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PAN Y CIRCO denuncia la gestión del CAC

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Artistas, gestores, trabajadores de la Cultura y distintos colectivos sociales organizaron ayer una acción artística en la fachada del CAC para denunciar la gestión opaca del museo. La acción tuvo lugar ayer a las 22:00h. mediante la proyección de la frase “Pan y Circo” en el friso superior de la portada del museo.

PAN Y CIRCO denuncia la gestión del CAC

Panem et Circenses (Pan y circo) es una locución latina peyorativa de uso actual que describe la práctica de un gobierno que, para mantener tranquila a la población y ocultar hechos controvertidos, provee a las masas de alimento y entretenimiento de baja calidad con criterios asistencialistas.

En palabras de los organizadores “Esta acción simbólica reflexiona sobre la opacidad del museo en la gestión del dinero público, el desprecio por las buenas prácticas y la concepción del Centro como mero espectáculo. Un proceso de desgaste en el que la principal perjudicada ha sido la comunidad artística, no sólo por la pobre representación del arte local, sino por las condiciones de mala praxis en las que se han realizado las pocas exposiciones de proximidad.

Otro elemento a destacar es el abuso de participación del director en las contrataciones y asesoramientos en los programas culturales y adquisición de obras de arte, monopolizando cualquier proyecto relacionado con el arte contemporáneo en la ciudad de Málaga. No se puede confundir la promoción de la cultura con la subvención de determinadas empresas sin criterios transparentes que lo justifiquen. El nepotismo y la falta de comprensión con respecto a las necesidades culturales de la ciudad y sus creadores, no puede estar sostenido con dinero público.

PAN Y CIRCO es una acción en favor de una gestión transparente, responsable e igualitaria, sin menosprecio de la excelencia artística, para todxs lxs artistas femeninxs, masculinxs o de cualquier género no binario y en contra de todo abuso de poder ejercido por instituciones públicas”.

Los asistentes a la acción subieron la imagen generalizando la protesta en las redes sociales usando el hastag #panycirco. En señal de que el mundo de la cultura reacciona ante esta situación enquistada, con el deseo de comenzar un nuevo tiempo.

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José Salguero: Premio Art Nalón

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Ganador del premio del Certamen Nacional de Artes Plásticas: Art Nalón en la edición de 2017, José Salguero sigue cosechando éxitos con Terror en el parque de atracciones, título del que ya nos hicimos eco en su presentación en 2015 en la galería Swinton & Grant de Madrid. Como resultado del galardón, se ha organizado una exposición en la Pinacoteca Eduardo Úrculo de Langreo que recoge este trabajo al completo y que incluye además piezas inéditas hasta la fecha.

José Salguero

Esta serie ha contribuido sin duda a situar a Salguero entre uno de los artistas españoles menores de 35 años con más proyección internacional. Motivos sobran ya que se trata de uno de los creadores de este país que mejor ha sabido expresar la esencia y el lenguaje de su tiempo. La maestría a la hora de conjugar la idiosincrasia propia del muro, con la pintura de caballete, la soltura a la hora de compartir códigos y reajustar técnicas nada tiene que envidiar al trabajo actual de los grandes nombres internacionales encuanto al arte urbano se refiere.

José Salguero

Su exquisita capacidad técnica le permite llevar su discurso a no importa el lugar que se proponga, no siendo está un freno academicista sino por el contrario la herramienta que le permite explotar una infinidad de recursos. Entre ellos podríamos destacar el polisémico uso del color y la libertad compositiva, que lo vincula directamente al cine o a la novela gráfica, con encuadres inverosímiles o perspectivas tan auténticas y originales como es la de la visón telescópica.

José Salguero

Salguero ha logrado establecer un lenguaje tremendamente contemporáneo, mediante el perfecto manejo de los códigos visuales propios de los mass-media, que dota a su obra de un elevado rango de legibilidad. Las historias que narra podrían ser comprensibles en cualquier parte del globo. Son universales.

La serie en concreto funciona como una auténtica Horror Movie. Esta pesadilla psicodélica y desbordada sirve al artista para lanzar una mirada demoledora acerca del fracaso del sistema. De cual sería el desastroso resultado si en algún momento, a ese generador infinito de deseo, a esa máquina autónoma de insatisfacción material llamado capitalismo, le fallara alguno de sus engranajes.

