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Todas ellas brujas. Bego Antón en CentroCentro

Written by: Sara Torres Sifón • 25 mayo, 2017

CentroCentro acoge una nueva exposición dentro de su ciclo Lanzadera, que tiene como objetivo dar visibilidad y difusión al trabajo de una nueva generación de fotógrafos españoles. En esta ocasión se presenta la muestra “Haiek Danak Sorginak (Todas Ellas Brujas), de Bego Antón.

La muestra es una recreación visual de la caza de brujas en el País Vasco durante un periodo de 300 años, donde la fotógrafa trabaja sobre conceptos como la verdad, la realidad o la fantasía. Seguramente no hubo ungüento mágico ni escobas voladoras, no existieron los sapos vestidos ni mujeres que se convertían en gato para volar a los aquelarres, pero este es el mundo que las brujas describieron a los inquisidores cuando les hacían confesar mediante tortura y amenazas.

La caza de brujas arrancó en el País Vasco por la existencia de mujeres recolectoras y expertas en las propiedades curativas de diferentes plantas y frutos silvestres. Eran curanderas, también matronas y, a veces, adivinas, y por todas estas cualidades acabaron siendo víctimas de sus vecinos, que encontraron en ellas la explicación de sus males físicos y morales. Eran una amenaza para la Iglesia, que vio peligrar su sistema de creencias y contestó enviándolas a la hoguera. Nunca se encontraron pruebas de la existencia de akelarres o ungüentos mágicos y la ola de brujas disminuyó hasta desaparecer cuando se dejó de hablar de ellas tras el Edicto de Silencio.

Bego Antón

Bego Antón nació en Bilbao en 1983 y reside en Barcelona. Estudió periodismo en la Universidad de País Vasco y se especializó en fotografía documental en Barcelona. Su trabajo fotográfico disecciona el comportamiento humano y reflexiona sobre nuestra implicación psicológica y moral con el mundo natural.

Su trabajo ha sido publicado en Lens Blog del NYT, Le Monde, CNN Photos y The British Journal of Photography entre otros. Ha expuesto en el Museo Guggenheim de Bilbao, en PhotoEspaña 2014 como parte de P2P Prácticas Contemporáneas de la Fotografía Española o en Post-‐Arte, dentro del Festival Miradas de Mujeres. Ha sido becada por Vegap, Spain USA Foundation, EEA Grants de la embajada Noruega en Madrid, la Diputación Foral de Bizkaia y El Instituto Vasco Etxepare. Fue elegida para participar en el Joop Swart Masterclass del World Press Photo 2014.

Fechas: Hasta el 2 de julio de 2017
Lugar: CentroCentro Cibeles, Madrid

“A qué llamamos paisajes en tiempos de selfies”. EstudioconVistas

Written by: Victoria Arribas Roldán • 25 mayo, 2017

A qué llamamos paisajes en tiempos de selfies es la nueva exposición de EstudioconVistas. En este quinto proyecto, abren el espacio a una reflexión sobre la prevalencia hoy día de los géneros en el arte y en particular del paisaje. Se invita al espectador a suponer de antemano que va a ver paisajes. A contemplar las diferentes obras con una óptica preconcebida. Piezas que no necesariamente han sido creadas como paisaje pero que pueden ser interpretadas como tal. ¿Realmente prescindimos de los géneros en al arte o somos incapaces de navegar sin su ayuda?

ISABEL ALVAREZ ZAÑARTU

Las pinturas al óleo de Isabel Alvarez nos enseñan escenas donde aparentemente no sucede nada. Un coche con los faros encendidos entre dos árboles, otro coche aparcado en medio del bosque con el maletero abierto, ropa tirada en el suelo que continúa saliendo del maletero. Son paisajes misteriosos donde nada está claro, ni siquiera dónde suceden. Algunas en espacios abiertos que parecen cercanos a la ciudad, otras en espacios oníricos. La referencia más clara es la pintura de paisaje, pero hay una especie de misterio que las envuelve que nos haría pensar que son imágenes fijas extraídas de una película de misterio.

ANTONIO FRANCO

Antonio Franco explora dentro de la tradición de la pintura desde hace mucho tiempo.

