Visit Sponsor

Retrospectiva de Fernando Bellver

Written by:

Tabacalera Promoción del Arte acoge hasta finales de agosto la exposición titulada “Bellver. Vida pasajera” una muestra retrospectiva dedicada a Fernando Bellver, galardonado con el Premio Nacional de Gráfica en el año 2008.

Fernando Bellver

La exposición, comisariada por Felipe Hernández Cava, nos ofrece un recorrido por los últimos treinta años de la producción artística de Bellver, un viaje a su universo a través de más de ochenta obras, entre las que destacan veintidós extraordinarios aguafuertes, sus óleos, esculturas y las cajas de luz o lentegrafías.

En todas ellas, la realidad se comporta como una ficción y a la inversa, son un guiño a las idas y venidas de los grandes pensadores dadaístas que, durante la Primera Guerra Mundial, quisieron acabar con cualquier sistema lleno de coherencia y sentido. En esta exposición se encuentra un homenaje a los principios en que se basó Cabaré Voltaire, donde la apología de la confusión es utilizada por Bellver como un síntoma de un proceso que hoy en día es difícil de interpretar y enjuiciar.

Fernando Bellver

Bellver, rechaza la fábula de la creatividad del artista e ironiza sobre el mito del artista creador, lo que le sirve para conformar su propia leyenda, su propio personaje. Defiende que el arte es algo sin trascendencia, una burla capaz de alejarnos de la seriedad de la vida. Su obra, realizada con una destreza técnica deslumbrante, muy en especial en sus grabados, se construye a partir de lo que han creado otros, reciclándolo, mezclándolo y enfrentándolo.

Fechas: Hasta el 28 de agosto de 2016
Lugar: La principal – Tabacalera Promoción del Arte, Madrid

Read More

The sky over nine columns de Heinz Mack

Written by:

La Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia acoge la instalación titulada “The sky over nine columns” del artista alemán Heinz Mack. El proyecto, comisariado por Kosme de Barañano, está formado por nueve columnas simétricas, de más de siete metros de altura cada una, recubiertas por 850.000 teselas doradas, creando una escultura de luz.

Heinz Mack

La instalación llega al lago su del Hemisfèric de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, tras estar emplazada en la isla de San Giorgio Maggiore en Venecia durante la Bienal de 2014 y en el jardín de esculturas de Sakip Sabanci Museum de Estambul.

Heinz Mack tiene un fuerte interés por explorar la luz pura en zonas que poseen una naturaleza virgen. El 1959 Mack esbozó el llamado Sahara–‐‑Project, que llevo a cabo en el desierto africano entre 1962 y 1963. En distintas ocasiones, instaló un “jardín artificial” en el desierto formado por espejos, cubos, carteles y monumentales estelas de luz. Estas prácticas experimentales sobre la fuerza de la luz en diferentes objetos fueron documentadas en la película Tele–‐‑Mack en 1968. El resultado de estas investigaciones son las que han dado lugar a la instalación The Sky Over Nine Columns.

Heinz Mack

Sobre Heinz Mack

Heinz Mack (Lollar, Alemania, 1931) ha trabajado durante sesenta años como pintor y escultor. En 1958 fue cofundador del Grupo ZERO junto a Otto Piene y Günther Ueker, que más tarde derivó en un movimiento internacional al que se unieron Yves Klein, Lucio Fontana y Piero Manzoni. El Museo Guggenheim de Nueva York dedicó una importante muestra en 2014 a este colectivo alemán de postguerra, siguiendo la estela de otras importantes exposiciones celebradas en Ámsterdam, Berlín y Estambul.

En 1970 Mack representó a Alemania en la 35º Bienal de Arte de Venecia junto a otros artistas de su país. Desde principio de los años 50 ha desarrollado un lenguaje artístico genuino basado en la luz y el color convirtiéndose en uno de los máximos exponente del arte cinético. En la actualidad, vive y trabaja entre Mönchengladbach y la isla de Ibiza.

Heinz Mack

El proyecto ha sido realizado por la Fundación Ralph Dommermuth Stiftung Kunst und Kultur en colaboración con Beck & Eggeling International Fine Art (Düsseldorf).

Fechas: Hasta el 6 de noviembre de 2016
Lugar: Ciudad de las Artes y las Ciencias, Valencia

Read More

Philippe Halsman ¡Sorpréndeme!

Written by:

CaixaForum Barcelona acoge la exposición “Philippe Halsman ¡Sorpréndeme!” una gran retrospectiva de uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, autor de portadas de la revista LIFE y colaborador de Dalí.

Philippe Halsman

La muestra acoge más de 300 fotografías mediante las que se puede hacer un recorrido en profundidad por el trabajo del artista y los formatos que utilizó, desde sus comienzos en París hasta su etapa neoyorquina. Muchas de las obras que pueden verse son expuestas al público por primera vez, entre las que encontramos hojas de contacto, impresiones, pruebas preparatorias, fotomontajes originales y maquetas.

La exposición se divide en cuatro partes: la primera sección está dedicada a los años que Halsman pasó en París, su obra temprana ya presagiaba los intereses y temas que desarrollaría a lo largo de su carrera. Las otras tres partes se corresponden con su periodo estadounidense y cada una de ellas presenta una característica de la obra de Halsman: sus muy celebrados retratos de famosos, su interés por las puestas en escena y, por último, el impresionante repertorio de «ideas fotográficas» que desarrolló junto con Salvador Dalí a lo largo de más de tres décadas.

