad mantiene un ritmo frenético que te arrastra y al que debes adaptarte para poder disfrutarla, pero poco a poco te asientas y descubres que está llena de oportunidades.

PAC – ¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?

Abel Carrillo – Siempre he sido muy inquieto artísticamente. Lo que me empuja a crear es la necesidad de expresarme, de exponer aquello que inquieta o incomoda, de trabajar en temas que son necesarios para que el mundo asuma una realidad que no quiere ver y que tiene que admitir. Suelo proponer reflexiones que desembocan en un diálogo entre la obra y el espectador, haciéndole partícipe en el tema en cuestión, guiándolo en esa aceptación que trato de forjar en muchas ocasiones, en definitiva, implicándolo.

PAC – ¿Qué ansiabas?

Abel Carrillo – Usar el arte como forma de expresión, materializando mis pensamientos, vivencias y opiniones de formas que no sabría hacer a través de cualquier otra disciplina, y construyendo mensajes universales capaces de remover a cualquiera que se plante frente a ellos con la idea de aceptarlos y de dejarse llevar.

PAC – ¿Lo encontraste?

Abel Carrillo – Paso a paso estoy en ello, haciendo que ocurra. No se trata de un hallazgo espontáneo que se alcance sin más, si no de una meta creciente que hay que alimentar mediante pequeños logros. Cada obra, cada exposición y cada propuesta artística suponen un éxito más hacia esa meta infinita hacia la que quiero evolucionar.

PAC – ¿Qué crees que puede mejorarse en el Sistema del arte?

Abel Carrillo – El respeto entre el artista y el galerista o comprador. Existe una relación simbiótica entre ambos roles en la que uno necesita al otro, haciéndose necesario un respeto básico para mantener dicha conexión de la manera más sana posible. En muchas ocasiones, se ningunea el trabajo del artista con regateos propios de bazares o con prisas innecesarias, en otras, no se valora el del galerista. En definitiva, si ambas partes pensasen la una en la otra, mejoraría sustancialmente la situación y se equilibraría la balanza.

PAC – ¿Qué deberíamos aportar y eliminar al Sistema?

Abel Carrillo – Debería apostarse por nuevos talentos con más facilidad y menos prejuicios. Es necesario dar voz tanto a jóvenes como a personas veteranas que, quizá, entraron tarde en el mundillo o, quizá, nunca han tenido la oportunidad de visibilizarse. El arte no reside en la edad.

Debería eliminarse la banalidad que lo envuelve. En su día, el arte se convirtió en un negocio más que degradó las obras de muchos artistas a meros productos comerciales, con el único objetivo de ser vendidas a usuarios que las encuentran lo suficientemente bonitas como para exponerlas en sus salones. En la actualidad, las redes sociales han terminado por alienar este arte, tantos a los artistas como a sus obras. Lo importante es el número de seguidores y de likes, convirtiéndose muchos de ellos en marionetas de las publicaciones y sus obras en algo insípido que no aporta absolutamente nada trascendental. Me gustaría que el arte no se prostituyera en pos de los parámetros sociales que marcan las redes, que el artista se mantuviese fiel a sí mismo y que los mensajes expuestos fueran realmente importantes.

PAC – Asociacionismo profesional ¿qué opinas?

Abel Carrillo – No puedo opinar sobre este tema, no estoy demasiado informado ni pertenezco a ninguna asociación de artistas. En general, creo que es necesario aunar fuerzas para lograr una meta en común. Al final, la unión hace la fuerza y juntos se hace más ruido.

PAC – Háblanos un poco de tu trayectoria.

Abel Carrillo – Siempre he sido una persona muy inquieta. En el instituto me gustaban tantas cosas que no tenía claro lo que quería estudiar al finalizarlo, pero mi madre me guio hacia mis estudios en diseño. Durante esta etapa comencé a hacer mis primeras obras digitales y collages, que culminaron en un libro experimental como trabajo fin de grado y en mi primera exposición conjunta, desarrollada en Barcelona (Art Is Love).

Después me fui a Madrid, a raíz de una oferta de empleo en un estudio de diseño. Más tarde comencé a trabajar en Equipo SOPA, donde desarrollé proyectos como Arde Madrid, La peste, Justo antes de Cristo, Vida perfecta o La unidad, entre otras series de Movistar+; también trabajé en películas como Tiempo después (Cuerda), Kiki El amor se hace (Paco León) o Cantábrico (WandaFilms). Allí también llevé a cabo otros proyectos como el rebranding de la marca internacional Audiense (anteriormente SocialBro) y de otras marcas singulares como el Centro Dramático Nacional, Agua Número 9, _ivoro, Lama la uva…

Artísticamente me centré por completo en el collage y en la pintura digital, y tuve la oportunidad de exponer en diversos espacios. Como parte de Inlabrucfest, presenté El germen natural en Espacio Labruc, donde desarrollé temas como los ideales, la tradición, las apariencias, el sexo y el proceso de descubrirlo. También formé parte de Hybrid Festival durante tres ediciones. En Jaca Madrid traté el racismo con Yo soy español, español, español. Y, por último, mi proyecto más personal, Asfixia, expuesto en Matraca Gallery y en La Pecera.

