Entrevista a Almudena Lobera

Desde que conocí la obra de la artista Almudena Lobera (Madrid, 1984) no he dejado de seguir su trayectoria, ganadora de numerosos premios, entre ellos el Premio Generación 2012, no deja indiferente a nadie. Ahora, he tenido la oportunidad gracias a Open Studio de acercarme a su manera de entender el Arte y de concebir sus obras.

PAC- ¿Cuándo decidiste dedicarte al mundo del arte?

Almudena Lobera – Estudiar Bellas Artes es algo que sentí desde siempre. Entré en la carrera siguiendo ese impulso pero sin tener muy claro por dónde iría mi trayectoria. Algunos profesores, compañeros, lecturas, contextos en los que me fui viendo inmersa fueron llevándome a la situación en la que me encuentro ahora, algo incierta pero también excitante.

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PAC- ¿Cómo definirías tu obra?

A.Lobera – Nunca quedo satisfecha contestando a esta pregunta que ya me han hecho en otras ocasiones. La obra esta definiéndose a sí misma continuamente. Mi trabajo cuestiona la naturaleza de la imagen (no siempre visible) y el lugar del observador en diversos ámbitos y desde diversas formalizaciones. La mirada, los modos de percibir y representar lo visual o lo que puede hacerse visible, el trabajo con la realidad y lo cercano desde la lejanía del pasado, de lo inaccesible o inabarcable… son temas que suelen estar en mis trabajos. Considero la experiencia espacio-obra-espectador como cuestión esencial de mi práctica. Comparto las palabras que Miguel Ángel Hernández-Navarro escribe sobre mi obra en un texto reciente: A través de la puesta en cuestión de la autonomía de las imágenes y de la concepción de un flujo continuo y traducción constante de la experiencia visual, la obra de Almudena Lobera pretende hacer imagen la imaginación y dar forma a aquello que siendo imagen permanece invisible.

PAC- ¿Cuáles son tus influencias o referentes a la hora de crear una pieza?

A. Lobera – Todo lo que percibo desde todos los ámbitos que disfruto; arte, cine, música, educación, literatura, filosofía, viajes…

No siempre trabajo del mismo modo. A veces pienso a partir del objeto/imagen/espacio, otras imagino una experiencia clara con el espectador, otras pienso una idea a la que hay dar forma, visualidad, tangibilidad o planificar un proceso. Suelo conectar conceptos de diferentes contextos, lo que hace que la obra no tenga una lectura unívoca y sea el espectador el que tenga que crear su propio recorrido. Cuestiono siempre la reacción que puede producir mi obra al ser percibida, trato de inquietar al que mira… En mi trabajo me gusta valerme de referentes del pasado que puedo conjugar con los del presente, en imágenes que están en el (in)consciente colectivo. A veces uso referentes o hago guiños a cosas que sé que probablemente no sean fácilmente percibidas por los demás. La obra siempre tiene un «ruido secreto», algo que sólo el propio autor «siente»…

PAC- En series como Procedencia desconocida o Desvelaciones encontramos un imaginario en el que aparecen personajes inquietantes, misteriosos, que nos acercan hacia una visión subjetiva de la realidad. ¿De dónde surgen?

A.Lobera – En Desvelaciones y Desvelatorio surgen de un imaginario personal que resultó como traducción de ideas y conceptos sobre lo infraleve, el inconsciente, la fotografía de lo oculto, lo velado… que fui metabolizando durante el tiempo en que estuve trabajando en ello. En Procedencia desconocida sin embargo fui una intermediaria. Mi labor era llevar las imágenes mentales de otros al papel, historias que los pacientes de una psiquiatra consideraban su verdad y realidad, construían un mundo extraño y fantástico en mis interpretaciones dibujadas.

PAC – En tus obras reflexionas sobre la visión e indagas sobre el acto perceptivo en el contexto artístico. El deseo de ver más allá de las imágenes aunque no se pueda percibir fácilmente por nosotros se pone en evidencia en numerosas obras. Háblanos sobre esto.

A. Lobera – Pienso que el arte ha de generar preguntas. Como explica la Física Cuántica acerca de la percepción y la realidad, por el mero hecho de observar algo, ya lo estás modificando; cada uno con su experiencia perceptiva está creando su realidad. De este modo, la obra exhibida está irremediablemente destinada a ser completada por el espectador. Trato de recalcar este hecho. Trato que la obra suscite tanto una lectura como una experiencia real con ella, ya sea física o mental. Como espectadora disfruto con los devaneos que me provoca el juego poético, la alternativa visual y el misterio de las obras que admiro. La superficie siempre es un interface hacia un más allá.

PAC- El marco se convierte en protagonista de tus obras. ¿Qué papel juega en ellas?

A. Lobera – Me interesa el marco como delimitador de la imagen y del espacio de representación (real o representada) y como imagen en sí misma. El marco como imagen en sí… El marco como acceso a… Sartre señaló que la imagen está destinada a alcanzar, en su corporeidad, un objeto ausente o inexistente. Su calidad es de «representante análogo del objeto» y su contenido es una experiencia psíquica (física o no)… El marco que aparece en mis piezas delimita tanto espacios físicos y visibles como lo contrario. Existe siempre un carácter de permanencia (del marco) e impermanencia (de su contenido), un «estar yéndose» de la imagen que la ubica en ese lugar entre.