Philippe Halsman en el París de la década de los treinta

Philippe Halsman se especializó en hacer retratos desde sus inicios. Fotografió a muchos personajes famosos, especialmente del mundo de las artes, y tuvo el privilegio de contar con el apoyo y la influencia de André Gide, la primera personalidad a la que retrató. Halsman amplió rápidamente el espectro de su trabajo y supo sacar partido de dos negocios en rápida expansión: las revistas y la publicidad. Trabajó una amplia variedad de temas y recibió encargos de las más ilustres publicaciones de la época: Journal des Modes, Vogue, Harper’s Bazaar, Voilà, Le Monde Illustré, Vu, Visages du  Monde y el diario Le Journal.

Fotógrafo autodidacta, Halsman desarrolló una exhaustiva cultura visual, inspirado por las distintas técnicas y estéticas propias de la época, como la llamada Nueva Visión. Sus exploraciones artísticas tenían lugar en su estudio, donde creaba efectos con iluminación eléctrica y encuadres ajustados. Halsman cultivó, asimismo, un rico y variado imaginario que bebía directamente del surrealismo.

Philippe Halsman

Los retratos

Halsman, consciente del efecto que su cámara tenía sobre sus modelos, prefería siempre entornos íntimos y sesiones cortas para que estos se sintieran cómodos. Sus trabajos se caracterizan por la atención al detalle y por la búsqueda de la naturalidad en la expresión. En Nueva York, Halsman se ganó rápidamente una buena reputación y recibió numerosos encargos para retratar a personajes famosos a cuenta de revistas como LIFE, TV Guide o The Saturday Evening Post. Asimismo, realizó fotografía promocional para campañas electorales, cubiertas de libros y carteles de películas.

Aunque Halsman fue un acérrimo defensor del retrato psicológico, su repertorio es muy variado. Le interesaban los avances técnicos y poseía una impresionante colección de dispositivos, entre ellos un estroboscopio. En la década de los sesenta empezó a aplicar el vocabulario literal e ideográfico de la publicidad y desarrolló efectos muy diversos para producir retratos que el lector era capaz de interpretar al instante.

PUESTAS EN ESCENA

Philippe Halsman siempre vio en la fotografía una herramienta extraordinaria con la que dar rienda suelta a su imaginación. A lo largo de su carrera aspiró a crear las fotografías «más sorprendentes y originales». A principios de la década de los cincuenta nació un nuevo medio de masas, la televisión, que amenazaba directamente a la fotografía y a la prensa. Halsman adoptó un enfoque creativo, muy adaptado al medio fotográfico, para defender su profesión. En 1961 publicó una de sus conferencias sobre este tema, titulada Halsman on the Creation of the Photographic Idea.

Las artes y los espectáculos, su especialidad, le brindaron el marco ideal donde desarrollar esta nueva forma de hacer fotografías. Los trabajos que le encargaron, como la serie con Jean Cocteau y los reportajes sobre espectáculos, le dieron la oportunidad de crear auténticas puestas en escena. Halsman participaba tanto en el diseño de las imágenes como en la selección de escenarios originales y ángulos de la cámara para conseguir crear imágenes impresionantes.

No obstante, fueron sus trabajos personales los que le permitieron continuar experimentado con el medio fotográfico. Dentro de ese ámbito podía dar salida a su vena humorística, como demuestran sus series fotográficas con actores. Dos proyectos de Halsman fueron especialmente innovadores e influyeron en la fotografía contemporánea: en 1949, junto al actor francés Fernandel, creó un nuevo tipo de producto editorial, el picture book, y en la década de los cincuenta inventó la jumpology. En ambos proyectos combinaba su amor por la puesta en escena y el entretenimiento con su talento como retratista.

Philippe Halsman

HALSMAN/DALÍ

Durante casi cuarenta años, Philippe Halsman y Salvador Dalí se aprovecharon de sus talentos respectivos. Halsman era un fotógrafo profesional especializado en retrato y publicidad, mientras que Dalí era un artista que usaba su propia imagen a la perfección para autopromocionarse. Halsman se había convertido en uno de los fotógrafos más populares de los Estados Unidos y Dalí destacaba en el mundo del arte por el increíble éxito de ventas de sus obras.

Su colaboración nació de una empatía intelectual que se fundamentaba en numerosos puntos en común: la infancia y educación en la Europa de principios de siglo y en un mismo ámbito sociocultural; la atracción por París, su arte y su elegancia; la inapagable sed lectora; el gran interés por los descubrimientos del psicoanálisis; la extrema atención dedicada al simbolismo de los detalles; la huida de la guerra en 1940 y la partida a los Estados Unidos; el malabarismo multilingüe; el sentido del humor adolescente, y una ironía mordaz.

Fechas: Hasta el 6 de noviembre de 2016
Lugar: CaixaForum Barcelona
Imágenes:
1- Portada de LIFE con el «salto» de Marilyn Monroe. 9 de noviembre, 1959. Musée de l’Elysée © 2016 Philippe Halsman Archive / Magnum Photos
2- Philippe Halsman, «Como dos centinelas erguidos, mi bigote custodia la entrada a mi verdadero yo», Dalí’s Mustache . 1954. Philippe Halsman Archive © 2016 Philippe Halsman Archive / Magnum Photos. Exclusive rights for images of Salvador Dalí: Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2016
3- Yvonne Halsman, Marilyn Monroe y Philippe Halsman. 1954. Archives Philippe Halsman © 2016 Philippe Halsman Archive / Magnum Photos

Read More

Paula Bonet rinde homenaje a François Truffaut

Written by:

La Galería de Cristal de CentroCentro acoge del 14 de julio al 8 de septiembre Cibeles de Cine, con más de 70 películas en proyección. Además 813 Truffaut, una exposición de la ilustradora Paula Bonet, con la que rinde homenaje al director francés François Truffaut, propulsor de la Nouvelle Vague.

