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“Mujer y Derechos Humanos: el derecho a tener derechos” organizado por Mujeres Mirando Mujeres

Written by: Sara Torres Sifón • 8 diciembre, 2021

El Ayto. de Marratxí, a través del área de Participación Ciudadana, y Mujeres Mirando Mujeres, organizarán diferentes actividades los días 10 y 11 de diciembre para celebrar el Día Internacional de los Derechos Humanos.

En dicho contexto, se organizarán una serie de actividades con perspectiva de género dirigidas a luchar por la consolidación de derechos ya adquiridos por las mujeres, y la consecución de los que todavía no están garantizados.

_{Lina Ávila. Dónde están las mujeres, 2020. Collage analógico.}

Mañana, a las 18:00 h, tendrá lugar la rueda de prensa informativa y un grupo de trabajo con los miembros de las diferentes asociaciones y colectivos para la defensa de los derechos de la mujer en el Nou local de l’Associació de Gent Gran “Es Siurell”. Asistirán D. Miquel Cabot Rodríguez, alcalde de Marratxí, Dª Neus Serra Cañellas, Regidora de Participació Ciutadana y Transparència, la artista Isabel León Gúzman y la fundadora de Mujeres Mirando Mujeres, Mila Abadía Ruber.

Desde Mujeres Mirando Mujeres, se pondrán sobre la mesa temas como el derecho a vivir sin miedo, el derecho a no sufrir violencia a causa del género, el derecho al aborto, el derecho a decidir sobre nuestra sexualidad, el derecho a expresarnos en libertad, el derecho a decidir sobre nuestro futuro o la lucha contra la trata de mujeres y la desigualdad de oportunidades. En definitiva, el derecho a vivir en un mundo libre de machismo.

Para desarrollar estos conceptos, se llevarán a cabo diferentes actividades artísticas, que implicarán la participación de asociaciones locales que trabajen por los derechos humanos y en pro de los derechos de la mujer, así como de aquellos ciudadanos y ciudadanas que lo deseen.

_{Isabel León. “Agujeros”. Acción para LUNCHBOX dentro de CICLO EXCHANGE. Casa de las Conchas en Salamanca. Octubre 2018. Fotografía de Guille Ruiz Mantilla.}

El día 10, a las 19:00 h en Es Figueral, tendrá lugar una acción artística a cargo de Isabel León que propone una acción participativa en la que implicar a la ciudadanía y diferentes asociaciones y colectivos en defensa de los derechos humanos y por ende de los derechos de la mujer, con la finalidad de llamar la atención sobre la importancia de que estos lleguen a todos y todas, y se alcance una igualdad real y efectiva. Previa a la jornada de la performance, se realizará un grupo de trabajo en el que, junto a la artista, se evidenciará la lacra que supone la desigualdad a la hora de alcanzar una sociedad igualitaria, justa e inclusiva.

El sábado 11 de diciembre, a las 17:00h en Nou local de l’Associació de Gent Gran “Es Siurell”, se llevará a cabo el taller de collage a cargo de Lina Ávila, en el que se reflexionará sobre la situación actual de los derechos humanos de las mujeres, su consecución o su merma. Las obras resultantes del taller serán documentadas y expuestas. (Aforo 15 pax – inscripciones en jornadasmmm@arteaunclick.es).

Entrevista a Glenda Zapata

Written by: Diana Velásquez • 7 diciembre, 2021

Glenda Zapata (La Paz, 1982), es una artista multidisciplinar afincada en Madrid hace tres años. Se interesa por la muerte, esa muerte que no es aséptica ni tácita, sino aquella que rompe el equilibrio social, que no encuentra su sitio. Glenda cual Caronte, regresa a la morgue desentierra la fosa común, reactiva rituales, recoge y limpia los huesos: visibiliza y acuna la vida profanada.

Su investigación retoma prácticas rituales alrededor de la muerte, pero a la vez pone en evidencia la violencia y la degradación social que persiste en muchos lugares en los que la vida no tiene un valor intrínseco. Zapata señala a través de esas vidas desechadas, a través de esos cuerpos desechados, una ética cada vez más desechada.

Su trabajo es pertinente y necesario ante un mundo instagramado. Y la poderosa poesía de su obra nos permite incluso, por un momento, olvidar la crudeza que lo apuntala.

_{Retrato de Glenda Zapata. Fotografía realizada por Esther García Urquijo}

Diana Velásquez – Glenda, ¿qué te aportó estudiar Bellas Artes?

Glenda Zapata – Me permitió aprender diferentes técnicas como la pintura, la escultura y la fotografía. Posteriormente continué estudiando de manera independiente performance y arte sonoro. Actualmente me encuentro cursando la carrera de antropología forense y antropología de la muerte en el IFPCF (Instituto de formación profesional en técnicas forenses), todo ello me brinda un amplio espectro de técnicas a la hora de crear, pienso que cada obra exige el medio que mejor se adecúa a lo que quiere transmitir.

Por la parte teórica: historia del arte, filosofía, la crítica, han enriquecido enormemente mis posibilidades y la necesidad que tenía de aprender temas que me apasionan, los cuales por supuesto han aportado en mi parte creativa abriendo nuevas perspectivas.

No puedo deslindar mis piezas de la filosofía y la crítica, y en este aspecto he tenido la suerte de tener grandes maestros que han aportado en mi formación.

_{Os Comunicare. (Espinazo Caníbal, 2013). Teléfono de huesos.(Fémures, cuero de chivo, cabellos humanos, hilo de plata).}

Diana Velásquez – Trabajas con materiales que tienen una fuerte carga energética y espiritual.