José Salguero

Con un discurso eminentemente corrosivo y satírico reclama y utiliza, desde el más sorprendente e inteligente sentido del humor, todos los recursos propios de la figuración, para elaborar un arte político, altamente social pero sobre todo reflexivo, que nos hace cuestionar las estructuras que hasta el momento han sido establecidas como hegemónicas. Pero, y quizás sea esto lo mas importante, interpela nuestra ubicación en el mundo y sobre todo nuestra responsabilidad ante y para con la sociedad que nos ha tocado vivir.

Artista: José Salguero
Fechas: Del 9 de marzo al 6 de abril de 2018
Lugar: Pinacoteca Eduardo Úrculo – Langreo – Asturias

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Las maqueta de Ana de Fontecha llegan a espacioBRUT

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Bajo la consigna de mostrar una mirada diferente, reflexiva, alejada de tendencias y abierta a la belleza, espacioBRUT presenta su nueva exposición: Maquetas de la joven artista Ana de Fontecha (Madrid, 1990).

Ana de Fontecha espacioBRUT

“La generación de espacios y recorridos visuales relacionando el lenguaje del objeto per se con el espacio que ocupa, es tarea fundamental en la obra de esta artista y del proyecto expositivo que muestra. El uso de objetos definidos y prefabricados como límite al espacio más el lenguaje que delimita su propia arquitectura, aquella en la que el individuo cree percibir la idea consustancial de su espacio relativo, constituye un argumento sólido.

Si tuviéramos que definir nuestra percepción acerca de su obra, personalmente la rescataríamos de la nuestra propia. es la que quisiéramos interpretar a la hora de pensar en volumenes, espacios, de diseñar muebles… por ello nos atrajo su trabajo.

El tema gira entre un sutil juego de elementos, de planos que descansan sobre un todo armónico. los troqueles cumplen una función descriptiva sin necesidad de más apoyo que el de su enmarcación austera. las telas arropan las estructuras simples de DM y las dotan de significado dentro de su propia arquitectura, a cualquier escala física… son “telones” que anticipan las formas que cubren sin dejar verlas: ese es el paradigma.

La exposición la componen por un lado las piezas escultóricas, maquetas que dan sentido al título, y por otro, las piezas de cartón, enmarcadas, claves en la lectura final del proyecto. una reflexión donde, consideraciones de tipo conceptual aparte, la belleza es la consecuencia final y con ello nos sobra. Ana de Fontecha es la segunda artista del Estudio Mendoza, de Madrid, que participa en nuestro espacio y que se anticipa a otros dos artistas del mismo estudio, que también presentaremos hasta finalizar la temporada dentro de una experiencia gratificante para nosotros y quizá un reto proyectual para ellos” Braulio R. espacioBRUT.

Artista: Ana de Fontecha
Fechas: Del 2 de Marzo al 4 de Abril de 2018
Lugar: espacioBRUT, Madrid

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“Naturalezas Urbanas” MARCELO FUENTES

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Sin estridencias ni pretensiones, la obra de Fuentes emociona por su sutileza y sugerencias.

Manuel Fuentes (Valencia, 1955) presenta en esta exposición dibujos, en carboncillo y grafito, acuarela y pinturas que representan siluetas de edificios que componen ciudades anónimas, deshabitadas, melancólicas pero no por ello transmite sensaciones negativas. Muy por el contrario, la obra de Fuentes evoca un equilibrio reparador.

Marcelo Fuente

La de Marcelo Fuentes es una pintura serena que atrapa al espectador por el control de los valores de luz sobre siluetas sencillas y controladas, realizadas con trazos anchos pero precisos, provocando juego de sombras, masas y volúmenes. El color atenuado y la riqueza de las texturas evoca infinitud sugerente.

Marcelo Fuente

Su obra se ha ido despojando de los afanes descriptivos a favor de una mayor esencialidad en la potencia abstracta de la propia pintura. Los seres humanos nunca aparecen en su obra y, de ese modo, como espectadores podemos transitar en solitario los espacios pintados, enigmáticos lugares que se resisten a hacer distinciones entre naturaleza y artificio, porque bajo la acción de los pinceles, montañas y edificios pueden compartir una misma sustancia, promover semejantes experiencias estéticas.