Paula Bonet CentroCentro Madrid

Las ilustraciones originales para el último libro de Paula Bonet, ‘813, Truffaut’ editado a principios de 2015, son las protagonistas de la exposición que puede verse en la la Galería de Cristal de CentroCentro. En ‘813 Truffaut’, Paula Bonet rinde homenaje con su pincel a su cineasta de cabecera el singular François Truffaut, máximo representante de la “nouvelle vague”. Para llevar a cabo este trabajo, Paula viajó hasta París para sentirse más cerca de la obra del cineasta y lograr tejer un relato visual que repasa tanto la biografía como la filmografía de Truffaut. En su libro no se deja nada en el tintero, en ‘813 Truffaut’ aparecen también las ilustraciones dedicadas a los personajes y temáticas más presentes en la obra del cineasta francés.

Organizada por CentroCentro e ideada y producida por Sunset Cinema, regresa la experiencia del cine pop-up con una programación de más de 70 títulos, repleta de clásicos, películas de culto, cine europeo y de autor, así como éxitos recientes, proyectados todos en versión original subtitulada. Cibeles de Cine cuenta además con una atractiva oferta gastronómica, y una amplia propuesta de actividades que complementan a las proyecciones. Como novedad, el espacio acoge también la exposición 813 Truffaut de Paula Bonet. Asimismo, a lo largo del verano, acogerá eventos especiales relacionados con grandes aniversarios de películas, encuentros con miembros de la industria, noches temáticas musicales y gastronómicas; y regresarán las Cibeles Midnight Movies, las sesiones de media noche más divertidas y transgresoras todos los viernes y sábados.

Paula Bonet

Vila-real, 1980. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, completa su formación en Santiago de Chile, Nueva York y Urbino. Inicialmente trabajó las técnicas de pintura al óleo y grabado (calcográfico, xilográfico, litográfico), pero a partir de 2009 se centrará en la ilustración y desde entonces trabajará en ese campo.

En 2013 ilustra “Léeme” (Andana Editorial) y el poemario de Estel Solé “Si uneixes tots els punts” (Editorial Galerada). “Qué hacer cuando en la pantalla aparece The End” es el primer libro con texto e ilustraciones de su autoría (marzo de 2014, Lunwerg Editorial). En septiembre de 2014 publica “La pequeña Amelia se hace mayor”, un álbum ilustrado pop up (Editorial Combel). “813” es el segundo libro del que es autora tanto del texto como de la imagen, se trata de un homenaje ilustrado al cineasta francés François Truffaut y a un fragmento de su filmografía (La Galera, febrero 2015).

Su obra ha sido expuesta en Barcelona, Madrid, Valencia, Oporto, París, Londres, Bélgica, Urbino y Berlín. Su trabajo, cargado de poesía, tiene multitud de ramificaciones, desde la ilustración en prensa (Diari Ara, Revista Kireei, Revista Calle 20, Ling, ESCAC, Caràcters, Le Cool), la escenografía, el cartelismo (The Black Keys, Vetusta Morla, Jacko Hooper) o la pintural mural.

Artista: Paula Bonet
Fechas: Del 14 de julio al 8 de septiembre de 2016
Lugar: Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles, Madrid

Read More

Vanidades, intelecto, espiritualidad en Centre del Carme

Written by:

El valenciano Centre del Carme acoge la exposición “Vanidades, intelecto, espiritualidad”, una colectiva, comisariada por Javier Martín, formada por piezas pertenecientes a la colección Ars Citerior que abordan tres aspectos de la condición humana: la vanidad, el intelecto y la espiritualidad.

Centre del Carme

La muestra está dividida en tres secciones, la primera de ellas gira en torno al hombre, su relación con el entorno y el paisaje, ya sea natural o artificial. La segunda parte de la exposición está dedicada a la inteligencia, y la capacidad del hombre de crear arte. La exposición se cierra con un espacio dedicado a la muerte y la esperanza de la persistencia del alma y su unión con el Universo.

Los artistas

Albano, Mar Arza, Elena Asins, Marlon de Azambuja, Waldo Balart, Manuel Blázquez, Bonifacio Alfonso, Monika Buch, Víctor Cámara, Rafael Canogar, Julián Casado, Damiá Díaz, Dis Berlin, Eutiquio Estirado, Carlos Evangelista, Francisco Farreras, Inma Femenía, Robert Ferrer i Martorell, Hugo Fontela, Pedro García Ramos, Pep Garro, José Luis Gómez Perales, José Guerrero, Josep Guinovart, Joan Hernández Pijuan, José María Iglesias, Lidó Rico, Guillermo Lledó, Ángel Luque, Rafa Macarrón, Víctor Mira, Antoni Miró, Mitsuo Miura, Manuel Hernández Mompó, Pedro Muiño, Juan Olivares, Javier Palacios, José Miguel Pereñiguez, Guillermo Pérez Villalta, Ana Peters, Agueda de la Pisa, Manuel Rey Fueyo, Manuel Rivera, Jaume Rocamora, Javier Romero, Gerardo Rueda, Ángeles San José, Maya Saravia, Juan Serrano, Jordi Teixidor, Gustavo Torner, Joaquín Vaquero Turcios, Vicente Vela, Salvador Victoria, Darío Villalba y José María Yturralde.

Fechas: Hasta el 25 de septiembre de 2016
Lugar: Centre del Carme, Valencia

Read More

Estudio de entropía: Irma Álvarez-Laviada y Belén

Written by:

La galería Bacelos en su sede de Vigo nos invita a El baile de los elementos entrópicos, muestra que reúne una selección de obras de las artistas Irma Álvarez-Laviada (1978) y Belén (1981). Trabajos que recogen las principales características de sus respectivas trayectorias, representativas del panorama creativo contemporáneo español.