Hace unos meses dio con un archivo de fotos de la construcción – años 50 – de una central hidroeléctrica en medio de las selvas húmedas y lluviosas del Pacífico colombiano, a no más de cien kilómetros de donde nació. El proyecto que expone consiste en un dibujo en técnica pastel en gran formato – 340 x 300 cm – de una de las imágenes del archivo. Le interesan porque, además de ser memoria de su propio pasado, mantienen el espíritu de lo sublime que caracterizó la pintura de paisaje europeo desde mediados del siglo XVIII hasta mitad del XIX.

HARITZ GUISASOLA

Mi trabajo empieza a mediados de los noventa. Los dibujos y cuadros que hago son figurativos en su mayoría. Pinto retratos, vánitas, inundaciones, paisajes, bodegones y fotos de prensa. De esta manera intento comprender la relación de mirar y pintar, de vivir y pintar. Durante estos años mezclar colores y dibujar ha sido una práctica habitual en mi vida. El resultado de esto son unos cuadros y dibujos de formato variado, a veces con elementos extraños, otras veces más realistas, y eso si, con colores que intentan ser diferentes cada vez.

FERNANDO MARTÍN GODOY

Fernando Martín presentó hace dos años por primera vez en Madrid en la edición 2015 de Drawing Room sus collages. Unas delicadas y a la vez potentes imágenes en pequeño formato – no más de medio folio – pero cargadas de emoción. A partir de impresiones antiguas de revistas, prensa o postales antiguas encontradas, construye lugares que nos pueden parecer familiares pero que no llegamos a identificar.

El artista realiza una serie de intervenciones mínimas sobre el original, muy minuciosas, dibujando con precisión a través de un bisturí, superponiendo al espacio abierto rotundas formas geométricas siguiendo el impulso sintético que caracteriza el conjunto de su trabajo.

MAXON HIGBEE

“Las perspectivas cambiantes del vuelo constituyen una nueva realidad que no tiene nada en común con la realidad tradicionalmente constituida por una perspectiva terrestre” – Manifiesto Futurista

Desde que los pintores de la “aeropittura” comenzaron sus experimentos con la velocidad y un horizonte cambiante en los primeros años del siglo pasado, ha cambiado mucho la manera en que percibimos psicológicamente el vuelo. Desde las primeras promesas prometeas de una nueva gran libertad, a la percepción de los aviones como instrumentos de terror durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial convirtiéndose en la última década en un arma en sí misma. En el futuro tal vez la mayor tragedia será su negativo impacto ambiental, provocado no por la guerra sino por la codicia y la complacencia.

MIGUEL MARINA

Los temas que emplea en su obra son, de alguna manera, excusas para indagaciones formales. Miguel se afana en los problemas de composición, así que se ha ido surtiendo de pretextos que le proporcionan imágenes adecuadas. La expedición de Shackelton a la Antártida, las imágenes que toman las sondas que enviamos al espacio, lo que enseñan los telescopios. Si uno se detiene un momento a considerarlo, todas sus ocupaciones son claramente pictóricas. Empezando por el paisaje, que es una creación artística y siguiendo por la representación de galaxias, que son juegos con la escala. Es, en definitiva, una pintura que piensa la representación.

MAYA SARAVIA

Con múltiples intereses en sus obras, Maya Saravia presenta unas enigmáticas piezas. A nivel formal vemos una superficie de color que pudiera pertenecer al POP Art o, por qué no, a algunos intentos de revisión realizados por artistas españoles actuales sobre el minimalismo. Sobre estas superficies aparecen dibujos: finas líneas oscuras que por su naturaleza asociaremos con esquemas. Estas líneas forman curvas, rectas, líneas onduladas, etc…La artista ha estado investigando diversos escenarios de guerras, los campos donde sucedieron las batallas y en particular los mapas de trabajo de los ejércitos en combate. De los mapas de estas batallas ha borrado toda la información y sólo ha mantenido como una especie de jeroglífico de destrucción y de muerte las líneas que irónicamente despliega sobre las superficies de colores llamativos.