Glenda Zapata – Sí, me interesa bastante la materia orgánica, sea humana o animal, el proceso biológico, el transcurso del tiempo en ello, su desmaterialización o bien su transformación hacia otro estado.

En la cultura aymara toda materia que compone un cuerpo posee diversos ajayus (alma) cuando el ajayu principal abandona el cuerpo los demás ajayus siguen el mismo proceso de manera gradual, el último de ellos se libera cuando el hueso se ha pulverizado.

Desde mi concepción al usar elementos como el hueso, la piel, la sangre o las uñas, no estoy trabajando con materia inanimada, todo lo contrario, estoy trabajando con materia viva que guarda la información del ser al que perteneció.

Por ello ensamblo, combino e incorporo diferentes materiales con sus respectivos simbolismos para reavivar piezas que contienen su propio lenguaje poético.

_{Quo Sanguis. (Espinazo Caníbal, 2014). Reloj y sangre.}

Diana Velásquez – Hay una experiencia meditativa, íntima, a la hora de enfrentarse como espectador a tu trabajo.

Glenda Zapata – Opino que al observar una obra, el espectador entra en un diálogo con ella, usualmente los temas que abordo invitan a una reflexión íntima, pues son una constante sobre el tiempo, la materia, la transformación, la muerte, lo otro.

Personalmente considero que el arte al tener una apertura de posibilidades, invita a reflexionar conceptos estandarizados desde múltiples perspectivas, ésa es su riqueza.

Diana Velásquez – En tu obra hay un interés por las tres dimensiones que es evidente, pero a la vez el display de muchas de tus obras envuelve al espectador, es inmersivo.

Glenda Zapata – Siempre procuro que lo que estoy tratando de transmitir encuentre la manera más adecuada de llegar al espectador.

Hay muchos conceptos en que el espectador necesariamente tiene que ser parte de la obra para completarla.

Muchos de mis trabajos pretenden transportar al espectador a la realidad que estoy mostrando, para ello utilizo diferentes medios: auditivos, olfativos, táctiles y visuales por supuesto.

Me interesa crear ese punto de intimidad entre obra y espectador, ese diálogo que puede llegar a un lugar más profundo.

_{Óseo Kalós Éidos Scopéo/ Óseocapillus/ Oseosanguis/ Oseoclavum. (Espinazo Caníbal 2013). Detalle de objeto de caleidoscopios de huesos, cuero de chivo, sangre y uñas.}

Diana Velásquez – ¿Qué influencia ha tenido Bolivia en tu trabajo?

Glenda Zapata – En todo, Bolivia es un país muy rico en simbolismos, leyendas, cosmología, magia, la convivencia y respeto hacia la naturaleza, los rituales…

He tenido la fortuna de tener un gran maestro quien me adentró en todo este terreno tan fértil con una generosidad infinita, el ajayumauta Jhon Ledezma a quien le llegó el momento de emprender el gran viaje y se fue hacia Lajarimanta.

Y por otro lado, tan sólo el hecho de vivir en medio de una sociedad tan caótica y en una ciudad que no deja de sorprender como es La Paz me ha permitido apreciar realidades en muchos casos inconcebibles para el entendimiento, lo que hizo que reafirme en que la realidad siempre supera a la ficción.

_{El Sablazo del Germen. (Enmienda, 2016). Instalación de 48 “Sullus” (fetos de llama) dispuestos en espiral de Fibonacci}

Diana Velásquez – ¿Por qué la muerte es tan vital para ti?

Glenda Zapata – Se dice que el primer pensamiento filosófico que tiene un ser humano es la muerte, ése momento en que nos hacemos conscientes de nuestra finitud y de la finitud del otro.

A mí me llegó la primera vez que fui a la morgue, cuando tenía 14 años. Fue una experiencia que marcó profundamente mi manera de ver el mundo, fue un encuentro muy impactante al ver al otro pútrido, pestilente… verte tú en el otro, que aquello que te causa tanto espanto, es aquello en lo que te convertirás…

En el caso de los cadáveres no reconocidos la antropóloga forense Karen Ramey Burns apunta “Lo inquietante del cuerpo no identificado es su silencio. Cabría pensar que todos los cadáveres son silentes, pero el cuerpo no identificado lo es más. Nadie inquiere o se lamenta ante el olvido. Nadie ejerce presión o aplica poder político o financiero en ayuda de un desconocido, a la postre inhumado o eliminado cual desecho común”

Desde entonces ha sido una constante en mi vida, analizar toda la realidad con el filtro de la muerte, desde todos sus ángulos, misterios, posibilidades, interrogantes, en fin, la gran insondable.

Vivo en un memento mori continuo.

Diana Velásquez – Dentro de la frase que citas de K. Burns podría perfectamente aplicarse al mundo de los vivos, a la indiferencia e incluso el rechazo que producen ciertas problemáticas como la pobreza, los migrantes, los refugiados, etc.

Glenda Zapata – Definitivamente, esa misma frase donde habla sobre los cadáveres no reconocidos aplica a la sociedad en que vivimos, este sector de las personas en situaciones adversas, a quienes sus derechos son vulnerados, extirpados, condenados a vivir silenciados frente a una sociedad que permanece impasible frente a estas injusticias, los castigados de una sociedad enferma. Relegados a una muerte social.