Irma Álvarez-Laviada y Belén - Galería Bacelos

“He encontrando un nexo de unión entre los conceptos que estudia la entropía: el orden, el desorden, el azar, el destino y la suerte, junto con otras nociones como lo inestable, la fragmentación o lo informe y las ideas expresadas por ambas artistas. Me permito tomarlo como punto de partida” … “Las obras de Irma Álvarez-Laviada y Belén devienen de una serie de encuentros con objetos que actúan como puntos de inflexión para dar lugar a un procedimiento de construcción. El encuentro casual, el acercamiento a los materiales, la reutilización, la reconstrucción, la reinterpretación y la nueva recontextualización, son parte del proceso de trabajo” afirma Susana González, comisaría de la exposición.

Irma Álvarez-Laviada y Belén - Galería Bacelos

Belén

“Los trabajos de Belén hablan de la ordenación del cosmos, del universo, de lo aleatorio o lo inesperado, de aspectos relacionados con la estructura y sus principios, y del flujo de los materiales. Su obra es una búsqueda del orden por medio de un proceso sistemático y riguroso como vehículo para la transgresión, la experimentación y el juego. Su proyecto supone una suerte de poesía sutil en el que se presentan materiales erosionados, residuos de plástico arrastrados a la arena, trapos de taller que con anterioridad sirvieron para limpieza y secado, restos de obras inacabadas que recupera y enaltece. Todos ellos materiales humildes y próximos que no escapan a su mirada” Susana González.

Irma Álvarez-Laviada

“Desde una perspectiva formal, las obras de Irma Álvarez-Laviada se caracterizan por una simplicidad compositiva y una organización en la que se establecen nexos indisociables con artistas referenciales pertenecientes al neoplasticismo, al expresionismo abstracto o al minimalismo. El proceso da lugar a una reconsideración de los métodos y la desmaterialización de la pintura. Su trabajo se caracteriza por la preeminencia de la forma, los planos de color y la fragmentación compositiva. Bajo esta premisas dirige sus intereses estéticos y conceptuales hacia la arquitectura y su contexto. Los límites pictóricos se expanden en un acto de modificación totalmente deliberado como parte de la indagación en nueva configuración de la obra” Susana González.

Artistas: Irma Álvarez-Laviada y Belén
Fechas: Del 1 de Julio al 1 de Septiembre de 2016
Lugar: Galería Bacelos, Vigo

Read More

OBSOLESCENCIA PROGRAMADA Nuria Fuster, Julia Varela y William Mackrell

Written by:

‘Obsolescencia Programada’ reflexiona sobre la vida futura de los objetos de consumo, el deseo y el mundo material. A través de los trabajos de Nuria Fuster, Julia Varela y William Mackrell; en The Ryder Projects, 19a Herald Street, London E2 6JT.

Julia Varela _ Hijacked

Comisariada por SCAN (Spanish Contemporary Art Network) es la primera de una serie de eventos de arte diseñados en conmemoración de los 50 años del texto seminal de Guy Debord, ‘La Sociedad del Espectáculo’.

‘Obsolescencia Programada’ examina la persistencia de la autonomía material del objeto y plantea preguntas acerca de los significados de redundancia y el reciclaje en una cultura que se consume y mediatiza a través de dispositivos que también tienen fechas de caducidad.

Nuria Fuster_Urban Alchemy serial

Nuria Fuster

Nuria Fuste (b. 1978, España) busca cualidades antropomórficas en prendas de vestir, un casco de bicicleta, un colchón inflable. Una barra de acero, como un accesorio de ejercicio o fetiche de mazmorra se registra en lo alto de una pared, de la que cuelga una cadena plateada en bucle sobre una viga, sugiriendo cuerpos ritualizados y acciones repetitivas. Fuster promulga intervenciones violentas en los cuerpos de estos objetos – llamas, cables de anclaje, rotura. El colchón inflable cubierto de fragmentos geométricos metálicos reflectantes sugiere la inmediatez de la violencia, de la punción, incluso cuando refleja al espectador sobre su cuerpo hinchado y una bomba de mano lo invita a intervenir.

Julia Varela

Julia Varela (b. 1986, España) que aquí explora la ruptura como herramienta de investigación, fundiendo y flexionando televisores de pantalla plana en forma de origami en el suelo de la galería. Las pantallas, sin vida, brillantes reflejan la galería y desafían al espectador que se ve reflejado en sus superficies plegadas. El dispositivo se convierte en material; un intento de sublimación del bien de consumo. Anclada en la pared de la galería, una piqueta es transformada con un tubo fluorescente en un Objet Trouvé al mismo tiempo seductor y amenazante, pero también frágil, precario. Ambas piezas oscilan y parpadean en un debate entre la memoria de sus elementos constitutivos y la posibilidad de sus nuevos cuerpos.

William Mackrell

William Mackrell (b.1983, Reino Unido) utiliza estrategias de repetición y acumulación para investigar el fracaso, la rotura y el tiempo. ‘En tres puntos de vista’ presenciamos el parpadeo interminable de dos tubos fluorescente proyectados en una esquina. Asi como la obra de Dan Flavin anticipa su propio fin, la pieza de Mackrell dramatiza el proceso. La obra sugiere el pulso cinemático de la discoteca al tiempo que actua como un memento mori tecnológico.

Artistas: Nuria Fuster, Julia Varela y William Mackrell
Fechas: Del 19 de Julio al 20 de Agosto de 2016
Lugar: The Ryder Projects, Londres

Read More

Joan Jonas, pionera de la performance

Written by:

La Fundación Botín acoge la exposición “Caudal o río, vuelo o ruta” de la artista neoyorquina Joan Jonas, figura clave de la performance, el cine experimental y la vídeo-instalación.