Tras todo este ajetreo, la vida y sus cambios me frenaron hasta hace unos meses, cuando lo retomé con fuerza. El primer proyecto de esta etapa fue Masculinidad incompleta en Paisaje Doméstico, tratando la nueva masculinidad. Después llegó Cicatrices como parte de la exposición Ave y Eva, que hablar sobre el género trans y no binario, en Canal Gallery junto a Ineditad. Y lo más reciente ha sido La descamación de Marcelino en Lío, una colaboración con Ornamante. Doblete en la semana del arte con La indomable en Paisaje doméstico y en la Feria Hybrid con Visibilizar para normalizar de la mano de Ineditad.

Actualmente, en el plano laboral, formo parte de TBS (Telefónica), donde desarrollo trabajos como Modelo 77 o Locomía; mientras que en el plano artístico colaboro con la galería Ineditad, con la que me siento muy cómodo y en la que sé que puedo confiar.

PAC – Defínete mediante hashtags o etiquetas.

Abel Carrillo – Definirse a uno mismo es horroroso, así que le he puesto deberes a la personas de mi alrededor. Aquí está el resultado:

#BeyonceBe #Luchador #PobrePeroAventurero #Inquieto #Entusiasta #Sensible #SOSMarMenor #Comprometido #Gruñon #Creativo #ChicoWakeUp #QuieroPlaya #QuéAtrevida #Honesto #MagoArdiente #Risueño #Atento #ColorQueInspiraInviernos #Elegante #Ingenioso #Clean #DivaSeNace #Señora #EstrujaLimones #Sandunguera #Reivindicativo #MuyVirgo #Contrastes #Controvertido #Existencial #QueerArt #AmigoVitamina #PersonaFaro #NosSentamosYLoSolucionamosJuntos #BienDePlantas #MuyDeLosSuyos #ArcosMuchosArcos #Versátil #Camaleónico #Disruptivo

PAC – ¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

Abel Carrillo – Los temas que trato son muchos, pero todos confluyen en la tolerancia y en la libertad. Siempre he defendido que el arte puede ser una herramienta de denuncia social muy potente. En concreto, mis últimos proyectos tratan de la LGTBIfobia, el racismo y las injusticias en general.

PAC – ¿Algún proyecto, pendiente, que te gustaría realizar?

Abel Carrillo – Quiero comenzar a hacer pequeñas piezas sonoras que converjan en mis obras visuales.

PAC – Un deseo.

Abel Carrillo – Que nunca se apaguen los espíritus soñadores y luchadores.

Dan Flavin. Exposición escultura: escala

Escala: Escultura (1945-2000)

Written by: Redacción • 14 abril, 2023

En 1981, la Fundación Juan March presentó la exposición titulada Medio siglo de escultura (1900-1945). La presente muestra, Escala: Escultura (1945-2000), centrada en la historia de la escultura contemporánea desde la idea de escala, amplía aquella en el tiempo y en el espacio.

La escala, que no se reduce ‒nunca mejor dicho‒ al tamaño minimizado o ampliado de los objetos, ha sido y es tan crucial para el desarrollo de la escultura que se presta a presentar desde ella las prácticas escultóricas contemporáneas. Así, la muestra comienza con una reflexión sobre los efectos de la Segunda Guerra Mundial en una serie de artistas y en su concepción del espacio escultórico como refugio; acto seguido, desarrolla las distintas acepciones de la idea de escala ‒medida, progresión, proporción‒ para mostrar que esta es el dispositivo y el recurso que ha permitido el desarrollo de nuevas formas de hacer y de pensar la escultura en la segunda mitad del siglo XX.

Haciéndose eco de algunos de los cambios más relevantes surgidos en este medio ‒la expansión de su campo tradicional, con el abandono del museo y del espacio expositivo, la conexión con la instalación, la pérdida del pedestal o la cercanía a la performance‒, la muestra se expande más allá de la sala de exposiciones, ocupando otros espacios del interior del edificio, los jardines exteriores y las calles aledañas, y opera como una lente con la que mostrar cómo la escala expandió los límites de la escultura.

