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“Acaso un bodegón” en Di Gallery

Written by: Oscar Garcia Garcia • 14 octubre, 2020

La galeria sevillana Di Gallery inaugura temporada presentando la exposición colectiva “Acaso en bodegón”. La muestra está comisariada por Juan Cruz y Guillermo Amaya Brenes.

En “Acaso un bodegón’ confluuyen los trabajos de Luis Gordillo, Fernando Parrilla, Paco Pérez Valencia, Raquel Serrano, Alejandro Botubol, Seleka Muñoz y Pablo Padilla con una clara intención: declarar la muerte de la dicotomía arte gurativo-arte abstracto. Un manifiesto intergeneracional en el que se evidencia el desvanecimiento de la superflua dualidad entre lo abstracto y lo gurativo en los procesos de las prácticas artísticas actuales, abriendo nuevos caminos en los que articular dichas prácticas.

Artistas: Luis Gordillo, Fernando Parrilla, Paco Pérez Valencia, Raquel Serrano, Alejandro Botubol, Seleka Muñoz y Pablo Padilla
Comisarios: Juan Cruz y Guillermo Amaya Brenes.
Fechas: Inauguración 15 de octubre de 2020
Lugar: Di Gallery, Sevilla

“La espera” de Diana Velásquez

Written by: Sara Torres Sifón • 14 octubre, 2020

Diana Velásquez es una de las artistas protagonistas del Circuito de la XIX Generación AlNorte, actualmente podemos visitar su proyecto “La espera” en el Patio Corintio de Laboral Ciudad de la Cultura.

La artista nos explica que esta instalación parte de una investigación acerca de la espera como fenómeno protagonista en la sociedad contemporánea. “Las largas colas contienen las dificultades del sistema para hacer frente a las problemáticas sociales, económicas, sanitarias etc., son un reloj detenido en el que son lanzados, no sólo los esfuerzos concretos de quienes esperan, sino sus aspiraciones, su angustias y deseos. Esperamos no sólo para subir al avión o en urgencias. En la actualidad nuestras esperas están ligadas a cuestiones más vitales como comprar comida (Venezuela), pedir asilo en Grecia o Italia (los sirios), tener acceso a un comedor social (España)… Y en esta medida la espera hace parte de la manera en que la clase media ve cada vez más limitados sus derechos y sus oportunidades.“

Este interés de Diana Velásquez por la espera y lo que la rodea, lo pudimos ver en la exposición “¿Paz en las mesas?” en el Museo de Arte Contemporáneo de Bógota donde expuso “En la cola”, una pieza que alude a la clase media que se ve enfrentada a fenómenos sociales y políticos que menguan sus derechos. La cola es un lugar de encuentro de la precariedad y de la ruina de gente que antes tenía acceso al trabajo, a la comida, a un hogar y que hoy se enfrentan a una larga espera para alcanzar estos derechos.

La instalación creada para LABoral relaciona su investigación con la pandemia del COVID-19. El proyecto reflexiona sobre aquellos que por su edad y esperanza de vida tuvieron que esperar sin más, entendiendo la espera como una frontera indeterminada que nos separa del feliz desenlace.

Los diez personajes que forman parte de esta instalación creada site-especific para Laboral, son todos personas mayores que mientras esperan miran hacia el Hospital Universitario de Cabueñes, situado no muy lejos del lugar expositivo, esperando su destino.

Fechas: Hasta el 31 de octubre de 2020
Lugar: Laboral Ciudad de las Artes, Gijón

Victoria Miro presenta “Flowered Songs and Broken Currents” de María Berrío

Written by: Alba Herrero • 13 octubre, 2020

La galería Victoria Miro reúne con Flowered Songs and Broken Currents el nuevo trabajo de María Berrío (Bogotá, 1982). La primera individual en el Reino Unido de la artista colombiana aborda el dolor después de la catástrofe, y explora tanto la devastación de la pérdida, como la resiliencia de la humanidad a través de una serie de obras a gran escala meticulosamente realizadas a partir de capas de papel japonés.