Joan Jonas

La pieza estrella de la muestra es una instalación multimedia, concebida específicamente para el centro, y en la que Jonas profundiza en su investigación sobre la compleja relación del ser humano con la naturaleza y el medio ambiente, un tema constante a lo largo de su trayectoria.

La pieza, inspirada en sus últimos viajes y en su descubrimiento del entorno rural cántabro se compone de dos video proyecciones, un conjunto de 26 dibujos realizados en tinta sobre papel japonés y por una serie de 14 dibujos murales de pájaros, integrados en un contexto colorista.

La primera video proyección que se exhibe toma como base una serie de imágenes captadas en los últimos viajes de la artista; suelos de mosaico en Venecia, aves enjauladas en Singapur, el cementerio de Génova, las secuoyas de California, así como diversas especies arbóreas de Cantabria. Con, y frente estas imágenes, Jonas realiza su performance, llevando como atuendo un sombrero, unas gafas de sol, un vestido y unas chaquetas de papel.

La segunda video proyección revela un experimento en el que cuatro participantes en el Taller de Artes Plásticas de Villa Iris, que a lo largo de tres semanas dirigió la artista en Santander, interactúan con los paisajes del valle cántabro del Nansa como telón de fondo.

Un trabajo inédito que se muestra junto a una selección de videos que documentan cinco de las más relevantes performances de la artista en los últimos quince años: Lines in the sand (2002/2004), The shape, the scent, the feel of things (2004/2006), Reading Danto III (2007/2009), Reanimation (2010/2014) y They come to us without a word II (2015/2016).

Sobre Joan Jonas

Nacida en Nueva York en 1936, Joan Jonas se graduó en Historia del Arte en Mount Holyoke College en 1958. Tras cursar estudios de escultura en la School of the Museum of Fine Arts de Boston, estudió dibujo y poesía en la Universidad de Columbia donde en 1965 completó un master en Escultura. Las exploraciones de la artista con los nuevos medios a finales de los años sesenta y principios de los setenta y el descubrimiento de la obra de Claes Oldenburg, Yvonne Rainer o Simone Forti ampliaron su práctica artística conduciéndole a establecer los fundamentos formales del performance art, una práctica que hoy continúa liderando.

Además de la escultura y el dibujo, que han sido desde el inicio elementos esenciales de su práctica artística, la performance permite a la artista incorporar a su trabajo el sonido y una dimensión espacio temporal que remite al cine, además de a la danza y al teatro.

“La performance es el medio del que me valgo para construir un objeto que existe tan solo en el tiempo, el cual se plasma con cuerpos, con mi cuerpo. Para mí, la performance es poesía tridimensional creada en vivo en el espacio” dice Jonas.

Interesada en la investigación de otras culturas y de sus rituales, así como en los orígenes de la cultura occidental, en el año 1966 la artista viaja a Creta donde es testigo de una boda tradicional y, posteriormente, visita el sudeste de Estados Unidos donde asiste a una danza de la serpiente del pueblo Hopi. Ambos acontecimientos dejan una profunda huella en su práctica artística.

En 1970 durante un viaje a Japón se familiariza con el teatro Kabuki y el Noh, que se convierten desde entonces en constantes fuentes de inspiración para su trabajo; “al intentar plantearme qué es lo que podía hacer como performer, me remitía a otra cultura y a sus rituales porque desconocía los que existían en la mía y porque los rituales de otras culturas están más próximos a la naturaleza y más implicados en ella”

También al inicio de esta década el descubrimiento del video marca un punto de inflexión en el uso que la artista hace de la imagen en movimiento, incorporando este medio a las herramientas que dan forma a su práctica performativa.

En 1994, tras la exposición retrospectiva que le dedica el Stedelijk Museum de Ámsterdam, Jonas inició una reflexión sobre como re-escenificar sus performances antiguas que le lleva a introducir objetos y videos, creando así sus primeras instalaciones. Desde entonces continua trabajando en este medio sin abandonar su investigación en la performance, combinando dos formas de expresión artística que están intrínsecamente unidas en su trayectoria.

Lugar: Fundación Botín
Fechas: Hasta el 16 de octubre de 2016

Imagen: Joan Jonas. Documentación de la performance They come to us without a Word II. U.S. Pabellón, 56 Bienal de Venecia,2015. Fotografía de Moira Ricci.

Read More

Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio

Written by:

En el Espacio de la Fundación Telefónica puede visitarse la exposición “Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre el Danubio”, un proyecto que pone en valor el papel de las mujeres en el terreno de la fotografía documental. Inge Morath fue pionera, la primera mujer en ingresar en la Agencia Magnum y un referente para las generaciones siguientes.

Inge Morath

En la década de los 50 del siglo XX, Morath inició un mítico viaje fotográfico a lo largo del río Danubio, viéndose obligada a detener su ruta en muchos países a causa del Telón de Acero. En 1993, volvió a la zona para completar su trabajo en los países del bloque del Este y durante un período de dos años, documentó el impacto que había tenido la reapertura de las fronteras en la cotidianidad de la gente.

Décadas más tarde, en verano de 2014, ocho fotógrafas ganadoras del Inge Morath Award –galardón otorgado anualmente a una fotógrafa documental de menos de 30 años- decidieron rendir homenaje a Morath recorriendo la misma ruta a lo largo del Danubio: Olivia Arthur, Claudia Guadarrama, Emily Schiffer, Kathryn Cook, Jessica Dimmock, Lurdes R. Basolí, Claire Martin y Ami Vitale.