En la muestra podemos encontrar obras de Dan Flavin, Fiona Banner, Chris Burden, Juan Navarro Baldeweg, Luis Camnitzer, Tony Oursler, Elizabeth Wright, Dominique Gonzalez-Foerster, Miguel Palma, Guillermo Lledó, Juan Muñoz, Oswaldo Maciá.

Fechas: Hasta el 2 de julio de 2023
Lugar: Fundación Juan March, Madrid

Sebastián Gumpinger inaugura el nuevo estudio Gerhardt Braun

Written by: Redacción • 14 abril, 2023

Gerhardt Braun Gallery acaba de abrir su nuevo estudio de artistas en la Carrer de Can Sales 12 de Palma, con el artista Sebastián Gumpinger. Además del primer Art Studio en la Plaza de la Lonja 2, se incorpora este segundo espacio donde la galería invita a los artistas a pasar un tiempo para obtener nueva inspiración y trabajar en nuevas obras de arte.

Gerhardt Braun Gallery ha invitado a Sebastián Gumpinger como primer artista en trabajar en el nuevo estudio. Gumpinger nació en 1977 en Hannover, Alemania y estudió en la Academia de Bellas Artes de Múnich, donde fue un alumno destacado en la clase de Günther Förg. Gumpinger comenzó a exponer en 2013 y ahora trabaja entre Múnich y Mallorca. El material se convierte en el principal protagonista de la obra de Sebastian Gumpinger. En su serie “Cut-Outs” láminas de acero y cobre se cortan de forma manual y con diferentes herramientas. Mediante procesos posteriores con pintura acrílica de metal, la pieza parece extenderse tridimensionalmente por la sala. La obra es una mezcla de escultura de pared, cuadro, grabado, dibujo y relieve. Las obras juegan con los sentidos del espectador mediante la interacción del reflejo y la luz. La tridimensionalidad creada por el reflejo desafía al espectador a cuestionar su percepción. La línea, que es el medio creativo que ha elegido, expresa algo profundamente arraigado en el artista.

En este nuevo espacio creativo en la Carrer de Can Sales 12, donde podrá ver de primera mano cómo trabaja el artista. Simultáneamente, se abre también el NUEVO Design Studio en la Carrer de Can Sales 14, donde se presenta Pop Up con DREIKANT OG de Gerhardt Braun Gallery.

Orbes y Radicantes de Edwin Monsalve y Fredy Alzate

Written by: Redacción • 13 abril, 2023

La galería Fernando Pradilla presenta la exposición Orbes y Radicantes, un proyecto conjunto de los artistas colombianos Edwin Monsalve (Medellín, 1984) y Fredy Alzate (Marinilla, Antioquia, 1975). En las salas de la galería se reúne un conjunto de pinturas, esculturas y objetos en los que ambos artistas reflexionan en torno al lugar y las acciones del ser humano en el universo, con derivaciones a problemáticas medioambientales y socio culturales.

Orbes, de Edwin Monsalve, deviene de una mirada continua y atenta a lo que implica el concepto ‘paisaje’. Las esferas presentes en la exposición aluden a los astros y parecen arrancadas fortuitamente de geografías cotidianas; son rocas encontradas o sustraídas de entornos naturales o urbanos. Orbes conserva la tensión entre lo micro y lo macro planteada previamente en Horizonte Vertical (2019), y renueva los gestos desde prácticas derivadas del método científico, aunada a modos de ver y clasificar, que sirven para describir el origen de todo, incluidas las formas heterogéneas de la naturaleza misma. A la vez, recuerdan un diagrama del cielo nocturno, como en las fotografías polaroid, de puntos sobre el mapa de una galaxia lejana.

Aquí la conjunción de geología y astronomía relaciona cielo y tierra, y permite elevar al plano estético los objetos simples y materiales encontrados o recolectados, que trasladados al nuevo contexto gozan de validez y crean distintas topografías tipológicas. La sustracción por fricción constante de la materia remarca el gesto cíclico que conecta la forma final con su origen natural.

Por su parte, el proyecto Radicantes, de Fredy Alzate, propone un relato abierto sobre estructuras heterogéneas e interdependientes que devienen de la observación de fenómenos urbanos y de la forma en que el hombre interviene la naturaleza, por medio de una narrativa que se funda en una abstracción de las formas, pero que conserva referencias a los contextos de donde proceden los materiales. En palabras de Nicolás Bourriaud, se trata de reconocer y transitar diversos territorios, valorando la instalación de un sujeto nómada que echa sus raíces y construye nuevas significaciones en otros espacios.

Los itinerarios, producto del cruce de signos presentes en las diferentes investigaciones y proyectos creativos de Alzate, expresan situaciones precarias y contingentes, que responden a modos de habitar y a estrategias de subsistencia en las desbordadas ciudades latinoamericanas, pero también, revelan la configuración de subjetividades y hasta paradojas urbanas, en medio de las formas errantes e indisciplinadas de su desarrollo.