La artista, residente en Brooklyn, Nueva York, es conocida por sus intrincados y oníricos collages, que evocan mitos y cuentos de hadas, y a menudo reflexionan sobre cuestiones sociopolíticas contemporáneas, en particular sobre las conexiones entre las diferentes culturas y la migración global desde el prisma de su propia experiencia.

Desde que, a finales de 2019, empezara a sentirse intrigada por los oscuros relatos de catástrofes ambientales y políticas de los pequeños pueblos pesqueros de su Colombia natal, Berrío comenzó a investigar lo que había detrás de estos relatos, encontrando verdaderas historias de superación y esperanza. Éstas le inspiraron para crear un ficticio pueblo pesquero, en palabras de la propia artista, “impregnado por el lenguaje y el mito del realismo mágico”.

Pensada inicialmente como una exposición que girase en torno a la idea de la superación de la catástrofe, pronto se abrió al exterior como respuesta a una catástrofe mundial. “Cuando la pandemia de coronavirus surgió y arrojó el año 2020 a la confusión, las líneas que delimitan mi aldea imaginaria de la realidad en la que vivo parecieron difuminarse y desdibujarse”.

“Ni totalmente reales, ni totalmente imaginarias” dice Berrío de sus pinturas a gran escala, que nos trasladan a un pueblo que ha sido testigo de la tragedia. Las escenas muestran interiores estériles en los que se sitúan las mujeres y niños en duelo después de la catástrofe.

A diferencia del resto de obras expuestas, Miracles of Ordinary Light (2020), es la única pieza de la muestra donde la figura humana está ausente, totalmente reemplazada por la naturaleza. En esta escena, Berrío habla una vez más de la resistencia y la fortaleza que la pérdida exige a los vivos que quedan tras la tragedia. “Este árbol, como todos los árboles, así como todos los pájaros, montañas, estrellas y personas, vivirá, morirá y renacerá de nuevo. Incluso cuando nuestra especie complete su paso por el universo, el mundo seguirá girando, el ciclo persistirá indomablemente. Nuestro lugar en este maravilloso continuo es razón suficiente para la esperanza”.

Flowered Songs and Broken Currents nos muestra una visión de lo que hay tras la certeza, la esperanza.

Artista: María Berrío
Fechas: Hasta el 27 de noviembre de 2020
Lugar: Victoria Miro, Londres (Reino Unido)

“Camino de cintura”, arte argentino en la galería Kreisler

Written by: Oscar Garcia Garcia • 13 octubre, 2020

Los artistas Franco Fasoli, Nicolás Romero, Octavio Garabello y Santiago Paredes presentan “Camino de cintura” en la galería Kreisler de Madrid.

No suele ser habitual que cuatro artistas argentinos que viven en muy distintas latitudes, jóvenes pero de consolidada trayectoria internacional, se junten bajo el mismo techo de una galería. Sin embargo, tomándole la palabra a uno de nuestros protagonistas, “el camino más obvio es mala palabra”.

La muestra “Camino de cintura” está formada por las obras de Franco Fasoli –todas con una raíz en común: la exploración del papel como método pictórico, tratando collages y pinturas en pulpa de papel; de Nicolás Romero (Ever), quien cuenta con un fantástico mural en el barrio de Lavapiés y que aquí nos ofrece una colección de obras basadas en elementos autobiográficos; de Santiago Paredes, artista que bebe del diseño y la moda en obras de carácter musical; y Octavio Garabello, afincado en Berlín, y sus retratos cotidianos, que esconden siempre una historia detrás.

Los cuatro, unidos por el lazo de la amistad, utilizan un vestigio de la ciudad de Buenos Aires –el Camino de Cintura- como metáfora de su propio recorrido de búsqueda en esta exposición.