Las ocho desplazándose a bordo de un camión, acompañadas por un pequeño equipo de apoyo y algunas de ellas por sus hijos, dieron comienzo a la aventura. La caravana recorrió 6.500 kms durante 34 días. Desde el nacimiento del río, en la Selva Negra (Alemania) hasta su desembocadura en el Mar Negro (Rumanía) y atravesando 8 de los 10 países por los que se extiende el río.

Ami Vitale  en inge Morath. Tras los pasos del Danubio

Procedentes del ámbito de la fotografía documental pero inmersas en una profunda reflexión sobre la naturaleza del fotoperiodismo, las cuatro autoras de la iniciativa –Olivia Arthur, Lurdes R. Basolí, Claire Martin y Emily Shiffer- idearon desde el inicio mecanismos para promover un intercambio más profundo, bidireccional y enriquecedor con el entorno que visitarían.

El símbolo de esta voluntad fue la transformación de un camión en galería de arte. El concepto de “camión-galería” mostraba las históricas fotografías del viaje de Inge Morath en los mismos lugares donde fueron tomadas con el fin de involucrar a las comunidades con su propia historia. Sin ir más lejos, en la ciudad de Passau una mujer que visitó el camión resultó reconocerse en una de las fotos de Morath tomada 20 años atrás.

Como parte de la filosofía de este programa, las fotógrafas también organizaron proyecciones nocturnas sobre el propio camión en todos los puntos donde el grupo recaló. Sumado a esto, en cada destino se había cerrado previamente la colaboración con una institución amiga para acoger debates y visionados de porfolios. Por último, a lo largo del viaje artistas locales recibieron becas para unirse al grupo durante unos días favoreciendo el debate y el intercambio cultural con personas conocedoras del entorno.

Olivia Arthur In and out of love 2014 Inge Morath

Olivia Arthur (Reino Unido, 1981)

Tras obtener su grado en Matemáticas por la University of Oxford, Olivia Arthur estudió fotoperiodismo en el London College of Printing en 2003. Ese mismo año, se mudó a Delhi para trabajar como fotógrafa freelance. Durante su estancia en Italia en 2006, empezó a trabajar en el proyecto The Middle Distance, un trabajo sobre la vida de las jóvenes que transcurre en la frontera entre Europa y Asia y que se ha exhibido en el Centre Pompidou de París, en la Triennale de Milán, el Art Museum en Shanghái y en el Shiodomeitalia Creative Center de Tokio.

En 2007, recibió el Premio Inge Morath de la Magnum Foundation y en 2008 se unió a Magnum Photos. Fue entonces cuando empezó un nuevo proyecto titulado Beyond the Veil en Teherán, Isfahán y el Mar Caspio, retratando a mujeres iraníes en situaciones que rompen con los estereotipos occidentales alrededor de las mismas. En 2008 ganó el Premio PHotoEspaña OjodePez por los Valores Humanos y desarrolló una muestra en solitario en PHotoEspaña de 2009. Entre otros premios suma el Vic Odden de la Royal Photographic Society (2010) y el de la Jean-Luc Ladardère Foundation (2008). En 2015 publicó el fotolibro Stranger sobre el naufragio del DARA cerca de Dubai.

Lurdes R. Basolí

Lurdes R. Basolí (España, 1981)

La fotógrafa Lurdes R. Basolí es graduada en Comunicación Audiovisual y posee un posgrado en fotoperiodismo por la Universidad Autónoma de Barcelona. Vive y trabaja entre Barcelona y San Sebastián. Desde 2005, Basolí ha trabajado para grandes medios de comunicación españoles y de presencia internacional, como La Vanguardia Magazine, El País Semanal, El Magazine de El Mundo, Interviú, Maxim, GQ, Glamour, The Sunday Times Magazine, Foto8, Internazionale, La Nación y El Universal.

Entre los premios que ha recibido se encuentran el Premio ANI PixPalace en Visa pour l’Image (2011), el Premio Inge Morath de la Magnum Foundation (2010) y la beca FotoPres de la Fundación ”laCaixa” (2009). Algunos de sus trabajos más destacados son: Caracas. La sucursal del cielo, un proyecto sobre la violencia callejera al que dedicó dos años; Chernobil Ghosts, un trabajo sobre aquellos que decidieron volver a vivir en la zona afectada por el desastre nuclear; y The Garden, un retrato del mundo desde la visión más doméstica y cercana de la propia fotógrafa. En España, su trabajo se ha podido ver en espacios como Casa América (Madrid), CaixaForum (Barcelona) y Dr. Nopo Gallery (Valencia).

Kathryn-Cook_Black-Forest_2014 Inge Morath

Kathryn Cook (EEUU, 1979)

Cook estudió Periodismo en la Universidad de Colorado. Su carrera como fotógrafa profesional empezó en 2003, con Associated Press en Panamá. Tan solo dos años después dejó la agencia para trabajar como freelance y poder dedicarse enteramente a proyectos personales en Latinoamérica. En 2006, se mudó a Istanbul para empezar a trabajar en el proyecto Memory of Trees, un trabajo sobre el genocidio armenio, que terminó en un libro con el mismo título publicado en 2014. Su trabajo se centra especialmente en los aspectos relacionados con la memoria y la conciencia colectiva en las sociedades que han sido víctimas de un genocidio.