Fechas: Hasta el 27 de mayo de 2023.
Lugar: Galería Fernando Pradilla, Madrid

El ‘Leviatán’ de Ernesto Benítez: ¿un monstruo necesario?

Written by: Arianna Covas Alemán • 13 abril, 2023

[…] ¿Cuándo y en qué circunstancias el ejercicio de la autoridad degenera en
autoritarismo? ¿Qué nos lleva, una vez en el poder, a confundir la disciplina y
obediencia de las normas con la ciega mansedumbre? ¿Cómo se superan los
consensos para desembocar en la imposición, la exclusión, el escarnio, la
denostación del diferente y el discrepante o el repudio al disidente? ¿Sobre qué
argumentos se justifica la violencia de quienes solo pretenden aferrarse al poder? […]¹

Estos cuestionamientos, de profundo cariz ontológico, sugieren los derroteros investigativos que ha tomado la producción artística reciente de Ernesto Benítez (La Habana, 1971); quien asume el proceso creativo como potencial canalizador de sus inquietudes intelectuales.

Como artista cubano formado en la pasada generación de los ochenta e integrante en sus inicios de Arte Calle -grupo que por aquel entonces destacó en el panorama cultural cubano por su postura rebelde y contestataria ante la institución arte-, la vocación crítica está incorporada intrínsecamente a su discurso artístico; se manifiesta en él orgánicamente.

Desde la irreverencia y lo satírico enuncia Benítez sus tesis; por demás de gran densidad tropológica y sólido basamento conceptual. Son sus propuestas artísticas la punta de iceberg de todo un proceso investigativo en el que quedan interconectados saberes filosóficos, sociohistóricos y antropológicos. De manera que, acercarse a su obra supone un ejercicio intelectual en el que queda descartada cualquier ingenuidad interpretativa. No hay nada pueril y fortuito en su trabajo creativo, sino una madeja de significantes que debe el receptor devanar con perspicacia.

_{Ernesto Benítez Instalación La Morada de Leviathan}

Así puede constatarse en su más reciente propuesta expositiva desarrollada en la Isla, “La morada de Leviatán”² ; muestra personal resultado de un proceso investigativo cuyas coordenadas fueron insinuadas al inicio con las propias palabras del artista.

A partir de una única pieza instalativa de carácter efímero, conformada por decenas de bolsas de basura infladas, apiladas y registradas con un único código numérico, Benítez logra articular todo un discurso metafísico que va a la simiente del Estado -en sentido genérico-. Su aguzado ojo crítico penetra la materia de esta organización política partiendo de los postulados del filósofo inglés Thomas Hobbes recogidos en su libro Leviatán, o La materia, forma y poder de una república eclesiástica y civil (1951) -basamento conceptual de la exposición-. En este sentido, el comentario de la obra huye de localismos; trasciende cualquier aterrizaje en una experiencia político-social específica, amén de que en el proceso receptivo puedan manar ciertas analogías y reminiscencias ejemplarizantes.

_{Instalación La Morada de Leviathan (detalle)}

“La morada de Leviatán” interpreta desde la praxis artística la teoría hobbesiana que define al Estado como res publica fundada a partir de la suma de voluntades individuales que, a partir del pacto o contrato social, anulan sus particulares juicios y apetitos y confieren todo su poder y fortaleza a un hombre o asamblea de hombres. Cada bolsa de basura en el texto artístico propuesto por el autor alude así a ese sujeto gregario que, despojado de identidad, con su voluntad disciplinada y, por ende, libertad individual reducida, es condenado al anonimato. Y en este colectivismo uniforme se enfatiza su prescindibilidad. El mismo código numérico en todas las bolsas insiste en esta idea del ser anulado en el abstracto y nebuloso seno de un gran todo amorfo; un sujeto ninguneado, devaluado, neutralizado, sustituible, reciclable: un ser que ya no es…³

_{Semilla de Luz, 2000. Terracota, carbón vegetal y sal}

Ante esta metástasis identitaria el sujeto pasa a formar parte de ese engranaje mayor denominado Estado; gran Leviatán -para Hobbes necesario- que centraliza el poder. Pero, ¿hasta qué punto esta autoridad hegemónica es conveniente para la masa humana administrada, en tanto garantiza -o intenta hacerlo- su buena convivencia? ¿en qué desemboca ese poder absoluto? ¿cómo la homogenización de los individuos dentro del proceso de conformación del Estado se convierte en terreno fértil para el autoritarismo?