Marcelo Fuente

La obra de Marcelo Fuentes se convierte en herramienta y aliada para la creación de sensaciones y emociones

Artista: Marcelo Fuentes
Fechas: Hasta el 10 de abril de 2018
Lugar: Pigment Gallery. Enrique Granados nº 61. Barcelona

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MASER en THE NOMAD CREATIVE PROJECTS

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El artista urbano Maser, originario de Dublín comenzó a pintar graffiti en las calles de Irlanda en 1995. Hoy en dia, es reconocido como uno de los principales creativos del país que trabajan en el ámbito urbano. Su trabajo se ha visto con frecuencias en muchas partes del mundo.

MASER

En sus primeros trabajos, estaba influenciado por la tipografía y los signos hasta mudarse y progresar hacia un estilo único geometrico y abstracto. El trabajo de Maser se inspira del expresionismo abstracto, el postmodernismo, el op art y el minimalismo.

Las formas son simples, nítidas y los colores están reducidos a unos pocos; amarillo, cian, rosa, menta, magenta, azul marino, naranja, rojo, blanco y negro. Las posibilidades de combinaciones son infinitas bajo la mano de Maser.

MASER

El contraste entre el antes y después es impactante. El paisaje urbano inicial desaparece para dejar a la vista un paisaje colorido y vibrante. Los habitantes de estas calles o de las paredes pintadas no pueden dejar de reflexionar sobre la ciudad misma y de cómo se la pueden apropiar. Esta interrupción en el paisaje urbano deja a la gente un tiempo muerto para la contemplación.

MASER

A medida que el arte de Maser se volvió más profesional y definido, las colaboraciones con otros artistas surgieron como el trabajo junto a Damien Dempsey, uno de los musicos más emblematicos de Dublín. Damien Dempsey mezcla folk tradicional irlandés con letras contemporáneas para ofrecer comentarios sociales sobre los aspectos positivos y negativos de la vida irlandesa. Damien Dempsey y Maser crearon el proyecto“ They Are Us” en 2010. En la ciudad de Dublín, aparecieron cientos de mensajes positivos que la “inundaron”. Estas vibraciones políticas, Maser las utilizó en su proyecto “The Repeal the 8th” en el barrio cultural de Dublin , Temple Bar.

MASER

La obra de arte presentaba un corazón rojo sobre un fondo azul con “Repeal the 8th” escrito en su centro hizo eco a la ley que se refiere al derecho a la vida del nonato lo que hace imposible para cualquier gobierno introducir la legislación que permite el aborto más allá de circunstancias excepcionales. Próximamente, un referéndum tendrá lugar en Irlanda sobre esta ley.

MASER

Los trabajos de Maser son una evocación a las emociones y los sentimientos de la sociedad irlandesa. A través de sus diferentes trabajos, Maser intenta distraerles como con su proyecto “Bram Stoker” (2015), una instalación simple en la cual el espectador estaba invitado a participar. A lo largo de los años, crea nuevos escenarios donde la interacción y la comunicación son ejes centrales.

Ahora, Maser les invita a llevar una parte de su trabajo en su hogar y a transformarlo con sus piezas bidimensionales. En su estudio, dedica un tiempo para frenar el frenesí. La narrativa sigue siendo la misma, el interés en las relaciones, cómo el público interactúa con un trabajo abstracto y colorido. Igualmente que la obras al aire libre, Maser desea sacar el espectador de su zona de confort y abrirle a nuevas experiencias.

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Swinton Gallery presenta la primera muestra individual de Kofie en España

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Swinton Gallery presenta por primera vez en España el trabajo de estudio del pionero artista Californiano Augustine Kofie con una exposición en solitario que incluye pintura sobre lienzo, collage sobre madera, y una banda sonora publicada en formato cassette.

Augustine Kofie en Swinton Gallery

Bajo el título MKNZM (Mecanismo), la exposición nos trae a España la estética constructivista, graffuturista del artista. El primer paso para la construcción de la obra consistió en un proceso de tres meses de dibujo mecánico durante el cual Kofie creó una colección de bocetos que se convertirían en la base del collage y la pintura.