En 2007 fue seleccionada por Photo District News (PDN) como una de las 30 mejores fotógrafas emergentes y en 2008 se hizo con el Premio Aftermath Project y el Premio Inge Morath de la Magnum Foundation. En 2009 recibió el Premio Enzo Baldoni y en 2011 obtuvo la residencia artística Marseilles-Provence-2013 para continuar su proyecto Memory Tree. Su trabajo se ha exhibido en numerosos espacios, entre los que se encuentran el Noorderlicht Festival, Warzone Group Show, Rencontres d’Arles, Lumix Festival (Hannover), San Fedele Gallery (Milán), The Gadge Gallery (Chicago) y Plat(t)form Fotomuseum Winterthur (Suiza). Sus fotografías han aparecido en numerosas publicaciones internacionales como The New Yorker, The New York Times Magazine, TIME, Newsweek y U.S. News & World Report. Es fundadora de Prospekt Photographers y actualmente trabaja como fotógrafa para la agencia VU en París.

Jessica Dimmock_Black Sea_2014 Inge Morath

Jessica Dimmock (EEUU, 1978)

Graduada por el ICP de Nueva York, ha recibido numerosos premios, entre los que se incluyen el Premio Inffinity de Fotoperiodismo (2014), el Premio Inge Morath de la Magnum Foundation (2008), una Mención especial del Santa Fe Center of Photography (2007) y una beca de investigación Marty Forscher del Photo District News (2007). En 2007 publicó su primer libro, The Ninth Floor, un proyecto fotográfico que le llevó a vivir durante tres años con heroinómanos que ocupaban un edificio de lujo en la 5a avenida de Manhattan. Su trabajo se ha expuesto en el Centre Pompidou (París), en el FOAM (Ámsterdam), el International Photography Center (Milán), en el Kunsthaus de Dresden y en las Naciones Unidas (Nueva York). En 2011 fue nombrada miembro de pleno derecho de la agencia VII Photo. Su trabajo se ha publicado en numerosos medios de comunicación, entre los que se incluyen: Aperture, W, The New Yorker, the New York Times Magazine, The Sunday Times, The British Journal of Photography, Time, Grazia y Photoicon, así como en las obras A New American Photographic Dream, C International y American Photography 22.

Por sus trabajos en video ha sido ganadora del Premio Kodak a la Mejor Cinematografía (2011) y el Premio Independent Spirit (2011). Su vídeo para la UNFPA (Fondo de Población de las Naciones Unidas) sobre el matrimonio infantil le valió el Primer Premio del World Press Photo. Asimismo, Dimmock ha grabado documentales para la cadena HBO como The Weight of the National y Showtime’s Years of Living Dangerously, y ha trabajado como codirectora de la producción Brick.

Claire Martin - River Boys_2014 Inge Morath

Claire Martin (Australia, 1980)

Graduada en Trabajo Social, sus proyectos fotográficos se centran principalmente en aportar visibilidad a las comunidades menos favorecidas y más ignoradas de los países desarrollados. El objeto de algunos de sus trabajos ha sido los suburbios marginados de las ciudades más ricas del mundo, las consecuencias del terremoto en Haití, la prostitución o la vida en las comunidades marginales del primer mundo.

Su trabajo ha recibido el reconocimiento de la crítica con nominaciones y premios, entre los que se incluyen el Prix Pictet (2012), el Premio Lead Academy (2011), el Premio Sony World Photography (2010), el Premio Inge Morath de la Magnum Foundation (2010) y una Mención de honor en los International Photography Awards (2008). Ha participado en festivales tales como el Lumix Festival for young photojournalists (Alemania, 2012), The Australian Centre for Photography (Sydney, 2011) y el Foto Freo Photography Festival (Australia, 2010). Sus trabajos también se han exhibido en la Sydney Opera House (Australia, 2011), la Art Gallery of Western Australia (2011), la Deihtorhallen Hamburg House of Photography (Alemania, 2011) y la Association of Photographers Gallery (Reino Unido, 2009). Asimismo, sus obras figuran en colecciones como la de la National Library of Australia y el Houston Museum of Fine Arts (EE.UU.).

Claudia Guadarrama Danube Revisited Project

Claudia Guadarrama (México, 1976)

Graduada por la Universidad Nacional Autónoma de México, Claudia Guadarrama estudió Ciencias Políticas y de la Administración Pública, para virar más tarde hacia una carrera volcada en el fotoperiodismo. Su trabajo se centra en la documentación de problemas sociales.

En 2004 recibió el Premio Inge Morath de la Magnum Foundation por su proyecto Antes del Límite, un trabajo sobre la vida de los inmigrantes sin papeles en la frontera sur de México. Asimismo, obtuvo el Premio Canon Female Photojournalist (2005) en el Festival Internacional de Fotoperiodismo Visa Pour L’image (Perpiñán, Francia). Sus fotografías han aparecido en revistas como GEO, TIME, Newsweek, COLORS Magazine, Paris Match y L’Equipe, además de en numerosos medios de comunicación mexicanos. Actualmente trabaja como fotógrafa para Polaris Images.

Emily Shiffer - Carrying History_2014

Emily Shiffer (EEUU, 1980)

Graduada en Bellas Artes y en Estudios Afroamericanos por la Universidad de Pennsylvania, Schiffer se interesa por la fotografía documental en su confluencia con el arte, la participación y la transformación social. En 2005 fundó My Viewpoint Youth Photography Initiative, un proyecto desarrollado en la reserva indígena del río Cheyenne (Dakota del Sur) cuyo objetivo era enseñar la fotografía como un medio para que los jóvenes pudieran explorar, y reflejar su identidad. En 2011 participó en la creación de See Potential, un proyecto de arte público con el apoyo de la Magnum Foundation, cuya finalidad era implicar a la comunidad en proyectos de rehabilitación urbana mediante la instalación de fotografías a gran escala en edificios en ruinas.