_{La Partícula de Oro. (Enmienda, 2016). Objeto/Instalación. Placa de metal 120 x 100 cm. y 2 kilos de plomo. Textos y letras de plomo extraídos de placas a punto de ser desechadas de los nichos con pagos vencidos, en el cementerio General de La Paz. El cuerpo es llevado a la fosa común. El plomo fue derretido y lanzado al agua fría, forma una imagen que alude a las lecturas de estaño que se hace en algunas culturas de Latinoamérica.}

Diana Velásquez – De hecho, hay proyectos más recientes en los que a través de problemáticas cotidianas, también hablas de la muerte. ¿Tiene que ver con tu mudanza a España?

Glenda Zapata – Definitivamente, al haber cambiado de continente y enfrentarme a todos los múltiples avatares a los que está expuesto una persona migrante ha hecho que vea el mundo de otra manera, me ha tocado ver la migración en su estado más cruel, me ha permitido conocer gente maravillosa, pero también escuchar historias tan fuertes, ver injusticias tan brutales que por supuesto me han trastocado el espíritu.

Al ser mi producción una muestra de lo que estoy viendo y viviendo me tocó hablar de todo ello.

He cambiado yo como persona y claro que con ello mi práctica artística también, estoy agradecida por ello y porque mi campo de realidad se haya ampliado.

_{Glenda Zapata. La Partícula de Oro. (Enmienda, 2016). Objeto/Instalación. Placa de metal 120 x 100 cm. y 2 kilos de plomo. Textos y letras de plomo extraídos de placas a punto de ser desechadas de los nichos con pagos vencidos, en el cementerio General de La Paz. El cuerpo es llevado a la fosa común. El plomo fue derretido y lanzado al agua fría, forma una imagen que alude a las lecturas de estaño que se hace en algunas culturas de Latinoamérica.}

Diana Velásquez – Háblanos sobre el tema de la migración.

Glenda Zapata – He comenzado a abordar este tema desde mi propia experiencia de migrante.

Pienso que un artista es cronista de su tiempo y desde que decidí autoexiliarme me ha tocado ver realidades muy duras al respecto.

Una persona migrante e indocumentada vive con miedo, no tiene permiso para trabajar, por ello acepta trabajos inverosímiles, no tiene derecho a la salud, a hablar, a viajar, está condenada a un mutismo en cuanto a sus derechos humanos… a los indocumentados se les llama “ Los invisibles”.

Leí en alguna parte “no eres ilegal, eres pobre. Si fueras rico no serías ilegal en ninguna parte del mundo. Es cuestión de clase social, no de condición humana.”

Cuántas personas salen de sus países para buscar una mejor calidad de vida, encima de las miles de dificultades que implica dejar el país de origen si se logra llegar a puerto, en caso de que no hayas perdido la vida en el intento; verse sometidas a todos los obstáculos que imponen las leyes para continuar en condición de ilegalidad y seguir viviendo en condiciones infrahumanas.

Es una realidad muy triste, injusta y que me parece importante señalar.

Diana Velásquez – Has trabajado también sobre ciertas problemáticas relacionadas con la mujer, en distintas técnicas y mediante diversos dispositivos poderosos y que no dejan indiferente.

Glenda Zapata – Lamentablemente la violencia machista invade todos los rincones del mundo, es algo cotidiano que las mujeres tenemos que enfrentar a diario.

Tuve la oportunidad de escuchar historias de diversas mujeres bolivianas que emigraron hacia España, ¿el motivo? Todas ellas escapando de la violencia que vivían, es increíble que no baste con cambiar de casa, cambiar de ciudad, ni de país vecino, tienes que cambiar de continente para huir de tu agresor.

En Bolivia, escuchar los maltratos, violaciones y feminicidios es algo de todos los días. No siendo suficiente con todo esto, la justicia es nula, la corrupción que invade a la sociedad, a la policía, los juzgados, etc., es alarmante. Todo esto favorece que los casos de impunidad se sigan perpetuando.

Vivo indignada frente a esta problemática mayúscula, me es imposible no hablar de ello.

_{Glenda Zapata. El Silencio del Porcino, 2017. Instalación. Proyección, sangre de cerdo y audio.}

Diana Velásquez – La exposición Enmienda (2016), presentada en La Paz me parece reveladora del cuerpo de trabajo de esos años atrás. Hay un hilo que une esa exposición con El silencio del porcino, presentada en Madrid (2017).

Glenda Zapata – Enmienda fue un trabajo prolongado de investigación tanto sobre cómo se ve la muerte en la cultura Q’ollana, los rituales que la acompañan, los cantos, el misticismo y por otro lado una invertigación sobre la muerte en su cara más descarnada. ¿En qué país vivimos? ¿Cómo vemos la muerte del otro? ¿Qué sucede con los cadáveres de los no reconocidos? A partir de la muerte hago un análisis social, político, moral, cultural y lamentablemente atestiguo que vivimos en una sociedad profundamente enferma.

En la muestra El Silencio del Porcino seguí trabajando alrededor de la misma problemática, pongamos un ejemplo: una familia de escasos recursos hace un esfuerzo para que uno de sus miembros viaje a Europa a trabajar y enviar remesas. Esa persona fallece en el exterior. ¿Qué debe hacer una familia para repatriar el cuerpo? Conseguir entre 6.000 a 7.000 €.

En Bolivia existe una ley de repatriación gratuita e inmediata, la 3108. Hice entrevistas a bolivianos que viven en España y nadie tenía conocimiento de esa ley. Me contaron historias funestas al respecto y todas las peripecias que deben hacer para lograr una repatriación, la ley 3108 es una ley silenciada para los bolivianos.

El hilo conductor entre ambas exposiciones claramente es la problemática social, política y económica en torno a la muerte.

_{Glenda Zapata. Pánico, 2020. Instalación. Ilustración, audio y publicación.}

Diana Velásquez – ¿Cuáles son tus referentes?