Estirar el círculo que ancla gran parte de su trabajo en una elíptica empujó los bocetos en una dirección altamente técnica y mecánica (de ahí el título). Las elípticas comenzaron a funcionar como cinturones, uniendo partes de máquinas conceptuales, evocadas en 2D como mundos paralelos plegables. Combinando material en papel olvidado de origen español (enviado por Swinton) con papel de su extenso archivo habitual, Kofie creó una serie de collage en la que las obras individuales exploran degradados de un solo color, determinados e inspirados por el papel encontrado. Una vez que se estableció la paleta de colores para la exposición en los collages, las pinturas siguieron su ejemplo. Muchos de los trabajos son íntimos, en formato cuadrado, pero la exposición también incluye paneles circulares de madera, parte de la reciente exploración de Kofie sobre formas alternativas y sus soportes.

Augustine Kofie - Swinton Gallery

La banda sonora creada para la exposición por el artista está disponible en www.mixcloud.com/4x4tracktor, y por segunda vez en su carrera, se realizará un lanzamiento físico de estos sonidos en edición limitada en cassette analógico de 60 minutos.

Kofie

Inspirado en los componentes básicos del mundo geométrico, Augustine Kofie (Los Angeles, 1973) ha formado una estética retro-futurista que trasplanta estas formas y ángulos en una forma de abstracción conmovedora, orgánica y altamente matemática. Combinando su educación tradicional con el graffiti, su inclinación hacia “ciertas formas de color y ciertas técnicas de aplicación” con su profundo amor por la ilustración y el diseño preliminar, su afición por “borradores, representaciones arquitectónicas y conceptos de preproducción”, Kofie juega con la forma y la línea, con equilibrio y profundidad, torciendo y manipulando sus murales, sus ilustraciones, sus composiciones, en arreglos siempre nuevos y dramáticos.

Artista: Augustine Kofie
Fechas: Del 23 de Marzo al 27 de Mayo de 2018
Lugar: Swinton Gallery, Madrid

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Puede que esto no le guste a nadie…

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Poca repercusión mediática esperaría el profesor y analista político Robert Kelly de su conexión en directo con la BBC en marzo de 2017. Lo cierto es que, si bien el tema a tratar era la destitución de la presidenta de Corea del Sur Park Geun-hye, el vídeo de esta entrevista entra en el top ten de los vídeos de YouTube más virales de 2017 por un motivo totalmente diferente. Tras un minuto y medio del comienzo de la conexión, en el despacho del profesor se cuelan su hija y su hijo, entuerto que intenta solucionar torpe pero rápidamente su mujer, Jung-a Kim. El vídeo se comienza a propagar por la redes de forma masiva y en torno a él comienzan a darse multitud de debates y especulaciones, pocos relacionados con Corea del Sur y su recién destituida presidenta.

Una trascendencia que no se podía llegar a imaginar el profesor Kelly, como tampoco se podía llegar a imaginar que aquella situación serviría a Alejandro Ginés (Sevilla, 1984) como elemento inspirador para su exposición ‘Puede que esto no le guste a nadie…’, inaugurada en DIWAP Gallery el pasado 8 de febrero. Una perspectiva sobre la información como flujo alterable frente a la información como un conjunto de datos objetivos, veraces y estables. Otro elemento del que se sirve Ginés para construir la línea narrativa de esta muestra es el discurso de Edward R. Murrow durante la recogida del premio de la Asociación de Directores de Informativos para la Radio y Televisión en 1958. Un discurso en el que se pone de manifiesto el poder y el control corporativista que hay detrás de los medios de comunicación. Ambos elementos son utilizados por Alejandro Ginés para dotar de un contexto concreto donde confluyen todos los componentes discursivos de esta exposición.

La obra de Alejandro Ginés suele tratar las prácticas y hábitos del ser humano, analizando los comportamientos y acciones asumidas por la sociedad, tratando de extraer el carácter excepcional de lo tradicional y poniendo en duda lo presupuesto. En este caso el artista pone el punto de mira sobre la información, analizando los elementos que se dan en el flujo de la comunicación en la sociedad actual y los vínculos que se dan entre estos.