Entre sus premios se incluyen el Audience Engagement de la Open Society Foundation (2012), el Fondo de Emergencia de la Magnum Foundation (2011), el Premio Arnold Newman (2010), el Primer Premio de los IPA Lucie Awards (2009), el Premio Inge Morath de la Magnum Foundation (2008) y una Beca Fulbright (2006-2007). Su trabajo se ha exhibido en varios centros internacionales y su obra se ha aparecido en publicaciones como Aperture, Smithsonian Magazine, PDN, TIME Magazine, Lightbox y Mother Jones. Asimismo, su trabajo forma parte de las colecciones permanentes del Farnsworth Museum (EE.UU.), The Center for Fine Art Photography (EE.UU.) y el Museo de Kiyosato (Japón).

Ami Vitale (EEUU, 1971)

Graduada en Estudios Internacionales por la Universidad de North Carolina, esta fotoperiodista y realizadora ha trabajado en más de 85 países. Sus reportajes sobre Europa, Oriente Medio y África se han publicado en revistas entre las que se incluyen GEO, Newsweek, TIME, The Telegraph Sunday Magazine, The New York Times, Los Angeles Times, Le Figaro y Smithsonian Magazine. Es fotógrafa de la revista National Geographic y sus fotografías se han exhibido en galerías y museos de todo el mundo.

Entre los premios y galardones que ha recibido se incluyen: World Press Photo (2003, 2005 y 2015), National Press Photographers Association (2001) y la Society of American Travel Writers (2001/2002), el Premio Inge Morath de la Magnum Foundation (2002), el Premio Canon Female Photojournalist por su trabajo en Kashmir (2003) y la beca Alexia Foundation for World Peace (2000).

Ami es cofundadora del Ripple Effect Images, un grupo formado por científicos, escritores, fotógrafos y realizadores cuyo objetivo es crear y distribuir historias potentes que ilustren los problemas relacionados con las vidas de las mujeres en los países en desarrollo.

Fechas: Hasta el 2 de octubre de 2016
Lugar: Espacio Fundación Telefónica, Madrid
Imágenes:
1- Inge Morath – Yugoslavia Smederevo – 1958
2- Ami Vitale – In Motion – 2014
3- Olivia Arthur – In and out of love – 2014
4- Lurdes R. Basolí
5- Kathryn-Cook – Black-Forest – 2014
6- Jessica Dimmock – Black Sea – 2014
7- Claire Martin – River Boys – 2014
8- Claudia Guadarrama –  Danube Revisited Project
9- Emily Shiffer – Carrying History – 2014

Read More

APgallery se traslada a Ibiza durante el verano

Written by:

APgallery, la galería dedicada al Arte y Paisaje ubicada en Segovia, se traslada a Ibiza durante el verano. Bajo el nombre EXPERIENCE LAB IBIZA, desde mediados de julio hasta octubre, se podrá disfrutar de un segundo espacio expositivo a coleccionistas, comisarios, artistas, instituciones y amantes del arte contemporáneo.

APGallery en Ibiza

Situada en un recogido espacio en el centro de Santa Eulalia, APgallery desarrollará su actividad como galería durante los meses de verano, en los que la isla se convierte en capital internacional, programando una serie de exposiciones y talleres sobre el paisaje de la isla. Un espacio de carácter tradicional ibicenco con un maravilloso patio que prolonga hacia el exterior las estancias expositivas y permite dialogar a las obras con su entorno más natural.

APGallery en Ibiza

EXPERIENCE LAB IBIZA

Es un taller laboratorio de arte y paisaje, que propiciará un encuentro entre los artistas invitados y los artistas e intelectuales de la isla. Con este proyecto APgallery investigará sobre el enfrentamiento entre distintos paisajes como mecanismo de contraste e indagará sobre el paisaje abstracto como patrimonio cultural universal que contribuye a reeducar la mirada para poder ver y proteger activamente, a través del arte, los elementos del paisaje en los que se basa el atractivo no circunstancial de la isla de Ibiza. Un verdadero proyecto de I + D. Arte y Paisaje, con su vocación innovadora dentro del sector de las galerías y de la difusión del arte se mantiene firme en su propósito de confrontar el arte contemporáneo con entornos de interés. Su objetivo sigue siendo aprender a mirar como ejercicio para establecer una relación con nuestro entorno, utilizando el arte como buscador de ese paisaje, como buscador de lo que está presente y aún no hemos descubierto.

“PERTENECIENDO A LA TIERRA” de Rubén Martín de Lucas es la primera muestra que acogerá EXPERIENCE LAB IBIZA del 24 de julio al 9 de agosto. A partir de las series Vacaciones en el Mar, Stupid Borders y La aldea flotante, el artista plantea una reflexión sobre la búsqueda del paraíso, las fronteras y la cultura del viaje para investigar sobre el paisaje y la relación de las personas con éste. “ENTRE ISLAS” de Ildefonso Aguilar y Eduard Micus, se inaugura el 12 de agosto. Exposición que hará dialogar la obra de dos artistas isleños: Ildefonso Aguilar (Lanzarote) y Eduard Micus (Ibiza). Se trata de una de las propuestas site specific de EXPERIENCE LAB IBIZA ya que reúne a dos artistas consolidados dentro del panorama artístico nacional e internacional, a través de los cuales reflexionar sobre la fantástica diversidad de dos realidades insulares dentro de nuestro paisaje español.

La propuesta ibicenca de APgallery para 2016 finalizará con la exposición colectiva “PAISAJES VELADOS. DE LA ABSTRACCIÓN A LA FIGURACIÓN”, que propondrá obras de algunos de los artistas de la galería: Amadeo Gabino, Cristina Almodóvar, Joseba Sánchez Zabaleta, María Aranguren, Patricia Azcárate, Raquel Bartolomé y Lucía Loren. Todas las exposiciones contarán con intervenciones paralelas de interacciones entre arte y poesía, música, arquitectura y arte urbano.

Read More