_{Arca de la vida, 2004-2014. Bote modificado, madera, bronce y textil}

De esa frágil línea que separa a un proyecto de Estado de un régimen totalitario, de la constitución de ese gran Leviatán, cuyos artífice y materia no son sino el hombre; de todo ello nos advierte el artista en su propuesta expositiva. La cual, al tiempo que habla del formidable poder del monstruo bíblico -devenido metáfora de estructuras políticas basadas en el orden social opresivo-, insinúa su carácter perecedero. Y es que el estado de las bolsas de basura que integran “La morada de Leviatán” ha ido cambiando desde que fuese inaugurada la muestra; estas han ido perdiendo paulatinamente el aire. Con esta especie de procesualidad, signada por el desinfle de la materia de la que compone Benítez su Leviatán, es desmantelado el carácter omnipotente de este último.

De tal suerte, este artista cubano reflexiona, poniendo el dedo en la llaga -como acostumbra a hacer-, en torno a cuestiones existenciales que atañen a todos; remueve el suelo firme bajo nuestros pies como sacudida de advertencia en medio de un mundo polarizado y cada vez más líquido⁴ . Y con esta propuesta reflexiva reafirma, además, su operatoria creativa y particular estilo mordaz y cuestionador hasta la médula.

¹ Ernesto Benítez, en nota de prensa para la exposición “La morada de Leviatán”.
² La exposición personal “La morada de Leviatán” se inauguró el 13 de enero de 2023 en la Sala Zambrano del Centro Hispanoamericano de Cultura de La Habana y estuvo abierta al público hasta el mes de febrero.
³ Ídem
⁴ Yenny Hernández Valdés. 2023. “Ernesto Benítez, regurgitador de incomodidades”, CdeCuba Art Magazine. Obtenido en http://www.cdecubaartmagazine.com

_{Sin Sutura II, 2022. Tarjetas de visita enterradas en cenizas de documentos personales, barro, algodón, nicotina, vino tinto y fuego sobre lienzo montado en panel, 30 x 90 cm}

Referencias

s.f. http://www.ernestobenitez.com

Benítez, Ernesto. 2023. «Nota de prensa exposición ´Leviathan´» 13 de Enero.
https://www.ernestobenitez.com/es/arte-contemporaneo/exposiciones/leviathan-el-poder-sin-autoridad-y-los-autoritarismos-centro-hispanoamericano-de-cultura-habana/

Bravo, Abram. 2022. «Ernesto Benítez: de todos, el más rebelde.» Hypermedia Magazine. 15 de Diciembre. https://hypermediamagazine.com/arte/artes-visuales/ernesto-benitez-de-todos-el-mas-rebelde/

Correa, Antonio. 2023. «Ernesto Benítez: exhumación del aliento.» Aica Caraibe du Sud. 12 de Enero. https://aica-sc.net/2023/01/12/ernesto-benitez-exhumacion-del-aliento/

Hernández, Yenny. 2023. «Ernesto Benítez y “La morada de Leviathan”.» Hypermedia Magazine. 8 de Febrero. https://hypermediamagazine.com/arte/artes-visuales/ernesto-benitez-y-la-morada-de-leviathan/

Hernández, Yenny. 2023. «Ernesto Benítez, regurgitador de incomodidades.» CdeCuba Art Magazine. http://cdecubaartmagazine.com/es/ernesto-benitez-artista-cubano-contemporaneo/

Hobbes, Thomas. 1951. Leviatán.

Declaración de paz. Pilar Lara, en Galería Freijo

Written by: Victoria Arribas Roldán • 13 abril, 2023

La Galería Freijo presenta por primera vez la obra de la artista Pilar Lara. Bajo el título Declaración de paz. Pilar Lara, la muestra parte de la obra realizada por la artista entre los años 1987 y 2000.

Las piezas que dan vida a la muestra tienen su punto de partida en un archivo fotográfico la Segunda Guerra Mundial, del que se mostrarán además algunos de esos documentos.

Cajas de puros, dominós, tableros de ajedrez e incluso una reja de ventana –entre otros objetos cotidianos- son manipuladas para dotarlos de nuevos significados, abriendo una reflexión en el espectador sobre las preocupaciones que atraviesan su imaginario.

Temas como la guerra, el envejecimiento, la memoria histórica y la condición femenina son interrogados a lo largo del trabajo de la artista.

Pilar Lara (1940-2006), fue una artista visual vocacional que trabajó con rigor, y recibió una formación sólida. Asistió también a talleres impartidos por artistas de corte radical como Valcárcel Medina, Concha Jerez, Jose Iges o Ian Wallace, que aportaron un tinte conceptual a su trabajo. En contraposición estaba su situación personal, más cercana al papel de la mujer tradicional dentro de una sociedad española clásica, Pilar vivió una dicotomía debatiéndose entre la vida familiar y la vida profesional en la España de los años 80 y 90 del siglo XX, en la que el mundo del arte pertenecía a los sectores más reivindicativos del momento.