Glenda Zapata – Tengo una gran variedad y en diferentes épocas de mi vida.

Para hacerlo resumido, en mis inicios como pintora fueron Francis Bacon, El Bosco, Mark Chagall y Goya.

Actualmente me encuentro cautivada por el Filósofo Byung Chul Han quien tiene una manera de retratar la sociedad actual de una manera muy lúcida y crítica. Tiene dos libros sobre la muerte que son exquisitos.

Mi referente en arte contemporáneo es definitivamente Teresa Margolles, respeto muchísimo el trabajo que hace, tan potente, crítico, mordaz y su inmensa sensibilidad para mostrárnoslo.

Diana Velásquez – ¿Qué proyectos tienes próximamente?

Glenda Zapata – Seguir trabajando, investigando, tratar de sacar a flote historias que tengan que ser escuchadas.

Estoy preparando un proyecto de investigación junto al instituto forense, lo cual me tiene con muchas ansias y emoción.

Escuchar lo que los huesos tienen para contarnos es siempre fascinante.

‘Un tigre en mi salón’ Little

Written by: Oscar Garcia Garcia • 6 diciembre, 2021

Little presenta en el Espacio Cero del Contenedor Cultural su primera muestra en Málaga. En ‘Un tigre en mi salón’ Little convierte su catarsis personal tras el confinamiento en un torrente creativo como arma para domar sus miedos, a través de varios dibujos, cerámicas y un gran mural.

Bajo el lema: afrontar las situaciones que nos marcan de por vida y convertirlas en arte, Little muestra toda su producción artística surgida a raíz del confinamiento, un episodio clave en nuestra historia reciente que, además, coincidió con momentos determinantes a nivel personal, lo que ha influido en su obra y su forma de entender la realidad.

Esta catarsis vital sirve de inspiración para su trabajo, en el que usando su habitual blanco y negro, plasma su temática favorita en su trayectoria creativa, las emociones. Así, a partir de trazos sencillos y su estilo reconocible, Little da forma al amor, los miedos, la rupturas sentimentales, el dolor, la pérdida o la amistad a través de pequeñas historias envueltas de ingenuidad y fantasía narradas desde una perspectiva tierna, directa, humana y sincera. De este modo, Little describe esta fase creativa como un proceso “sanador” con el que intenta domar a la bestia haciendo frente a sus miedos.

Artista: Little
Fechas: Hasta el 13 de enero 2022
Lugar: Contenedor Cultural, Málaga

Entrevista a Javier Melús

Written by: José Luis Martínez Meseguer • 3 diciembre, 2021

Javier Melús (Tudela, Navarra, 1961). Vive y trabaja en Madrid. Autodidacta. Pop circulando por todo su sistema sanguíneo y cerebral. Se sirve de imágenes de la cultura popular contemporánea, -fundamentalmente del cómic, de la animación, del cine-, para transmitirnos o traducirnos el mundo según él lo ve.

_{Retrato de Javier Melús. Cortesía del artista.}

PAC – Te proyectas desde Madrid. ¿Te hubiera gustado cambiar de lugar y hacerlo desde allí?

Javier Melús – Mis comienzos en la práctica artística fueron muy tempranos. He sido siempre un pintor autodidacta y desde muy joven me gustaba coger mis pinturas y perderme por los alrededores de mi pueblo para pintar al óleo todo lo que abarcaba mi vista, calles, montañas, orillas, etc. De esa época guardo una serie de obras que las contemplo con mucho cariño cuando voy a visitar a mi familia. Hasta hace unos diez o doce años nunca me había planteado dedicarme al mundo del arte pero a raíz de un par de exposiciones en las que funcionaron muy bien las ventas y sobre todo con muy buenas críticas por parte de los entendidos, me hizo plantearme seriamente abandonar mi profesión de entrenador personal y dedicarme de lleno a la práctica artística.

PAC – ¿Crees que tu trayectoria habría sido la misma?

Javier Melús – Para entonces ya había descubierto el movimiento Pop Art americano así con la obra de Warhol, Basquiat y Equipo Crónica que tanto influyeron para dar un giro de 180 grados en mi trabajo.

PAC – ¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?

Javier Melús – El Pop Art es parte de mi vida, mi inspiración siempre viene de momentos espontáneos del día a día, una película, una camiseta, una canción, me considero un urbanita y en la ciudad encuentro toda la inspiración para mis obras. Un cartel envejecido, un grafiti, todo es procesado y adaptado a la temática de mis cuadros. Los temas de mi trabajo artístico son muy variados, el comic, el cine, el diseño gráfico, el arte urbano, la publicidad, y últimamente la moda. Si a todo eso le añades un tremendo sentimiento de “Peter Pan” el resultado es lo que podéis contemplar en mis exposiciones.

PAC – ¿Qué ansiabas?

Javier Melús – En estos momentos mi dedicación al mundo del arte es al 100%, no podría vivir sin un pincel en la mano.

PAC – ¿Lo encontraste?

Javier Melús – Sé que en los tiempos que estamos vivir de “esto” es complicado pero puedo afirmar que me siento una persona privilegiada y lo que tanto ansiaba hace años se ha hecho realidad.

PAC – ¿Qué crees que puede mejorarse en el Sistema del arte?