Artistas:Isabel Alvarez Zañartu, Antonio Franco, Haritz Guisasola, Fernando Martín Godoy, Maxon Higbee, Miguel Marina, Maya Saravia.

Fechas: Inauguración 27 de mayo a 11:30h.

Para visitar a partir del 29 de mayo y hasta el 11 de junio de 2017 concertar visita en antoniopaint@gmail.com

Lugar: c/ Silva 22 – Bajo. Madrid

#UnVeranoEnSantander abre convocatoria de residencia artística

Written by: Oscar Garcia Garcia • 25 mayo, 2017

#UnVeranoEnSantander abre convocatoria para seleccionar a sus artistas residentes. Los artistas seleccionados pasarán un mes en Santander desarrollando sus proyectos en colaboración con vecinos de la ciudad. Las acciones artísticas tendrán lugar en julio y agosto en los barrios de Entrehuertas y La Encina / La Gándara.

El proyecto #UnVeranoEnSantander, seleccionado dentro de la convocatoria Cultura Emprende de la Fundación Santander Creativa, ha abierto el plazo de la convocatoria para que los artistas interesados puedan presentar sus proyectos. Un jurado seleccionará los dos más interesantes, que se desarrollarán a través de dos residencias artísticas que tendrán lugar este verano en los barrios de Entrehuertas y La Encina / La Gándara. El concurso para seleccionar a los creadores es de carácter nacional y los artistas deberán desarrollar sus proyectos colaborando con los vecinos del barrio.

Cada una de las residencias tendrá una duración de un mes y se desarrollarán en julio y agosto. Lo fundamental será la creación del proyecto artístico en colaboración con un equipo de trabajo conformado por ciudadanos de los dos barrios. De esta forma, los proyectos partirán de la investigación, la colaboración y la participación. Los organizadores, Laura Crespo y Alfredo Santos integrantes de DidacArt, consideran que #UnVeranoEnSantander relaciona las prácticas artísticas contemporáneas con el entorno social en el que se desarrollan, permitiendo así que las obras y acciones resultantes dialoguen con aspectos como la identidad, la sociedad y el patrimonio con el un fin pedagógico y de puesta en valor de los profesionales del sector artístico y cultural.

Los artistas interesados pueden consultar las bases de la convocatoria pública en http://didacart.com/unveranoensantander/. La fecha de recepción de los trabajos termina el miércoles 14 de junio. Los proyectos se deberán enviar a unveranoensantander@didacart.com

Paul McCarthy. WS & CSSC, Drawings and Paintings

Written by: Sara Torres Sifón • 24 mayo, 2017

Paul McCarthy desembarca en la Fundació Gaspar (Barcelona) con la exposición “WS/SCCS paintings and drawings”, en la que podrán verse dos de sus proyectos más recientes, “White Snow” y “Stagecoach”. En ambas series, narraciones arquetípicas americanas son lanzadas contra los impulsos y deseos humanos, examinados con el ingenio y la subversión característicos de McCarthy.

Bebiendo de su propia tradición de actuación improvisada, las prácticas performativas escatológicas se representan en el lienzo con un estilo cargado de pintura gestual, motivado por la experimentación material y los procesos psicológicos. El uso del collage entrelaza referencias aparentemente inconexas, tales como, páginas arrancadas de revistas de moda, imágenes encontradas en internet u objetos tridimensionales como una mesita de café.

Dentro de estas obras, McCarthy mezcla con maestría la historia de la pintura con motivos contemporáneos, en escenas dramáticas que exponen el deseo latente y explotan el incómodo espacio donde la inocencia de la infancia se encuentra con el conocimiento del adulto.

La Fundació Gaspar expondrá un total de 13 pinturas y 31 dibujos de estas series en la que McCarthy continua con su crítica de la mitología americana contemporánea basada en iconos y narraciones populares en unas obras que despiertan nuestros temores y que, de alguna manera, representan la oscuridad en el corazón de la cultura dominante. Cautivado por la inocencia y la artificialidad del universo de Walt Disney y de Blancanieves el artista lo traduce en un leitmotiv particular y se refiere a ella como “nieve blanca”. Un compendio de obras visualmente tremendamente convincentes y perturbadoras a la vez.