La obra de Pilar Lara explora territorios relacionados con el envejecimiento, la gestión de la memoria y la condición femenina; y se apropia de diversos recursos plásticos y objetos cotidianos descontextualizados para dotarlos de nuevos significados.

Artista: Pilar Lara

Fechas: del 18 de abril al 27 de mayo de 2023

Lugar: Galería Freijo, Madrid

Pintura melancólica

Written by: Andrés Isaac Santana - La Comarca • 12 abril, 2023

La riqueza de caracterización de la pintura resulta infinita, tanto como la insolencia de los que disienten de ella. Eduardo Lozano es un amante feroz de la pintura y de la vida. Con el paso de los años ha hecho de esta última una forma de habitar el mundo, convirtiéndola en su religión personal y en un modo de afirmación que va más allá del reconocimiento mediático, de la tiranía del Like y de los trasnochados gestos vinculados a una idea restringida de éxito. Todo en Eduardo aparece salpicado de pigmentos, de manchas residuales, de eyaculaciones sospechosas que apuntan a la consumación del placer y no a su interrupción. La pintura, en su forma de apunte y de cronología irreverente, atraviesa el espacio de una existencia que ha debido incorporar el abecedario de la diáspora y hacerse con otras gramáticas de expresión. En el transcurso de este tiempo, un tiempo largo y corto, la obra de Eduardo ha madurado en esa capacidad relatora y en esa vocación reporteril.

_{Autorretrato con mascarilla © Eduardo Lozano}

Observo su pintura y pienso, de facto, en la pertinencia/urgencia del diario frente a la amnesia y el olvido. Su obra es una suerte de testimonio, de certificación, de registro vital que se fortaleza ante cualquier idea de defunción y de peregrinaje. En su hechura se condensan las voces de relatos colectivos e íntimos. Todo en ella está abocado a contar y ser contada. Eduardo ejecuta un tipo de pintura hablante. Es, si se quiere, una extensión corporal, un apéndice, una especie de cruzada contra la desidia. Las formas en las que esta se manifiesta recuerdan mucho a la tipología del cuaderno bitácora en el que se organizan los itinerarios y las ilusiones de los viajeros. Eduardo, como yo, es un eterno viajero, un invitado y un huésped. Es, en definitiva, un sujeto escindido entre el pasado y el presente, entre el lugar de origen y la geografía que le acoge. Por tanto, cuando se habla de su obra, no hablamos de una consumación de la pintura y de lo pictórico en términos estrictamente físicos, sino también en términos simbólicos y afectivos. Pintar deja de ser solo un ejercicio artístico, más o menos audaz, para traducirse en un gesto de supervivencia y en una declaración expedita.

Si algo me gusta de su pintura es esa sensación que se advierte de apunte y de nota al pie que, de cierta forma, emancipa el soporte respecto de cualquier tipo de gravedad y de tiranía. La obra fluye como el registro de acciones vulnerables, de acontecimientos que suceden en su horizonte de expectativas culturales y hasta como radiografía de sus pensamientos libres. Sospecho que Eduardo es de esos artistas a los que, contrario al exceso de retórica, le puede el contenido de la obra. Se resiste a disfrazar las cosas. Sus pinturas son en la medida en que son lo mismo que ves. No hay supremacía del engaño o de la ilusión, no hay digresiones conceptuales ni anecdóticas. El enfrentamiento a la obra no necesita de ardides ni de recurrencias venidas a menos, por lo que su interpretación pasa siempre por la corroboración de lo que ven los ojos.

Existe en ella, eso sí, una propensión al fragmento, una búsqueda afanosa de la escena que lo resume todo. En ese hallazgo se discute un poco la suerte de su pintura y el estatus de ésta. Eduardo parece ser un apasionado de la síntesis. Basta con observar todas y cada una de sus series para reconocer ese impulso hacia la reducción-contracción del relato. Sus piezas le señalan como un intérprete audaz que, sin llegar a describir la totalidad de una historia o de suprimir algunas de sus partes, consigue otorgar significado al episodio convertido en pretexto de la narración. La realidad ajena al lienzo es desgajada en el conjunto de sus elementos constitutivos. De ahí que la representación última goza de esa capacidad concluyente. Lozano se encomienda a la pintura revelando (desvelando) una confianza ciega en ella. La obra abandona así su vanidad para centrarse en la honestidad. A la condición indigente del ego, el artista opone el valor de la humildad como acto de restitución y de emancipación.