En la obra “7-3-11” (una de las más llamativas de la exposición),  Alejandro Ginés nos muestra la emisión de siete cadenas de televisión durante tres días, una imagen cada hora tras once horas consecutivas. La objetividad de este proceso se ve contrastada por la subjetividad del propio artista en un proceso de selección posterior, donde las imágenes capturadas que no hacen referencia a la estricta transmisión de información (series de televisión, películas, publicidad, concursos, etc.) son desechadas. El resultado final de la obra muestra una serie de correlaciones que abre el abanico a multitud de interpretaciones que atenderán a las propias imágenes que se muestran, a la naturaleza de la cadena en cuestión, a la disparidad y similitudes según horarios, etc.

De la información y la comunicación en televisión, el artista traslada el análisis a la relación del individuo con internet, entendiendo éste como la mayor fuente de información a la que cualquier persona puede acceder a día de hoy. Ginés representa esta relación mediante el ratón, un elemento intermediario imprescindible (sobre todo años atrás, cuando el acceso a internet era posible únicamente mediante un ordenador) para dotar de control y libertad al intercambio de información que se produce en la red de redes. No obstante, en esta representación, el artista también busca revelar los límites y la supeditación que truncan la supuesta autonomía del individuo cuando entra a formar parte del flujo de información dentro de internet.

El casete también es tomado como objeto protagonista dentro de ‘Puede que esto no le guste a nadie…’. De forma más sutil y conceptual, Alejandro Ginés utiliza este dispositivo (cuya función es la de reproducir y registrar sonidos) para simbolizar la entrada y salida de información, es decir, la base de la comunicación. Para ello utiliza, por una parte, la captación mediante escaneo de uno de estos casetes en funcionamiento, plasmando el movimiento de su mecanismo interior y de la característica cinta magnética.  Por otra parte, utiliza el casete para plantear una situación hipotética de una paralización completa del flujo de información. Para ello utiliza un casete de bronce que bloquea todo el mecanismo que permitiría registrar o reproducir sonidos. Una conjetura que nos hace reflexionar sobre la inherencia del intercambio de información y de la comunicación en la naturaleza del ser humano. En contraposición, Alejandro Ginés deja entrever su recelo ante el valor comercial que le han otorgado los poderes fácticos a la información y por tanto, del empleo de ésta como mercancía o bien de consumo.

‘Puede que esto no le guste a nadie…’ constituye una línea de trabajo con la que Alejandro Ginés ha podido plantear una serie de introspecciones (tanto sociales como individuales) en torno a la información y su intercambio y el lugar que ocupa en la sociedad actual. Una exposición que, a pesar de su contenido discursivo y narrativo, no renuncia al resultado estético de las obras que la conforman. Asimismo, esta muestra se verá complementada con visitas guiadas-happening (poco usuales) donde la propia comunicación y el flujo de información cobrarán un valor esencial.

Artista: Alejandro Ginés
Fechas: Hasta el 12 de mayo de 2018. La visita guiada-happening tendrá lugar el sábado 17 de marzo a las 12.30h.
Lugar: DIWAP Gallery (Sevilla)

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Un ruido secreto. Fito Conesa

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En el Centro Párraga puede visitarse la exposición individual “Un ruido secreto” del artista Fito Conesa, que propone un recorrido narrativo y teatral, en el que el artista revela su propio proceso de madurez personal y artística. La exposición está compuesta por seis piezas que trazan un recorrido simbólico desde lo objetual, material y musical, hacia lo invisible o lo oculto.

Fito Conesa

En la muestra se pueden descubrir algunos de los temas que vertebran la obra de Fito Conesa: la búsqueda constante en otros lenguajes de lo que no puede ser dicho con palabras, la tensión entre la sexualidad y la culpa o la construcción de una identidad digital.

Fito Conesa

Entre las piezas destaca el vídeo ‘Non Unísono’, una obra que fue grabada íntegramente en el Centro Párraga en 2017 y que, tras su paso por La Casa Encendida de Madrid, vuelve a su lugar de origen como eje vertebrador de esta exposición. En la pieza vemos la actuación de un coro masculino compuesto por adolescentes en proceso de cambio de voz. El artista capta ese momento simbólico o de tránsito personal, el fin de la niñez, a través de un recorrido narrativo y teatral que cuenta su propio proceso de madurez personal y artística, la construcción de su identidad y de un lugar en el mundo.