Paul McCarthy (1945, Salt Lake City, USA) es uno de los artistas más influyentes de los últimos años, su obra abarca disciplinas diversas como la escultura, la performance o el vídeo.

Fechas: Del 26 de mayo al 16 de julio de 2017
Lugar: Fundació Gaspar, Barcelona

Robert Mangold en la galería Elvira González

Written by: Victoria Arribas Roldán • 24 mayo, 2017

La Galería Elvira González acoge la exposición Robert Mangold. Obras de 1973 a 2005. Esta muestra reúne pinturas de más de tres décadas de la producción de este gran artista norteamericano, representante del movimiento minimalista, que se desarrolla en Nueva York a partir de finales de los años 60. La exposición presenta obras sobre lienzo, papel y madera.

Robert Mangold (Tonawanda, Nueva York, 1937) explora desde principios de su carrera nuevos formatos, realizando series de pinturas que ahondan en la forma y en el color. Desde mediados de los 60 y durante la década de los 70, Mangold evoluciona utilizando tableros de masonita con los que realiza distintas formas y estructuras que agrupó en series como Walls, Areas, W, V o X.

Como consecuencia de estas primeras obras, Mangold ha sido considerado uno de los miembros iniciadores del movimiento minimalista en el que la forma, el color y la realización de series que exploran a fondo un ideario, fundamental en su producción. La carrera de Mangold está enfocada a la investigación de la pintura a través de los principios básicos de la pintura moderna con la creación de objetos geométricos en una gran variedad de gamas cromáticas, articuladas con trazos geométricos en grafito sobre lienzos únicos o compuestos por distintos paneles, donde las formas delineadas en grafito rivalizan con las formas del propio soporte.

Entre 1980 y 1986, realiza tres grupos de pinturas muy dinámicas y casi arquitectónicas, llamadas XS, +S y Frame Paintings. Estas obras marcarían un cambio en su carrera además de ser consideradas icónicas en la producción del artista al ser ejemplo de una pintura más consolidada y un pensamiento artístico maduro, fruto de veinte años de experimentación. Cada una de las obras inscritas en estos grupos presentan unas reglas en donde los lienzos tienen unas medidas determinadas y han de ser colocados en una dirección específica, pasando de unos rectángulos de medidas concretas a otros cada vez más estrechos, minimizándolos hasta el punto de ser sustituidos por barras de aluminio. En cuanto al color, Mangold pasa de pintar obras monocromáticas a combinar naranjas y amarillos, rosas y azules, grises y ocres, con la intención de resaltar mediante la pintura la forma del lienzo.

Sus siguientes series en la década de los 90, son las denominadas Attic Seriesy Plane/Figure Series. Se aprecia un cambio en la paleta de colores con un cromatismo más terroso, haciendo referencia clara a los colores de las pinturas y cerámicas griegas, incorporando elipses y formas curvas que evocan las formas clásicas, presentes en la cerámica helenística. Mientras que la segunda de las series tiene títulos más descriptivos, con obras cuyos anchos y extremos difieren entre sí de una forma más evidente y en la que la elipse sigue presente, en ocasiones sola y otras emparejada con otras elipses del mismo tamaño o de forma completamente opuesta

La exposición se completa con obras de la década del 2000 de la serieColumnas que de nuevo nos llevan al mundo clásico que tanto ha interesado a Robert Mangold, donde las columnas, algunas de más de tres metros de altura, combinan la rigidez de la forma del lienzo con la sensualidad de los trazos en grafito, siempre haciendo uso de colores muy sutiles.

Fechas: Hasta el 25 de julio de 2017
Lugar: Galería Elvira González, Madrid

Performance a los pies de la fosa donde descansa Federico García Lorca

Written by: Oscar Garcia Garcia • 24 mayo, 2017

El nuevo trabajo de los provocadores artistas Omar Jerez y Julia Martínez les ha llevado a Víznar, localidad granadina donde se ubica la fosa a la que fue arrojado el cuerpo de Federico García Lorca. Donde su performance ‘Tres Españas’, da cita a dos boxeadores profesionales en una luchar en un limpio combate de un solo asalto que finaliza en un amistoso abrazo. Un enfrentamiento noble y respetuoso que representa simbólicamente a esa tercera España que huye del odio y que es ignorada por completo por culpa de los extremismos.