En un hermoso texto de hace algunos años, el artista y teórico del arte cubano Antonio Eligio (Tonel), escribía que “estas obras no reclaman alabanza, no procuran admiración: la sensibilidad que las inspira, agradecida en su melancolía, solo requiere en pago gratitud”. No podría estar más de acuerdo con esta afirmación suya. La obra de Eduardo subordina la grandilocuencia y el consenso a la autenticidad de la emoción. Creo que la mejor crítica, entonces, no es la que atribuye dones de estilo y sustanciación gratuita y sospechosa a las obras, sino la que celebra la humildad de la poética ajustando sus órdenes de actuación. La vanidad del estilo se hace jadeante y poco asertiva en el intento de precisar los rasgos más sobresalientes de su abecedario. De poco o nada importa buscar/especular su relación con el relato de la historia del arte o su fijación a una zona específica del arte cubano suscrito a ciertas demandas críticas. Esta maniobra de la interpretación y del enjuiciamiento pierden eficacia cuando se trata de equilibrar (y calibrar) una lectura sobre la producción de este artista. Su grandeza está precedida por su humildad. Los sentidos laterales y los matices que resultan de toda aproximación ensayística se antojan pistas esenciales en el trato directo con obras de este carácter. Lo menor y lo accidental son carne y sangre en este tipo de obra. La lectura y la escritura son ejercicios del silencio, pero la publicación de esta última somete lo privado y lo íntimo del gesto a la violencia palmaria del escrutinio público. Entonces sabemos que la narración crítica, lo mismo que la pintura y el arte, están aquí para ser dichos, para ser leídos, para que la voz y el tiempo del habla puedan profetizar su disolución y cortejar su propio fin.

La pintura y la escritura alcanzan, así, su razón de ser: pura radiografía del alma.

Anthony Goicolea. Back to one

Written by: Redacción • 12 abril, 2023

Galería SENDA acoge la tercera exposición individual del artista Anthony Goicolea (Atlanta, 1971), que presenta una selección de sus obras más recientes. En su statement, Goicolea describe su trabajo como una reacción visceral a toda una vida navegando por los límites codificados entre culturas, géneros, edades y tradiciones. Crecer cubano, gay y católico en el sur profundo a principios de la década de 1970 forjó su conciencia tanto de las construcciones sociales, como las tradiciones regionales, los rituales y la historia, y cómo esos elementos se desarrollan y definen las arenas de la identidad, el género y el lugar.

Las pinturas de Goicolea son retratos conmovedores y cinematográficos que mezclan referencias interculturales. Utiliza significantes culturales codificados extraídos del folclore, la mitología, la religión y los cuentos de hadas, para trazar paralelismos entre el pasado y el presente. Las obras se caracterizan por una sensación de familiaridad y de otro mundo onírico, a menudo centrándose en figuras atrapadas en un “estado intermedio” de transición. El artista describe su técnica de pintura como el uso de una mezcla gruesa sobre lino crudo para revelar capas pasadas de pintura. Esta técnica leda a sus obras una cualidad táctil, lo que permite a los espectadores ver y sentir las diferentes capas de pintura.

Las figuras están pintadas en un momento de fatiga o aburrimiento y sus colores ácidos, poses andróginas y miradas inexpresivas contribuyen al sentimiento etéreo de sus obras. Estos elementos se combinan para crear una sensación de familiaridad en sus pinturas, atrayendo a los espectadores a la escena y a las emociones de sus modelos.

En general, la técnica pictórica de Goicolea contribuye a la narrativa de sus obras, enfatizando la tensión entre el pasado y el presente, la realidad y la fantasía, los significantes culturales y la identidad personal que son centrales en su práctica.

Goicolea ha estado abordando recientemente las similitudes entre la llegada del sida y la pandemia de la Covid-19, como ya hizo antes con las crisis de refugiados de los años 70 y el nativismo antiinmigración actual, o las guerras culturales de la era Reagan frente al ataque religioso de la derecha resurgida sobre raza, género y autonomía corporal.

Las figuras en sus pinturas reflejan el pasado y miran con una mirada exhausta sabiendo que los paralelos de nuestra situación actual han preparado el escenario para otra actuación repetida, como en el escenario, “a primera” , en inglés: “back to one”.

Fechas: Desde el 13 de abril de 2023
Lugar: Galería Senda, Barcelona

Avelino Sala. Sueño de nadie

Written by: Redacción • 12 abril, 2023

Sueño de nadie es el título de la tercera exposición individual del artista Avelino Sala (Gijón, 1972) en Llamazares Galería. En la muestra se presenta una selección de sus últimos trabajos siguiendo su característica línea de trabajo conceptual en la que nos enfrenta cara a cara con el cambio climático y el colapso medioambiental. En esta ocasión, lo hará a través de provocadores eslóganes que veremos, entre otras propuestas, en instalaciones de jardines verticales o en secciones de árboles que el artista convierte en objetos escultóricos.