Javier Melús – Soy de esos artistas que conciben el mundo del arte de una forma cercana al mercantilismo. Seamos sinceros, en el momento que uno firma un cuadro esa obra se convierte en un producto y como tal hay que aplicarle un proceso de venta. Dejémonos de cuestiones pseudo-existenciales, todos queremos vender y en mi caso en el momento que la obra está acabada comienzo a fotografiarla, editarla, colocarla en todas las redes sociales y mostrarla al mundo como un escritor hace con su libro o un cantante con su canción. Soy de esos artistas que utilizan los espacios alternativos para mostrar su trabajo y salvo contadas ocasiones no suelo trabajar con muchas galerías. Creo que el mundo del arte está cambiando considerablemente. Todo es online y en mi caso no tengo la más mínima duda al declarar que Instagram es la mejor galería que existe. Conozco compañeros con una magnífica obra y sin éxito alguno ¿Cuál es el problema? no saber “venderse” online, no saber editar, fotografiar, etc. su obra, no saber mostrarla y prepararla apetecible para su venta. En cambio, conozco pintores cuyo trabajo es muy vulgar pero son verdaderos expertos en adornar y embellecer su trabajo para presentarlo como un excelente producto que atrae a posibles compradores.

PAC – ¿Qué deberíamos aportar y eliminar al Sistema?

Javier Melús – Sinceramente creo que estamos en tiempos de cambio, a una galería pueden entrar veinte personas en un día, en una espacio alternativo (cafetería, restaurante, hotel, pub, etc.) puede que pasen de doscientas y si das con el público adecuado el resultado es perfecto.

PAC – Asociacionismo profesional ¿qué opinas?

Javier Melús – No lo sé, tengo mis dudas, personalmente no necesito ninguna asociación pero puedo entender que otros artistas sí que la contemplen.

PAC – Háblanos un poco de tu trayectoria.

Javier Melús – Mi proyecto más inmediato es la preparación de la exposición en Madrid en Espazio 32 y planificar todas las exposiciones de 2022 que me tendrán ocupado hasta el próximo otoño. Hay varias galerías de EE.UU. que están muy interesadas en que exponga allí y quizá me plantee saltar el charco en otoño.

PAC – ¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

Javier Melús – Mi obra está siempre en una constante búsqueda por llegar a un punto cómodo en la creación artística experimentando con todo tipo de materiales y técnicas. En la actualidad mis cuadros son el reflejo de mi vida y me siento muy cómodo reflejando en ellos toda la iconografía pop.

PAC – Un deseo.

Javier Melús – Mi deseo es poder seguir pintando con la cabeza de un tío de sesenta años y el corazón de un niño… ¿o es al revés?

“Fue. Te das cuenta, ahora.” de Rakel Gómez Vázquez

Written by: Sara Torres Sifón • 3 diciembre, 2021

La exposición “Fue. Te das cuenta, ahora.” de la artista bilbaína Rakel Gómez Vázquez acoge una selección de piezas de su serie Rojoultramar, en la que toma como objeto de observación las palmeras de las casas indianas, un símbolo colonial que está amenazado por el avance de la plaga del picudo rojo (un insecto originario del sudeste asiático que está catalogado como especie invasora y que llegó a España en la época del boom inmobiliario).

La artista entiende el proceso como una “infección que interpreto como una desmonumentalización […] Buscando la conexión entre migraciones forzosas en momentos históricos distintos, expongo un retrato contemporáneo de la historia de nuestro tiempo. Pienso esta investigación desde la práctica artística como la toma de conciencia para un cambio de paradigma. Un cambio en la observación de la narrativa de los monumentos que también atiende aquellos que son organismos vivos, y
simbólicamente coloniales, pues nos permite hacer un ejercicio de memoria. Un nuevo relato que empatiza con el entorno e invita, como propone Donna Haraway, a reconfigurar nuestras relaciones con la tierra y sus habitantes”.

Su producción plástica entiende la creación como investigación y se articula como una documentación expandida. A la consulta de archivos, bibliotecas y visitas a museos etnológicos, etnográficos, antropológicos y de arte, se une el trabajo de campo y las herramientas en las que habitualmente desarrolla un trabajo práctico a través del dibujo, grabado, instalación, fotografía y técnicas analógicas fotosensibles como la cianotipia. Ésta última una técnica de fotografía analógica que se vincula al proyecto Rojoultramar en dos
direcciones: históricamente, al tratarse de una técnica decimonónica, época del movimiento migratorio indiano, y simbólicamente, a través de su intenso color azulultramar, a los procesos migratorios y comerciales.

Rakel Gómez Vázquez (Bilbao, 1982) es artista, investigadora y profesora de la Universidad del País Vasco. Artista e investigadora, ha estudiado en el programa de artistas de la Universidad Di Tella, Buenos Aires, Argentina, en la Academia de Belli Arti de Florencia, INCREARTE y en la UPV/EHU. Actualmente está escribiendo su tesis doctoral. Ha recibido becas y premios a la creación tales como: Bilbaoarte, Beca de La Diputación foral de Bizkaia, Eremuak, o Etxepare. Es socia fundadora del colectivo ARMAR, para la investigación en arte, forma parte de TXT-LAb, del grupo de investigación AKMEKA y es colaboradora de laSia.

Fechas: Hasta el 11 de marzo de 2022
Lugar: Sala Gris de la Universidad Miguel Hernández, Elche – Alicante

“AUSENCIA” intervención artística de Christian Villamide

Written by: Oscar Garcia Garcia • 3 diciembre, 2021

La intervención artística “Ausencia” de Christian Villamide, se convierte en la primera obra de arte contemporáneo en espacio público en el municipio de Huete, Cuenca. Una pieza que se enmarca en la programación del Museo de Arte Contemporáneo Florencio de la Fuente, y se lleva a cabo gracias a la colaboración del Ayuntamiento de Huete.