En la guerra civil española (1936-1939) existieron dos bandos que empuñaron sus armas y lucharon de manera férrea. Hubo, en definitiva, dos Españas que cometieron un salvaje fratricidio. Esta división, a pesar de los 78 años transcurridos desde aquella contienda entre iguales, sigue viva actualmente y latente en cada esquina. Lo curioso del asunto, es que las dos Españas de hoy no vivieron aquella guerra, pero se odian por sistema.

Sin embargo, nadie parece tener en cuenta que en aquella Guerra Civil se tiene constancia de una tercera España que no participó de la contienda. Concretamente, se calcula que alrededor de 2,5 millones de personas decidieron no coger un arma y no participar de aquel feroz cuerpo a cuerpo del que la sociedad española no logra recuperarse. Omar Jerez y Julia Rodríguez se identifican plenamente con esa tercera España que, a ojos del mundo, parece ser invisible. Y quieren poner en valor esa tercera España que no odia, esa tercera España que es capaz de apartar los rencores para construir desde la reconciliación y apostando por el futuro. De ahí el título de la acción: ‘Tres Españas’.

En el emblemático Barranco de Víznar, lugar donde se ubica la fosa a la que fue arrojado el cuerpo del poeta Federico García Lorca tras ser fusilado, es el lugar escogido para escenificar esta nueva performance. Dos boxeadores profesionales protagonizan un combate de un solo asalto de tres minutos de duración. Al finalizar, los rivales chocan sus guantes y se abrazan. Un combate en el que se ponen de manifiesto los valores del boxeo como el respeto, la nobleza, la humildad, la deportividad, el sacrificio y finalmente la reconciliación. Este enfrentamiento representa de manera simbólica a esa tercera España, a esa que lucha de manera limpia y dice adiós a los extremismos.

Rosa Barba. Registros de tránsito solar

Written by: Sara Torres Sifón • 23 mayo, 2017

El Museo Reina Sofía acoge en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro un proyecto creado específicamente para este espacio por Rosa Barba, (Agrigento, Italia, 1972), una artista visual y cineasta afincada en Berlín, titulado Registros de tránsito solar (Solar Flux Recordings) y comisariado por Manuel Borja-Villel. Barba ha concebido una instalación que responde a la estrategia de contextualizar las obras en el entorno y arquitecturas donde se ubican.

La exposición registra la incidencia de la luz solar en la arquitectura, n cada sitio y momento determinados. Para ello, la artista ha dispuesto cuadrantes hechos de acero donde quedan anotados los movimientos del sol, y ha realizado una réplica parcial del edificio. Ventanas, columnas y arcos tienen un equivalente en su intervención.

No obstante, un examen más detenido revela que estamos, en realidad, ante un dispositivo cinematográfico. Aunque sus paneles mantienen los trazos y dimensiones de las ventanas, sus colores nos remiten a los filtros propios del cine. Sin embargo, la luz no procede de una lámpara, sino que es natural, desvelando el funcionamiento de la naturaleza en tanto que máquina, y a nosotros como engranajes de la misma.

Barba posiciona al espectador que entra en el espacio que acoge la exposición en un lugar determinado. Este percibe, a través de los cristales, la belleza del paisaje, los árboles que lo circundan, el cielo, las nubes. Pero estos elementos no constituyen una naturaleza separada de nosotros; son partes de una maquinaria global, ordenada, cuyos movimientos han sido anotados en los cuadrantes que la artista ha emplazado en el edificio.

Barba sitúa al espectador ante esta tesitura que desvela la máquina, que es la naturaleza y los dispositivos en los que se apoya y, sobre todo, fija nuestro papel en ella para poder cuestionarla e imaginar otras tecnologías posibles con las que relacionarnos. La noción de fisura, de interrupción de lo homogéneo, es la táctica que emplea Rosa Barba para hacernos conscientes del mecanismo en el que estamos inmersos y de cómo podemos reconocerlo.