En Sueño de nadie, Avelino Sala trabaja, desde una perspectiva que unifica estética y discurso crítico, el colapso medioambiental a partir de un fragmento de un poema de Rilke. La serie de secciones de troncos donde se pueden leer proclamas de las manifestaciones por el clima hace que la propia naturaleza de alguna manera genere la protesta. Formalizados en secciones de árboles que en principio tenían una función diferente, aquí se reciclan en objeto escultórico. Los árboles crecen de dentro hacia fuera y cada año se genera una capa mas de madera, un anillo. El tronco es, de alguna forma, un testigo mudo, una suerte de mapa de la memoria que nos cuenta qué ha pasado en un tiempo en concreto. En estas piezas se presenta un texto que quizás sea mas telúrico que directo. Una sección de un árbol que más que dendrocronología, es arqueología de la actualidad. Aquí se juntan el mensaje y la propia materia básica de nuestro planeta.

La serie Naturalezas Muertas, en la que lleva trabajando varios años, mantiene la idea de crítica actual vinculada a la Historia del Arte. Un bodegón, tema clásico del Arte del XVII, es el punto de partida para trabajar con musgo y plantas preservadas, que parecen vivas pero están muertas, y a partir de ahí generar unas esculturas, bodegones del siglo XXI, como llamada de atención. TIME, LIFE, HOPE, pero también sus FUTURE y DESTINY, de la misma serie, que se exhibieron hace unas semanas en la Semana del Arte en plena plaza de Callao en Madrid. O un globo terráqueo desarrollado con el mismo material, que nos muestra un planeta llamativamente vivo pero muerto por dentro.

Una serie nueva de estas Naturalezas Muertas, aquí formalizadas en pequeñas esculturas con rosas y referencias literarias, como monumentos al tiempo perdido (Proust), al sueño de nadie (Rilke) a la pulverización de la vista (Pizarnik).

Segmentos de poemas, títulos de libros se mezclan y se enfrentan en este caso a un neón rojo que nos advierte, a través del poema de Alejandra Pizarnik, que la batalla esta perdida. No nos queda más que observar hasta quedarnos ciegos. Esta pieza sigue la línea de “En busca del Milagro”, Premio Barjola 2022, donde ya se desarrollan unos conceptos sobre lo romántico de la derrota.

Esa batalla se da también en la serie de acuarelas ECOTOPÍAS, un trabajo de largo recorrido, de más de un año de desarrollo, donde la utopía y la distopía se relacionan en un mundo lleno de belleza y de lo terrible. A través de la técnica delicada de la acuarela se desarrollan una serie de imágenes que se combinan de nuevo con textos del libro de ciencia ficción del mismo título, Ecotopía de Ernest Callenbach (1975). Una novela visionaria, pues se adelantó a su tiempo retratando una sociedad ideal en un mundo preocupado por el medio ambiente.

Finalmente, Sala presenta una serie de bocetos de éstas y otras piezas que han sido publicados en el último número de la prestigiosa Revista de Occidente para ilustrar los textos del numero 501 de su edición, entre los que destacan los de Fernando Castro Flórez o Iván de la Nuez, entre otros.

Avelino Sala

Su trabajo como artista le ha llevado a cuestionar la realidad cultural y social con una mirada crítica y poco cómoda en un continuo explorar el imaginario social y político. Sus proyectos explotan la capacidad del arte para generar espacios de experimentación que den lugar a nuevas realidades.

Sala es uno de los referentes españoles del arte como resistencia política. En su producción está presente una suerte de poética que contiene una reflexión sobre los poderes estatales y el control que estos ejercen. Su estética contundente añade fuerza a un discurso tan necesario como poderoso. Desde la década de los 2000 Sala trabaja en el contexto global del arte contemporáneo, exponiendo y participando en Bienales e instituciones como la Bienal del Fuego de Caracas (2006), VideoZone V Bienal de Vídeo Arte de Tel Aviv (2010), Nightcomers, 10 Bienal de Estambul (2007), Bienal del Fin del Mundo (2011), Bienal de Istmo Centro Americano de Guatemala (2014) o la Bienal Sur, Juntos aparte (2019).

En 2007 fue galardonado por la UNESCO y la New York Foundation for the Arts con el Artport International Video Award en Basilea (Suiza) y en 2010 con el Premio VAD, Festival de Videoarte de Girona. También fue becario en la Real Academia de España en Roma y en 2012 en el Centro de Arte Le Lait de Albi, en Francia. Premiado con los fondos de arte de Vegap en 2021.

Fecha: Hasta el 20 de mayo de 2023
Lugar: Llamazares Galería, Gijón