“Ausencia” intenta reactivar un espacio clave, que pertenece a la memoria histórica de Cuenca, para hablar del paso del tiempo, y de las relaciones entre naturaleza y cultura. El proyecto ha consistido en dorar dos muros de ladrillo de casi 5 m de altura, que se levantaron dentro del edificio original de lo que fue el convento de los franciscanos de Huete (desde el S XIII a 1827) cuya fundación está atribuida al propio Francisco de Asís.

La obra de Christian ésta próxima a lo que fue la entrada de la nave de la iglesia. Al fondo de este espacio vemos crecer los árboles más altos, situados en el lugar que habría pertenecido al retablo (muy probablemente decorado en su momento con pan de oro). La imagen resultante nos sugiere reflexionar en torno a la metamorfosis de la madera de los árboles transformados en un retablo y este, a su vez, con el paso de los años, vuelto a convertirse en árboles. Ahora vemos un espacio arquitectónico cubierto de maleza y vegetación, que da cuenta muy explícitamente de una relación de coproducción siempre en proceso entre lo natural y lo cultural.

Una puesta en valor del “vacío” o el “hueco” que actúa en respuesta a la sociedad de rendimiento actual. La experiencia de lo ausente a veces permite este ejercicio de desaceleración y participación reflexiva de nuestro contexto. Nos invita a repensar en las maneras en las que continuamente transformamos el mundo, en cómo lo vaciamos o lo llenamos de nuevo, y en cómo lo ausente forma parte ineludible de nuestras vidas.

Sin fronteras. No borders en Espacio Mínimo

Written by: Sara Torres Sifón • 2 diciembre, 2021

Coincidiendo con el aniversario de los 200 años de la declaración de la independencia de Centroamérica de España, Omar López-Chahoud y Patricio Majano, en colaboración con la Fundación Y.ES Contemporary Exhibitions, han comisariado para la galería Espacio Mínimo el proyecto Sin Fronteras / No Borders, una exposición que, a través del trabajo de cinco artistas salvadoreños (Karlos Cárcamo, Guadalupe Maravilla, Abigail Reyes, Crack Rodríguez y Verónica Vides), desarrolla el concepto de El Salvador como algo que no puede ser definido solamente considerando las fronteras geográficas del país.

De acuerdo con el último censo, una de cada cuatro personas salvadoreñas ha migrado a otras regiones. Por lo tanto, las nociones asociadas a los conceptos de El Salvador y la identidad salvadoreña son diversas y no pueden circunscribirse a un único lugar en concreto. Partiendo de esta premisa, la muestra reflexiona sobre el concepto de El Salvador en relación con la migración, y considera la identidad salvadoreña como algo maleable y fluido, no limitado a un territorio en particular.

La selección de artistas que forman parte de esta exposición pone énfasis, según sus comisarios, en la diáspora salvadoreña, un grupo de personas que comparten una herencia común e historias similares, pero que a la vez es un grupo con identidades diversas como producto de la interacción con otras regiones y culturas. En contrapartida, la cultura de los salvadoreños migrantes, o hermanos lejanos, también es una influencia para las personas que viven en El Salvador. Estos vínculos e interacciones de cultura e historia salvadoreña con las de otras regiones es visible en las obras que integran la exhibición y se convierte en su eje principal: la imposibilidad de clasificar el arte salvadoreño actual bajo una estética específica o unos parámetros concretos. Por lo tanto, la muestra pretende desprenderse de posibles categorizaciones y establecer lo diverso como habitual.

La obra de Karlos Cárcamo refleja su interés por la abstracción y la historia del arte vistas a través del prisma de la cultura urbana. Utilizando un enfoque conceptual y formal construido por varios géneros de la cultura urbana que incluyen Hip Hop, DJ y Graffiti, realiza pinturas y esculturas que incorporan ideas como el muestreo y el etiquetado de graffiti como un medio para examinar el legado de abstracciones de la autorreferencialidad, la pureza artística y la exclusión, al tiempo que recontextualiza referencias culturales altas y bajas que subvierten aspectos de nuestra vida cotidiana dentro de su lenguaje pictórico.

Guadalupe Maravilla llegó a Nueva York en los años ochenta como refugiado de la guerra civil de su país. Conocido antes como Irvin Morazán, recientemente Maravilla re-adoptó su nombre de nacimiento y se puso como apellido el pseudónimo de su padre indocumentado. Maravilla es un artista multidisciplinar que utiliza medios como la performance, el video y la escultura para montar rituales que funden la ficción y la autobiografía.

El video que se muestra en la exposición es la documentación de una performance donde el artista aborda momentos de su vida, que incluyen migración y sanación, creando una mitología propia.

Abigail Reyes es diseñadora gráfica de formación, artista visual y poeta, ha participado en diferentes talleres y en la residencia para artistas centroamericanos Rapaces en Nicaragua. En este proyecto se muestran parte de sus series más representativas, que parten de su propia experiencia como secretaria, y que visualizan la desigualdad de género presente en El Salvador y la cultura Latinoamericana.

Crack Rodríguez es miembro de la productora de arte “The Fire Theory” y del movimiento artivista “Los Siempre Sospechosos de Todo”. Su práctica y acciones están intrínsecamente relacionadas con la cultura social, política y popular, desde donde construye fuertes lazos con el público que reacciona y/o participa y que a menudo se vuelve parte de su trabajo, no como espectadores pasivos, sino como un catalizador que activa el contexto social tratando de cuestionar y desmitificar símbolos y narraciones contadas desde el abuso de poder que quieren imponer su versión de la posverdad como la oficial. Sus obras presentan una fuerte carga política, como el vídeo y las fotos de la performance que presentamos y que ha sido una de las piezas más divulgadas por los medios de comunicación en El Salvador. En esta pieza, el artista denuncia el sistema electoral salvadoreño, haciendo una relación de las necesidades básicas de las personas con la corrupción del estado.