Artistas: Franco Fasoli, Nicolás Romero, Octavio Garabello y Santiago Paredes
Fechas: Del 2 de octubre al 3 de noviembre 2020
Lugar: Galería Kreisler, Madrid

NIÑO DE ELCHE. Auto Sacramental Invisible: Una representación sonora a partir de Val del OmarNIÑO DE ELCHE. Auto Sacramental Invisible: Una representación sonora a partir de Val del OmarNIÑO DE ELCHE. Auto Sacramental Invisible: Una representación sonora a partir de Val del Omar

Written by: Sara Torres Sifón • 13 octubre, 2020

En el marco del programa Fisuras, el Área de Colecciones del Museo Reina Sofía ha emprendido, junto con Niño de Elche (Francisco Contreras, Elche 1985), el proyecto Auto Sacramental Invisible. Una representación sonora a partir de Val del Omar.

La propuesta concebida por el artista ilicitano se inspira libremente en la obra Auto Sacramental Invisible realizada a principios de la década de los 50 del siglo pasado por José Val del Omar (Granada, 1904 – Madrid, 1982), uno de los autores fundamentales de la Colección del Museo. El resultado final incorpora, en una compleja síntesis, componentes teatrales y musicales que, en la interpretación propuesta por Niño de Elche se manifiestan a través de una pluralidad de voces que se orientan simultáneamente tanto hacia la España de 1952 que vio nacer la obra original, como a este año 2020 en que el Museo Reina Sofía acoge, en primicia, su presentación en el Espacio 1 del edificio Sabatini hasta el próximo mes de abril.

Niño de Elche es uno de los artistas más heterodoxos del panorama cultural nacional. Reconocido por su faceta principal como cantante, su trabajo engloba la búsqueda de nuevas propuestas para conseguir aunar disciplinas tan dispares como el flamenco, la performance, la música electrónica o el rock. De ahí sus colaboraciones con bailaores como Israel Galván, grupos de rock instrumental como Toundra o bandas tan representativas como Los Planetas, con los que creó el grupo “Fuerza nueva”. Actualmente está inmerso en un proyecto global basado en la investigación del legado sonoro de Val del Omar, del que ésta relectura personal que presenta en el Reina Sofía es una parte destacada.

Origen del Auto Sacramental Invisible de Val del Omar

En el año 1949 Val del Omar comienza a componer el Auto Sacramental Invisible a modo de instalación sonora, y en 1952 se presenta de manera parcial en el Instituto de Cultura Hispánica (ICH). Concibe este dispositivo en perfecta articulación con un elaborado guion que distribuye minuciosamente el sonido (voces, músicas, ruidos diversos…) a través de más de una decena de altavoces, lo que supone una propuesta artística con un desarrollo tecnológico muy avanzado para la época. Además, se considera como una suerte de «eslabón perdido» dentro de la evolución estética de su obra. “Desde el año 2014 vengo entablando diferentes acercamientos a la obra siempre inacabada y, por ende, abierta de Val del Omar.

Aproximaciones que en su mayoría fueron formalizadas como improvisaciones vocales inspiradas en la rítmica visual generada, sobre todo, de sus variados y valiosos ejercicios fílmicos registrados en formato Super-8. En cambio, y a lo que se refiere a mi desbordamiento vocal y sonoro, mi práctica consistía en diversos intentos o ensayos de mimetizar las bandas sonoras valderomarianas con la maquinaria de mis voces, lo que podría ser considerado como una experiencia cíborg”, explica Niño de Elche.

El Auto supone la culminación de los experimentos en electroacústica (el almacenamiento, la amplificación o transformación, y la repetición del sonido a partir de medios eléctricos) a los que Val del Omar dedicó buena parte de la década de los años cuarenta, e introduce algunas de las preocupaciones que marcarán su producción cinematográfica durante las siguientes décadas.