Fito Conesa

Fito Conesa

Fito Conesa (Cartagena, 1980) ha fraguado su carrera en Barcelona, donde vive desde hace más de tres lustros. Creador y director durante tres años del proyecto para adolescentes ‘Habitació 14/18’, impulsado por el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) y el Centro de Cultura Contemporánea Europea de la ciudad condal (CCCB), en la actualidad está inmerso en la producción de una exposición para la Fundación Miró.

Fechas: Hasta el 18 de marzo de 2018
Lugar: Espacio 2 – Centro Párraga, Murcia

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“Paisajes intuidos (parte1)” de Luis Úrculo

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La Galería ESPAI TACTEL presenta la obra del artista Luis Úrculo (Madrid, 1978). “Paisajes intuidos (parte 1)”, se trata de la segunda exposición individual en su galería valenciana. Licenciado en la ETSAM (2006) y becado en el Illinois Institute of Technology y en el Institute of Design de Chicago, Úrculo vive y trabaja entre Madrid y Ciudad de México.

PAISAJES INTUIDOS _ LUIS ÚRCULO

La formación como arquitecto ha creado siempre una gran influencia en la investigación y desarrollo de su práctica. Interesado en todo lo periférico a la arquitectura, los procesos, desarrollos y planteamientos que pueden ser manipulados, sampleados y traducidos a otras escalas, adaptándose a la composición del proyecto, creando nuevos escenarios no contempladas anteriormente. La ficción, la representación y la interpretación de lo doméstico han sido los espacios base para en el desarrollo de su trabajo.

“Las obras de Úrculo pueden considerarse como rarezas espaciales, en el sentido de deslindarse de la idea de una construcción normativa y/o documental de las misiones espaciales, sino que su trabajo opera sobre la propia extrañeza de estos materiales, a partir de la re-construcción, que no es otra cosa que una ficción sobre lo que ya de por si lo es. Y no es ciencia-ficción, sino la simple idea de la construcción de `lo real´” … “La luna es un white cube, una sala de baile, una colección de readymades abandonados. La luna es un objeto erosionado, un archivo, una maqueta. La luna es un paisaje intuido, un dibujo a carboncillo, el libreto de una coreografiada opereta. Houston, aquí Tranquility Base, Luis Úrculo ha alunizado en Espai Tactel. Ven a dar una vuelta en mi aeroplano y visitaremos al hombre en la luna” Jesús Alcaide. Crítico de arte y comisario independiente.

PAISAJES INTUIDOS _ LUIS ÚRCULO

El trabajo de Luis Úrculo ha sido expuesto en instituciones como el MAXXI (Roma), el Tokyo Wonder Site (Tokyo), el MAC Quinta Normal (Chile), el ArtiInstitute (Chicago), La Casa Encendida (Madrid) o el Museo Metropolitan (New York); y en ferias de arte contemporáneo internacionales como Zona Maco (Mexico), ArteBA (Buenos Aires), NADA Ny (New York) o ARCO (Madrid).

Artista: Luis Úrculo
Fechas: Del 9 de Marzo al 18 de Mayo de 2018
Lugar: Galería Espai Tactel

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¿Estamos solos en el espacio?

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Visitar el proyecto que la artista gaditana Natalia Domínguez (1990) ha producido gracias a la beca Iniciarte en el espacio de exposiciones del PTS (Granada), Greeting to the audience, es hacer un viaje al pasado, a un tiempo en el que los avances tecnológicos entusiasmaban y encandilaban a la sociedad, describiendo un futuro utópico que todavía hoy parece inalcanzable. La carrera espacial que protagonizaron Estados Unidos y la Unión Soviética entre los años 50 y 70, no fue tan solo la metáfora perfecta de la rivalidad cultural entre ambos bloques, sino también la incombustible lucha humana por colonizar el espacio exterior. Un viaje nacido bajo una ideología y unos símbolos plenamente románticos que la historia, y concretamente el cine hollywoodiense, se han encargado de acrecentar. Domínguez rescata algunos de los iconos que protagonizaron esta época, generando una atmósfera retrofuturista compuesta por un conjunto de instalaciones que dialogan perfectamente entre sí.