Verónica Vides estudió Diseño Artesanal y su obra, que se ha desarrollado desde lo tridimensional, la instalación, la intervención, las acciones, la fotografía y el vídeo, explora la relación del ser humano con su entorno reflexionando sobre nuestra interacción con el medio ambiente y la naturaleza, en la que observa una marcada mirada de separación que nos ubica como espectadores y no como parte intrínseca de ella. Las obras que presenta parten de su experiencia de haber migrado a la Patagonia, en Argentina, y la relación con el medio ambiente y entorno natural que eso implicó.

Fechas: Hasta el 29 de enero de 2022
Lugar: Espacio Mínimo, Madrid

Entrevista al artista urbano Balu: fundador de Canal Gallery

Written by: Andrea García Casal • 2 diciembre, 2021

El artista Balu (Ormaiztegi, 1984) está materializando un sueño. Un sueño tanto en cuanto nace de concebir el galerismo de una manera muy personal que quebranta el sistema artístico tradicional. Para Balu, cuya carrera se vuelca en el grafiti, Canal Gallery (Barcelona) produce un efecto depurador dentro del universo del arte, trastocando los preceptos mercantiles y creando un espacio rupturista y democrático.

No puede ser de otra manera, ya que el autor guipuzcoano no es afín al modelo de galerismo más habitual, en el que el/la artista exhibe para vender y el/la galerista obtiene beneficios gracias a las comisiones, a veces de porcentajes excesivamente elevados; sangrantes. Para llegar a este esquema básico, el/la artista ha de interesar lo suficiente como para que su obra sea mostrada, lo cual no es fácil. Además, las galerías tienden a trabajar con un grupo de artistas reducido y cerrado, así que difícilmente se puede ganar un espacio.

_{Retrato de Balu. Cortesía del artista.}

Balu rechaza las tendencias arcaizantes. El hecho de vender es fundamental, pero siempre hay que valorar otras cuestiones, al estilo de que los/as artistas de diversas ramas se proyecten con libertad, sin jerarquías ni exclusiones; ganando el dinero merecido por sus creaciones.

De este modo, Canal Gallery es una galería subversiva y erigida en un contexto en principio desfavorable debido a la COVID-19. Una galería levantada por un artista para artistas, que obra basándose en la igualdad, la diversidad, la tolerancia y el compañerismo. Su inauguración se producirá el día 2 de diciembre mediante la exposición CEREMONY, aunque ya se puede visitar el lugar desde hace dos semanas.

Ahora es el momento de que nos aproximemos a la figura del artista urbano Balu —de carrera tan transgresora como su galería— y su nuevo proyecto Canal Gallery.

PAC – ¿Cómo empezó tu interés por el arte?

Balu – Soy una persona con una imaginación muy grande y siempre tuve interés en el arte, pero cuando empecé a pintar grafiti allá por el año 1998-1999 descubrí una nueva manera de expresión y siempre tuve claro que aquello que muchos catalogaban como ilegal, yo lo veía como una de las maneras más revolucionarias de expresión artística.

PAC – ¿Tienes formación artística?

Balu – Comencé a estudiar interiorismo en Kunsthal de Irún, pero luego comencé arquitectura en ETSAB de Barcelona. Tras un tiempo me di cuenta de que lo que me gustaba es lo que hay detrás, la teoría y el pensamiento, con lo que comencé a estudiar filosofía (UNED), que es una de las cosas que más me gusta, sobre todo la filosofía del arte, la estética.

PAC – Te conocemos gracias al arte urbano que practicas. ¿Qué te inspira de un arte que, por un lado, tiene un gran público, pero que asimismo es efímero?

Balu – Una de las cosas que más me gusta es que sea efímera, el devenir, y ver cómo esa obra evoluciona con el tiempo. Puede mantenerse durante años, o puede durar minutos. Al igual que pasa con el land art, lo único que nos queda es la documentación. En mi caso, utilizo conceptos teóricos de la filosofía y los aplico en el espacio público con mi obra, por eso la importancia del contexto, de la relación de la obra con el espacio.

_{Exterior de Canal Gallery. Cortesía de la galería.}

PAC – ¿Realizas obras basadas en el arte urbano, pero pueden ser adquiridas?

Balu – Me interesa mucho la técnica del stencil, llevo más de 15 años desarrollándola. Me encanta la idea de rescatar una técnica tan antigua como es el troquelado o la manera de trabajar que los rotulistas desarrollaron antes de que la tecnología digital llegase, e introducirla en un contexto diferente, dotarlo de valor artístico. Me fascina como la superposición de colores planos pueden llegar a crear volumen.

He expuesto mucho en Nueva York, por ejemplo, ya que he vivido allí y he ido como 14 veces para desarrollar mis proyectos artísticos. Pero por ejemplo en Barcelona no he tenido obra disponible en ningún espacio. Ahora comienzo a introducir mi obra en galerías.

PAC – Siendo de Gipuzkoa, llevas muchos años afincando en Barcelona. ¿Cómo surgió?

Balu – Vine solo a Barcelona hace 16 años porque tenía unas inquietudes que mi pueblo, al ser tan industrial, no me podía ofrecer. Quise experimentar otro estilo de vida y me encantó la ciudad.