El montaje final que se puede ver ahora en el Reina Sofía consta de dos partes bien diferenciadas. Por un lado, una primera sala de contextualización histórica y documental alrededor de la creación del Auto Sacramental por parte de Val del Omar, de la que se ha encargado Lluís Alexandre. Se exhiben dos páginas de uno de los cuatro guiones que hizo el artista con notas y apuntes a mano que intentaban explicar de manera concreta como había que articular la voz para conseguir la tonalidad deseado “acto primero: voces resonantes con un tono envolvente” son algunas de las frases que se pueden leer en sus guiones. Pero como reconoce Niño de Elche “sus metáforas poéticas son imposibles de llevar a la realidad, de ahí que haya hecho una reinterpretación libre”.

Continuando el recorrido de esta sala encontramos invitaciones de aquella presentación del año 1952, fotografías de la revista del ICH de cuando se inauguró el edificio, los libros que tenía Val del Omar relacionados con asuntos del sonido y la música (Ciencia y música), patentes de marca de varios inventos que realizó o los documentos que muestran los encargos que hizo para Radio Nacional de España, donde trabajó entre 1946 y 1949. También vemos material gráfico que demuestra la importancia que tuvo para la difusión de la propaganda política la utilización del sonido.

Este primer espacio expositivo nos explica además, cómo funcionaban las Misiones Pedagógicas de la época en la parte relacionada con el sonido, de las que formó parte el creador granadino. Los integrantes de las Misiones iban a los pueblos con material para poder reproducir la música y las canciones populares con el fin de acercar ese acervo cultural a todo tipo de públicos. Para ello utilizaban un gramófono que indistintamente servía para escuchar la música o para grabar la manera de hablar de los habitantes que visitaban.

El segundo espacio es la instalación sonora que ha realizado Niño del Eche a partir del trabajo de Val del Omar. Niño de Elche y su equipo han partido de los guiones originales de Val del Omar para hacer una relectura y crear su propia versión de aquella pieza. No hay referencias de la parte musical de la presentación parcial que hubo en el año 1952 en el ICH, por lo que ha actuado con total libertad para incluir versos suyos o frases que aparecen en los guiones y que ha readaptado.

Fechas: Hasta el 26 de abril de 2021
Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

La cosa del pantano: crítica(s) y poética(s) desde la aberración. INÉDITOS 2020

Written by: Victoria Arribas Roldán • 12 octubre, 2020

LA COSA DEL PANTANO: CRÍTICA(S) Y POÉTICA (S) DESDE LA ABERRACIÓN, forma parte de la decimonovena edición de Inéditos 2020 y está comisariada por Núria Montclús (Barcelona, 1985). Inéditos es la muestra que reúne los proyectos expositivos de dos comisarios menores de 35 años; la otra muestra que forma parte de esta edición es: Cosas que nunca sucedieron aunque existen desde siempre, comisariada por Raquel G. Ibáñez (Madrid, 1989).

El doctor Alec Holland despertó transformado en la Cosa del Pantano tras una explosión intencionada en el laboratorio donde desarrollaba una fórmula biorrestaurativa junto a su colega y esposa, la doctora Linda Holland. Desde entonces, convertido en una masa humanoide hecha de vegetación y dotada de consciencia busca venganza por el asesinato de su amada y lucha contra la (auto)destrucción medioambiental del planeta.

A pesar de lo actual que pueda parecer esta historia, los primeros relatos sobre el personaje fueron creados en Estados Unidos por Len Wein (guionista) y Bernie Wrightson (dibujante) entre 1971 y 1972, justo en el momento en el que surgía lo que hoy se conoce como “la primera ola” del ecologismo contemporáneo occidental, que también tuvo su reflejo en diversos artistas visuales del momento. Trabajando cerca o bajo el paraguas del denominado “arte conceptual”, poco a poco empezaron a relacionarse de otro modo con su entorno, incorporándolo y reivindicándolo a la vez como elemento estético y crítico-político.