Natalia Domínguez

En todo este relato de descubrimiento y ampliación de horizontes hay un elemento que cabría destacar: la comunicación, una necesidad propia del ser humano que en la exposición de Domínguez se convierte en el hilo argumental. Sin embargo, no debemos pensar en la comunicación cotidiana, la que se produce cara a cara, sino la que es capaz de atravesar el tiempo y el espacio, y por supuesto, en los elementos tecnológicos que la posibilitan. Así, la primera pieza que nos da la bienvenida, literalmente, al entrar en la sala de exposiciones es una señal luminosa en la que la artista ha recreado el logo de la NASA con la siguiente inscripción “Greetings to de audience” (2017), un mensaje que interpela a quien escucha (el receptor), propio de la jerga televisiva y radiofónica, pero que también juega con nuestro papel como público. Ésta pieza enlaza a la perfección con Voyager I (2017), una maqueta en cartón y madera de la sonda espacial robótica que fue lanzada desde Cabo Cañaveral en septiembre de 1977 con el objetivo de explorar los límites del Sistema Solar y que portaba consigo los celebérrimos Golden Records, una suerte de carta de presentación de la humanidad, un saludo interplanetario que todavía espera la respuesta de una civilización extraterrestre capaz de comprenderlo. En Hola y saludos a todos (2017) Domínguez reproduce en latón esos discos, y los acompaña de una mesa de mezclas en la que podemos escuchar el saludo humano en 55 idiomas. Sin embargo, cada uno estos mensajes queda desactivado debido la aglomeración de los mismos, unos se pisan con otros, lo cual es una metáfora bastante triste ya que si el ficticio disco llegase a buen puerto, sus receptores no podrían entender el mensaje de la humanidad.

Natalia Domínguez

Al descubrir las obras de Natalia Domínguez, vienen a nuestra cabeza iconos de la literatura y el cine como Contact escrita por el astrofísico Carl Sagan (1985), quien narró la recepción ficticia de información de seres de otros planetas a través de grandes antenas parabólicas. También de Sagan es la frase que acompaña a la maqueta o monumento efímero Vogayer I “There were other cultures and there would be future times” (“Ha habido otras culturas y podría haber tiempos futuros”). La artista es consciente de el carácter ficticio que el tema ha suscitado históricamente, y aprovechando el mismo, genera una serie de piezas que juegan con esa ligera fisura que divide lo puramente científico de lo mitológico, o lo que es lo mismo, evidencia la posverdad que ha distorsionado deliberadamente estas realidades. Qué duda cabe que el mensaje luminoso “Warning! This is not a true history”(2018) nos conduce mentalmente al polémico alunizaje de Neil Amstrong, que prácticamente ha dividido a la sociedad en “creyentes” y “ateos”. Otra pieza que nace de ese amor por la ficción retrotecnológica es Black Holes (2017), una serie de 50 juegos de mesa que nos invitan a explorar otras etapas históricas viajando a través de agujeros negros. Situando éstos en medio de la sala a modo de gran almacén de juguetes, la artista nos habla de ese entusiasmo y “cultura del espacio” que inundó en los años 50 y 60 no solo a la sociedad estadounidense, sino también a la europea, y cómo ésta se materializó en el mundo del juguete: pequeñas reproducciones de cohetes, muñecos vestidos de astronautas, robots e incluso aparatos walkie-talkie se convertían en los nuevos iconos infantiles.

Natalia Domínguez

Cada pieza de esta exposición parece haber sido diseñada como el recuerdo arqueológico de una sociedad volcada en el descubrimiento de otros mundos y otros seres, y quizá la pieza más representativa en este sentido sea Archivo de relaciones casuales (2017), un antiguo proyector de diapositivas a través del cual podemos visualizar imágenes que nos hablan del “enamoramiento” que la humanidad experimentó en torno a los años 50 por el espacio exterior, una fiebre que sin duda, estuvo guiada por la necesidad imperiosa de responder a la eterna pregunta: ¿estamos solos en el espacio?

Artista: Natalia Domínguez
Fechas: Hasta el 16 de marzo de 2018
Lugar: Sala de exposiciones del PTS (Granada)

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