Desde sus primeros trabajos de finales de los noventa y principios del dos mil, Barba atiende a los contextos concretos donde van a ser ubicados, integrando a menudo esos entornos y arquitecturas para narrar nuevas historias a partir de ello. White Museum, (Centre International d’Art & du Paysage, Vassivère, 2010), Free Post Mersey Tunnel (Bienal de Liverpool, 2010) o su reciente instalación en el Schirn Kunsthalle, Blind Volumes (Frankfurt, 2016) son buenos ejemplos de esa contextualización de algunas de sus propuestas artísticas.

A lo largo de su obra encontramos retratos de arquitectura obsoleta y paisajes naturales, escenas de desiertos remotos, esqueletos de edificios industriales y fragmentos de textos de artistas, poetas y geógrafos. La artista los presenta como espacios de memoria, donde las certidumbres coexisten con las vulnerabilidades y el pasado se funde con un presente que se despliega constantemente.

Sus esculturas, instalaciones, películas e, incluso, libros de artista apelan con frecuencia a una dicotomía y a un discurso deliberadamente incoherente, por el que dirige la mirada al pasado para generar debates y diálogos no cerrados, sobre realidades o irrealidades contemporáneas y futuras.

Rosa Barba fundamenta gran parte de su trabajo en el uso del medio cinematográfico, tanto en sus dispositivos y materialidad como en su concepto, lo que le sirve para explorar los mecanismos que articulan nuestra época, en la que cualquier posibilidad de ruptura solo puede partir del reconocimiento de una sociedad en la que la diferencia entre trabajo productivo y creatividad no existe y en la que nuestra dependencia de la técnica y los gadgets es casi absoluta.

Esta condición contemporánea sirve a Rosa Barba para desplegar su interés por el cine expandido, así como por sus condiciones de producción y recepción. Para ella el proyector es tan significativo como la película que se emite. Este no es un simple instrumento funcional, al contrario, es un componente central del relato. Esto la lleva a la concepción de nuestro entorno como una gran máquina social.

El interés de Barba por cómo operan las distintas partes de una determinada máquina –como puede ser el cuerpo social o histórico- la lleva a elaborar representaciones ficticias en torno a nuestra relación con los sistemas y aparatos que nos rodean. Sus películas The Empirical Effect [El efecto empírico, 2010], Outwardly from Earth Center [Por fuera del centro de la Tierra, 2007] o Somnium [Soñar, 2011] presentan rasgos estilísticos que recuerdan al género de la ciencia ficción, ideando escenarios de temporalidad compleja, atrapados entre un pasado que ha dejado de existir y un futuro que se desconoce.

Sus piezas cinematográficas e instalaciones desestabilizan los grandes relatos y proponen otras percepciones de lo real, en las que las tecnologías de encuadre y cifrado, los aparatos, se revelan como parte esencial en la organización de nuestras subjetividades, afectos y experiencias. Son, también, a menudo microhistorias de la realidad que crecen dentro de una posible ficción. Sucesos aparentemente marginales cobran valor de documento histórico, volviéndose incluso más reales que los grandes acontecimientos políticos y económicos. Esta narrativa experimental de lo cotidiano
convertido en fantástico se impone al momento de elegir espacios amplios y desolados donde, según la artista, “el tiempo parece existir indefinidamente en todas las direcciones, casi como si fuera tridimensional”.

Fechas: Hasta el 27 de agosto de 2017
Lugar: Palacio de Cristal, Madrid

“El rincón feliz” colectiva en el Museo Barjola

Written by: Victoria Arribas Roldán • 23 mayo, 2017

El Museo Barjola de Gijón presenta la exposición colectiva El rincón féliz de los artistas: Primoz Bizjak, Kela Coto, Mónica Dixon, Christian Domínguez, Federico Granell, César Lacalle, Rosell Meseguer y José Quintanilla.