La Casa Encendida. Inéditos 2020 – Elena Bajo

Así, las obras de Maria Thereza Alves, Elena Bajo, Luna Bengoechea, Joaquín Fargas, Bárbara Fluxá,Lara Fluxà, Basim Magdy y Joana Moll constituyen a su manera “una Cosa del Pantano” actualizada a la realidad de nuestro tiempo; A través de naturalezas muertas alteradas, surgidas de la intervención humana, estos artistas son capaces de resaltar la fragilidad de nuestro hábitat y cuestionar las alteraciones del medio provocadas por el desarrollo del sistema capitalista neoliberal.

La Cosa del Pantano: crítica(s) y poética(s) desde la aberración, establece un paralelismo con el superhéroe del cómic La Casa del Pantano y la realidad del siglo XXI.

Artistas: Maria Thereza Alves, Elena Bajo, Luna Bengoechea, Joaquín Fargas, Bárbara Fluxá,Lara Fluxà, Basim Magdy y Joana Moll
Fechas: hasta el 10 de enero de 2021
Lugar: La Casa Encendida, Madrid

Woman Art House: Ouka Leele

Written by: Yasmina García • 9 octubre, 2020

Bárbara Allende Gil de Biedma, más reconocida bajo su seudónimo Ouka Leele, despertó en el mundo de arte con su vocación a la pintura, al tiempo que acudía al Photocentro de Madrid para aprender fotografía. Tras publicar sus primeros trabajos en un libro llamado Principio, comenzó a exponer en 1978. Sus fotos eran habitualmente en blanco y negro, y al serle encargada una fotografía en color para una portada, decidió inventar ella misma el color de la imagen. Fue así como empezó a colorear sus instantáneas, aunando su vocación de pintora con la fotografía.

Ouka Leele – Autorretrato con agua, 1980

Fue una de los protagonistas principales de la Movida Madrileña a comienzos de la década de 1980, cuando comenzó su actividad expositiva. Sus primeras obras se distinguen por la combinación de elementos pop y neodadaístas con una gama de colores ácidos e intensos. Autora de diversos libros en los que combina sus imágenes con sus propias poesías, Ouka Leele se ha dedicado también al diseño de objetos. Considera la fotografía como poesía visual, un lenguaje con el que poder hablar sin palabras que le hizo merecedora en el año 2005 del Premio Nacional de Fotografía.

Pero Ouka Leele no es solo la que pintaba fotos, siempre había una historia detrás, una composición, una técnica. “Yo estaba filosofando a través de esas fotos, hablando de cosas como el amor y la muerte.”

Sin pelos en la lengua, habla sobre temas relacionados con la violencia de género que ella misma sufrió: “La fotografía fue una salida porque la pareja con la que estaba me prohibía pintar. Y yo dejaba que me lo prohibiera. Era la ley del terror: ‘como pintes, te vas a enterar’. Y eso me empujó a la fotografía, porque no le molestaba tanto. Y pinté la fotografía para poder pintar.”

Si le preguntas sobre el papel de la mujer en el arte, Ouka Leele lo tiene claro: “La mujer en el arte sabemos todos que ha estado escondida”. En cuanto a la fotografía sostiene que la mujer lo tiene todavía más complicado, “Tenemos que dar muchísimo para conseguir el mismo nivel, para conseguir que nos paguen lo mismo, que nos traten igual. Damos mucho, trabajamos mucho, somos como heroínas. Creo que el arte no tiene género, que todos por dentro somos masculino y femenino.”

Ouka Leele nos habla y reivindica la mística-doméstica, pues para ella cualquier cosa que hagas hay que hacerlo como lo mejor que puedas hacer en ese momento, ya sea limpiar un vaso o cocinar. A esto se refiere que hay que amar lo que haces, siempre y cuando no sea una obligación. “Una cosa es que tú alcances la espiritualidad zen limpiando un vaso y otra muy distinta que se te imponga.”

Cabe destacar su primera serie fotográfica “Peluquería”, con la que conquistó con rotundidad al público de la Movida Madrileña. Una serie de surrealistas retratos en blanco y negro coloreados con acuarelas líquidas, donde todos los sujetos lucen estrambóticos tocados.