PAC- El propio espectador de las obras se convierte en ocasiones en sujeto activo de las piezas. Obras como You remain here o Lugar entre, aparecen como una obra viva, en la que los actores aparecen y desaparecen…

A. Lobera – Actores, tú lo has dicho. En ocasiones lo que «represento» cobra un carácter de teatralidad donde tanto la obra como los espectadores se representan a sí mismos. Se juega con esa permanencia-impermanencia de la que hablaba y, al mismo tiempo, permito que la obra no tenga una única imagen de sí misma, su apariencia depende de quien la mire, de quien se refleje, de quien se enmarque en ella, ¡de quien la porte! (como ocurre en Portadores). También sucede en Un espectáculo para la vista, donde la realidad se muestra tras el marco de la ficción, de la representación, pero no deja de ser un ahí y un ahora supeditado a la actividad de los que allí se encuentran.

PAC- En el proyecto Portadores, que realizas junto a Isabel Martínez Abascal, vais un paso más allá al cuestionar el soporte de la obra, así como la idea de posesión de una obra de arte, al utilizar el cuerpo humano como material artístico… Háblanos sobre este proyecto.

A. Lobera –  Portadores surge como una reflexión sobre el dibujo como objeto-obra comerciable, algo íntimo y único que al venderse pasa a pertenecer a otro y a «perderse de vista»… En realidad eso sucede con cualquier obra, pero el dibujo para mí es algo más personal y fue una sensación extraña y contradictoria la que tuve al vender mis primeros trabajos. Es por ello que me pareció interesante la idea de que mis dibujos fueran impregnados en la piel del que los adquiere, que su compromiso con la imagen fuera casi tan fuerte como el mío y que se convirtiera en soporte e incluso tuviera parte de autoría al condicionar la imagen con su cuerpo. A Isabel, arquitecta, también le resultaba estimulante esta otra experimentación entre lo bidimensional y el espacio real. La sencilla idea inicial desembocó en un proyecto que finalmente toca muchos temas. Portadores habla de la pérdida de las imágenes, tanto de mi control como autora, como de su materialidad, son obras permanentes y efímeras al mismo tiempo. Me interesa ese carácter de inaccesibilidad que le otorgo a esas imágenes que acaban siendo conocidas a través de reproducciones, de «representantes análogos», pero que en original sólo muy pocos pueden ver, y los que las vean pueden ni saber que pertenecen a un proyecto artístico. Es un poco lo que sucede también hoy en día; conocemos más a los artistas y sus obras por reproducciones fotográficas que vemos en la red y en libros. Creo que es interesante también el hecho de que sean imágenes en continua transformación, desde el modo en que se crearon hasta su irremediable desaparición y de que no se puedan considerar «objeto» por el hecho de estar hechas sobre un «sujeto» vivo. Este proyecto ha sido una gran experiencia personal al trabajar en una dinámica relacional y colaborativa que no había experimentado con anterioridad.

PAC- ¿Qué significa el arte para ti?, ¿cómo ves la situación del arte actual español?

A. Lobera – El arte para mí es una forma de vida. No puedo pensar en no estar en ello. Siento algo parecido a lo que el artista Mauro Vallejo expone en su obra Monomanía/V.V.V.V.V; el arte se convierte en una obsesión y empieza a ocuparlo todo, «te vampiriza» y una vez que has sido mordido ya no hay marcha atrás. Permanentemente veo y pienso casi todo desde una perspectiva artística, acumulando imágenes y momentos que puedan inspirar mi trabajo y disfrutando de las manifestaciones artísticas de otros. Es una fuente de aprendizaje y estimulación de los sentidos y del conocimiento. La situación del arte español quiero verla desde un punto de vista optimista, pese a todo lo negativo que estamos viviendo en los últimos tiempos, en nuestro país hay gente muy buena, con grandes ideas, proyectos, ilusión y ganas de trabajar. No sólo me refiero a artistas, sino también a docentes, críticos, galeristas, comisarios, investigadores, gestores, mediadores, etc. Falta sensibilización por el público en general, que a nivel institucional existiera un verdadero interés por promocionar fuera el arte que se está haciendo aquí o se valorara como se valora el arte de siglos pasados o el importado. Es necesario un cambio fuerte en las raíces, en la educación… se necesita tiempo para ello.

PAC – Para terminar, ¿cuáles son tus proyectos futuros?

A. Lobera – Por un lado estoy trabajando en proyectos que continúan con la línea relacional iniciada en Portadores, proyecto que se llevará próximamente a Panamá y México. Paralelamente estoy realizando otros trabajos continuando con algunas ideas planteadas en mi exposición Lugar entre.

PAC – Almudena, muchas gracias por tu colaboración y suerte en tus futuros proyectos.

Etiquetas: Almudena Lobera Última modificación: 7 septiembre, 2023