Comisariada por Natalia Alonso Arduengo, la muestra integrada en su mayor parte por pintura y fotografía, gira en torno a la noción de habitar: por un lado, la casa como lugar vivenciado, y por otro lado, su interior como espacio antropizado. El título de la muestra hace alusión al relato homónimo de Henry James que es tomado por la comisaria de la muestra como hilo conductor para analizar cómo el habitante no es un consumidor pasivo de espacios sino que los ocupa tanto material como simbólicamente.

A través de la obra de cada uno de los artistas el espectador podrá adentrarse en distintos modelos de vivienda y concluir que la casa no es sólo mera construcción sino que también está cargada de afectividades. Habitar es dejar huella. Los muebles junto con los enseres y los demás elementos decorativos se convierten en expresión de las personas que viven en ella.

Artistas: Primoz Bizjak, Kela Coto, Mónica Dixon, Christian Domínguez, Federico Granell, César Lacalle, Rosell Meseguer y José Quintanilla
Fechas: del 19 de mayo al 30 de julio de 2017
Lugar: Museo Barjola, Gijón

Vuelve Entreacto a Doctor Fourquet

Written by: Oscar Garcia Garcia • 23 mayo, 2017

Entreacto vuelve a las galerías de la madrileña calle Doctor Fourquet el próximo martes, 23 de mayo, de 16 a 20 horas, con siete propuestas artísticas de estudiantes de la Facultad de Bellas Artes. Tras un paréntesis de un año, la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y Encuentros Complutense aúnan sus esfuerzos en una nueva edición.

Entreacto consiste en aprovechar el tiempo que media entre el desmontaje de una ex- posición y el montaje de la siguiente para presentar el trabajo de alumnos y alumnas de la Facultad de Bellas Artes. El proyecto comprende actividades como el visionado de portfolios, visitas a espacios artísticos y sesiones colectivas de re exión y crítica. El proceso culmina con la exposición durante un día de los proyectos seleccionados en las galerías y espacios artísticos de la calle Doctor Fourquet.

Los estudiantes han sido seleccionados por los espacios participantes y un jurado compuesto por Julia Morandeira (comisaria), Christian Fernández Mirón (artista, mú- sico y comisario), Marta Abril (comisaria, miembro de El Cuarto de Invitados) y María Menchaca (comisaria, miembro de C.O.S.A. – Centro de Operaciones de Sustancias Ar- tísticas), que eligieron sus propuestas entre todas las presentadas para ser expuestas por un día en diversos espacios de la calle Doctor Fourquet. Las propuestas incluyen instalaciones, vídeos y esculturas.

Las propuestas participantes en Entreacto 2017 son:
1. Shibboleth, Nicholas Callaway. Cruce
2. ↷, ↶, ↺, (Hacer, deshacer, repetir), Javier Rodríguez Lozano. Galería Bacelos
3. Retrato de una España bajo la tierra, Julia Sara Martínez de la Fuente. García Galería
4. Sin título, María Román. Función Lenguaje (con la colaboración del colectivo de co-
misarixs El Cuarto de Invitados)
5. Atacabos, Guadalupe Meca. Galería Alegría
6. Sopa de letras, Tania Tsong. Galería Silvestre
7. Vareo, Ricardo Pueyo. C.O.S.A.

Los estudiantes explicarán su obra a las siguientes horas: 1. 17:40 Ricardo Pueyo
2. 18:00 Tania Tsong
3. 18:20 Guadalupe Meca
4. 18:40 María Román
5. 19:00Julia Martínez de la Fuente 6. 19:20 Nicholas Callaway
7. 19:40 Javier Rodríguez Lozano

Jimmie Durham_Nature Morte with stone and house_2002

Vacío perfecto. Una lectura de la Colección MUSAC

Written by: Sara Torres Sifón • 22 mayo, 2017

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, acoge la muestra ‘Vacío perfecto. Una lectura de la Colección MUSAC’, muestra en la que se intenta dar respuesta a la pregunta ¿Es posible imaginar otros escenarios de intervención y relación con la cultura? a partir de dos puntos de partida: el libro Vacío perfecto, de Stanisław Lem, y una selección de fondos de la Colección MUSAC, algunos de los cuales se exponen por primera vez en el museo y entre los que se encuentran instalaciones, fotografía, vídeo, pintura o dibujo.