Además, ha sido artífice del cartel para la película de Julio Medem ‘Habitación en Roma’, o los diseños de los sombreros de la película ‘Laberinto de Pasiones’, de Almodóvar.

En el año 1987 paralizó el pleno centro de Madrid para realizar la famosa fotografía “Rapelle-Toi, Barbara”, inspirada en el mito de Atlanta e Hipómenes. Veinte años más tarde, con el objetivo de concienciar a la sociedad contra los malos tratos, llevó a cabo en la misma localización el proyecto Revive Cibeles. Consistió en una performance en la que los hombres iban vestidos de negro, simbolizando la muerte; las mujeres de rojo, como la sangre; y los niños de blanco, en representación de la pureza.

Además, extendió su ámbito de actuación hacia otras disciplinas artísticas como el dibujo, la serigrafía, la pintura y la literatura, y ha sido elogiada por la crítica con numerosos premios y galardones. “La Mirada de Ouka Leele” fue nominada como mejor largometraje documental en los Premios Goya 2010.

Como Virginia Woolf en “Una habitación propia”, a día de hoy, Ouka Leele persigue el sueño de tener un cuarto donde sólo poder pintar. “Es como que yo amo la pintura y la fotografía me ama a mí”.

El próximo domingo conoceremos el trabajo de Georgia O’Keeffe de la mano de Beatriz Pereira. ¡No os lo perdáis!

Alicia Martín presenta “Disonancia” en el Museo del Romanticismo

Written by: Victoria Arribas Roldán • 9 octubre, 2020

El Museo del Romanticismo se suma a la XXIII edición del Festival PHotoESPAÑA y lo hace con la muestra Disonancia, de la artista madrileña Alicia Martín. La muestra, comisariada por Olivia María Rubio acoge una propuesta multidisciplinar que plantea un conjunto de disonancias, una serie de tensiones o desarmonía de ideas, creencias y emociones que están en conflicto, en el contexto del Romanticismo español. Para ello, la artista establece una relectura de leyes escritas, centrándose en el libro de Luis Lamas y Varela (Manual de todas las asignaturas que constituyen la Facultad de Derecho, 1868), representándolo como un muro de libros en tensión de caída, en un vaivén de desplome y reconstrucción.

Nos presenta también un hecho histórico, la celebración de la Exposición General de Filipinas en el parque del Retiro de Madrid en 1887, que entonces era colonia española. A través de estos elementos, Alicia Martín nos habla de las leyes que se aplicaron en un momento crucial de la historia de las revoluciones españolas; del libro como metáfora del cambio social que sucede entre un movimiento político, ideológico, cultural, y el siguiente; y de la mirada que se proyecta hacia esa “otra realidad”, a lo “exótico”, mediante la reproducción de la vida y costumbres de los filipinos en el parque del Retiro, que representa el atraso y salvajismo frente a la modernidad.

Alicia Martín es una artista multidisciplinar que trabaja con la escultura, la fotografía, el vídeo, la instalación y el dibujo, siendo las intervenciones específicas con libros el campo en el que más ha desarrollado su trabajo, obteniendo un gran reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional.

Durante los últimos diez años ha expuesto en instituciones y ferias como ARCO, Le Creux de L’Enfer, Casa de América, Museo Lázaro Galdiano, Museo delle Arti di Catanzaro, Museo Meermanno Den Haag, Fondazione Musica perRoma o Librerías Gandhi en México DF, entre otras.

Artista: Alicia Martín
Fechas: Del 15 de octubre al 13 de diciembre de 2020
Lugar: Museo del Romanticismo, Madrid

Guillermo Ros y Paco Chanivet en Espai Tactel Toormix

Written by: Oscar Garcia Garcia • 9 octubre, 2020

Comienza la temporada de Espai Tactel Toormix Barcelona con la exposición Però no tinc temps… formada por los artistas Guillermo Ros (Valencia, 1988) y Paco Chanivet (Sevilla, 1984).