La exposición, comisariada por Eduardo García Nieto, pretende generar un espacio de debate sobre algunas de las cuestiones claves presentes en el libro de Lem que siguen vigentes en el presente, a partir de 21 obras de los artistas José Luis Alexanco, Manu Arregui, Luis Camnitzer, Filipa Cesar, Lúa Coderch, Nacho Criado, Jimmie Durham, Pepe Espaliú, Hans-Peter Feldmann, Jenny Holzer, Abigail Lazkoz, Leonilson, David Maljkovic, Diego del Pozo, Fernando Renes, Néstor Sanmiguel Diest, Kiki Smith, Belén Uriel, Akram Zaatari, Silvia Zayas.

El proyecto surge a partir del libro Vacío perfecto, primer volumen de la tetralogía Biblioteca del siglo XXI, de Stanislaw Lem, figura consagrada de la ciencia ficción cuya obra maestra, Solaris, fue llevada al cine por Andréi Tarkovski. Publicado en 1971, Vacío Perfecto supuso una sorpresa para los lectores que esperaban encontrar un nuevo volumen dentro de los cánones del género, ya que se trata de un experimento literario formado por dieciséis críticas a libros no escritos que, según avanzaba el subtitulo de la obra –Biblioteca del Siglo XXI– debían comenzar a publicarse en el siglo siguiente.

Este subtítulo acompaño a otras tres obras –Magnitud imaginaria (1973), Golem XIV (1981) y Provocación (1984)– conformando así un conjunto que permitía al autor hablar acerca de cómo él imaginaba la cultura en el futuro. Las hipotéticas publicaciones reseñadas en estos libros mediante críticas, prólogos o ensayos, versan sobre distintas construcciones sociales posibles, modelos económicos o preocupaciones culturales, sobre ordenadores inteligentes que generaban su propia literatura, sobre equipos de estudiosos en búsqueda de genios desconocidos que la historia no había incorporado a sus relatos.

El proyecto en MUSAC parte de este terreno de posibilidad para explorar cuestiones como la capacidad de hacer “ciencia ficción” con la cultura. La exposición identifica algunos de estos elementos presentes en la obra de Lem -cronología, futuro, sociedad, consumo, sexo, prognosis, nostalgia, relato-, como constantes en algunas de las obras de la Colección MUSAC, que abarcan el periodo comprendido desde la publicación de Vacío perfecto en 1971 hasta la actualidad.

Así, se han seleccionado obras que buscan generar un espacio de debate en el que cuestionar el papel de los individuos como agentes de transformación de la cultura, invitando a repensar nuestros modos de relación con ella y sus métodos de archivo, disfrute y difusión.

Asimismo, la elección de la “biblioteca” para establecer un dialogo o relectura de la Colección MUSAC no es algo casual. Un elemento unificador que define tanto a la biblioteca, como al archivo y el museo es que son dispositivos de poder. Qué se conserva, cómo se cataloga y cuáles son los modos de difusión no son meros funcionamientos mecánicos ni objetivos, de ahí la importancia del criterio esencial de la participación y el acceso al archivo que planteaba el filósofo Jacques Derrida. En todas estas acciones se vuelve a deslizar la pregunta: ¿Qué relación tenemos como individuos con la cultura?

Estas cuestiones se ven enfatizadas por la creación de una biblioteca emocional en el espacio expositivo, en la que el criterio de selección será la relación que las personas tienen con libros importantes en su formación vital, y que quieran compartir con otras personas. Así, se busca trabajar sobre otros posibles nodos de conexión e incremento de las experiencias personales con la cultura.

Fechas: Hasta el 3 de septiembre de 2017
Lugar: MUSAC, León
Imágenes:
1- Jimmie Durham – Nature Morte with Stone and House, 2007. Colección MUSAC © Jimmie Durham
2- Néstor Sanmiguel Diest – Las emociones barrocas, 1997-2005. Colección MUSAC
3- Pepe Espaliú – Vídeo de la acción EL NIDO (Arnhem, Holanda), 1993. Colección MUSAC © Pepe Espaliú – Cortesía: MUSAC