“Tanto Guillermo Ros como Paco Chanivet comparten una necesidad productiva: entender el material. Ambos necesitan verse afectados por los recursos y los procesos utilizados. A su vez, esta afección comporta en una contaminación sobre el material a transformar. Esta transformación conlleva a un recogimiento con el que pretenden sincerarse con la propia producción. En su proceso de control sobre la materia suelen verse desbordados por el contexto. Sus trabajos permean con los ritmos vitales y profesionales en los que habitan. Fuerzas externas como el ritmo del realismo capitalista se convierte en un látigo que golpea sus obras y causa unas cicatrices que ambos prefieren no ocultar. Sin caer en la trampa de la romantización de la precariedad, Paco y Guillermo, proyectan no solo una serie de imaginarios ficticios, sino un posicionamiento situado frente a su contexto profesional. Esto se resuelve a través de la construcción de un universo de referencias simbólicas autobiograficas y contextuales que hablan y apelan al sistema artístico y a sus políticas.”

“Los dos artistas entienden la exposición como un fragmento de un universo que queda fuera del marco expositivo. En un tipo de narrativa mucho más relacionada en la construcción del Lore que de una linea argumental cada objeto, gesto o característica insertada juega un papel en el transfondo de un universo narrativo. Texturas que remiten a las canteras donde fue adquirida la piedra, reminiscencias gestuales de antiguos monumentos tallados en piedra en Egipto, metáforas irónicas sobre su identidad… No hay un gesto gratuito, este es un punto crucial en el lenguaje de los dos artistas, cada objeto se hilvana dentro de una coherencia metalingüística, autoreferencial o narrativa.” Carles Àngel Saurí.

Artistas: Guillermo Ros y Paco Chanivet
Fechas: Del 17 de septiembre de 2020 al 7 de enero de 2021
Lugar: Espai Tactel. Toormix (Barcelona)

Pattern Reveal de Isabel Flores

Written by: Sara Torres Sifón • 8 octubre, 2020

La artista Isabel Flores expone Pattern Reveal, una gran instalación site-specific creada para la Sala Santa Clara de Mérida. En el espacio podemos ver grandes pinturas murales en las que la artista reproduce motivos típicos del ornamento extremeño, así como el salto de estos motivos a unas grandes gasas serigrafiadas, revelándonos un patrón geométrico que va evolucionando junto al espectador y las diferentes perspectivas desde las que se enfrenta a la instalación.

Beatriz Pereira, comisaria de la exposición, explica que la artista “transforma el espacio envolviendo al espectador en un montaje plástico, casi teatral, que se puede recorrer y cuyas formas y colores varían junto al punto de vista y los cambios de luz. No ves la misma pieza cada vez que recorres la instalación, pues factores como sombras y movimiento actúan sobre ella transformándola en un juego visual efímero y subjetivo. Cada experiencia será única, en un contexto que la artista estudia e interpreta, donde la pintura, lejos de sujetarse al marco, lo traspasa recorriendo el ambiente; creando reflejos y dibujando el espacio habitable que se proyecta sobre quien lo habita en ese momento.

Vista de la instalación ©Beatriz Pereira

Isabel Flores trabaja el ornamento en un proceso evolutivo que le ha llevado de la repetición a la ampliación. La forma de la tela se traspasa al muro. El ornamento se torna a la figura abstracta más simplificada, un acercamiento a las teorías pictóricas del artista Ellsworth Kelly, donde la saturación de color prima en la forma que varía hacia un incipiente minimalismo. El muro, como soporte, se deja entrever en los intersticios entre los cuerpos. Lo absorbe y lo lleva de la tridimensionalidad de la tela a la forma plana.“

Fechas: hasta el 27 de noviembre de 2020
Lugar: Sala Santa Clara, Mérida