_{Exposición LIO21 de Ornamante en Canal Gallery. Cortesía de la galería.}

PAC – ¿Cómo comenzó la idea de erigir una galería de arte tras más de veinte años de carrera como artista?

Balu – Canal Gallery es una reacción a todas las malas experiencias que todos los artistas hemos sufrido en torno al arte por parte de las galerías, agentes culturales, instituciones, artistas…

Es una propuesta que nace del corazón y de la sinceridad y porque creo profundamente que las cosas se pueden hacer de otra manera.

Barcelona es ciudad de grandes artistas y ciudad de grandes egos, no me ha gusta mucho cómo funcionan las cosas en torno al arte en esta ciudad la verdad, en Madrid, por ejemplo, funciona de otra manera.

Prácticamente todos los artistas que hay en la galería son amigos míos, y entre ellos son amigos. Llevo muchos años conociendo gente y visitando talleres de artistas, por pasión, y esta pasión y amistad me ha llevado a trabajar con ellos.

Todo es devenir y hay modelos de negocio que quedan obsoletos. Las galerías siempre existirán, pero la manera de trabajar, exponer y el propio arquetipo de galería tiene que cambiar.

Canal Gallery es una galería para todas y todos y para casi nadie.

PAC – ¿Vas a centrar la galería en tus piezas artísticas o prefieres comisariar proyectos y/o encontrar artistas que quieran exponer?

Balu – Tendré obra mía y será un espacio donde podré desarrollarla ya que el espacio tiene como 360 metros cuadrados y se pueden realizar muchas cosas, pero me centraré en la dirección de arte y en comisariar exposiciones.

_{Vista de la exposición CEREMONY. Cortesía de la galería.}

PAC. ¿Ya tienes programada una primera exposición para la galería? Cuéntanos algo más al respecto.

Balu – Ya tengo todo el año 2022 cerrado de exposiciones. La primera exposición, CEREMONY, es una colectiva que está compuesta por 60 artistas; artistas que tendrán obra en la galería de continuo. La línea que la galería tiene es muy clara y una, y es que no hay línea, todo ARTE es bienvenido, desde grafiti de primera, segunda y tercera generación a grafiti actual, street art, ilustración, arte contemporáneo, videoarte, fotografía, escultura, postgrafiti y cualquier expresión artística. Artistas como Cornbread, Javier Mariscal, Germán Bel Fasim, Art is Trash, Ricardo Cavolo, Rosh, Popay, Buny, Cristian Blanxer, Lily, Gerard Fernández Rico, Marco Prieto… ¿Qué tienen que ver todos estos artistas entre ellos? Todo y nada. Con CEREMONY quiero celebrar la unión, no solo de todas las disciplinas, sino celebrar la palabra UNIÓN en mayúsculas. La unión entre disciplinas, personas, ciudades, pensamiento, buen hacer, prácticas… Es un ensalzamiento de la vida y de la muerte.

PAC – Dinos cómo planteas el funcionamiento y programación de la galería a largo plazo. Quizá ya tengas varios eventos concretados que nos quieras comunicar.

Balu – Canal Gallery no es solo una galería, es un espacio de encuentro, un espacio cultural. En este se desarrollarán conferencias, clases, talleres, residencias artísticas, exposiciones, presentaciones, shootings, se alquilarán espacios…

El primer evento es LIO21 de la mano Ornamante en colaboración con diferentes artistas como Dulk, Olga Esther, Dhani Barragán… Seguimos con CEREMONY el 2 de diciembre; fecha en la que inauguro la galería. En enero hay una exposición que comisariará mi socia Teresa Arroyo de la Cruz con los artistas que ella gestiona, haciendo un puente y unión entre Barcelona y Madrid. En febrero tenemos la exposición Error! Design de Xavi Forné donde nos mostrará su trabajo de cartelería y diseño que lleva desarrollando desde hace más de 15 años. Para marzo tenemos una la exposición de Barcelona Showdown: una muestra de la historia de grafiti en el metro de Barcelona y en abril una exposición antológica de la carrera artística de Javier Mariscal. De momento puedo anunciar estas, pero habrá muchas sorpresas.

LABA VALENCIA presenta la exposición “LABA FIRENZE PHOTO”

Written by: Oscar Garcia Garcia • 2 diciembre, 2021

La exposición LABA FIRENZE PHOTO, con la que LABA Valencia School of Art, Design & New Media ha inaugurado su primer año académico, se prolonga hasta la Navidad. Esta muestra es el primero de los intercambios internacionales que se realizarán anualmente entre los alumnos de la sede de España y los de LABA Italia. Está formada por una selección de las mejores obras del último curso del grado de Fotografía de LABA Firenze, con fotografías de Camilla Poli, Davide Piro, Desirè di Giorgio, Lorenzo di Leo, Niccolò Morelli, Sarah Melchiorri y Valentina Duò.

“La colección de trabajos propuestos por los estudiantes del tercer año de Fotografía de LABA Firenze, invita al observador a un camino hacia el sentir interior, un camino que recoge la relación de uno mismo con los demás, los miedos y los momentos de reflexión. A través del medio fotográfico y la efectividad de las imágenes, cada autor se pone en la posición de destripar sus emociones íntimas para compartirlas con el espectador.” Massimiliano Lisi, Coordinador del Departamento de Fotografía de Laba Firenze.

Camilla Poli
Fluctuat nec mergitur, del latín “flota y no se hunde”, es la sensación de mantenerse a flote sin hundirse y ahogarse, en momentos turbulentos de la propia existencia, cuando detenerse y mirar las cosas desde una perspectiva diferente se convierte en una capa intermedia necesaria tanto como el acto de respirar. Un viaje interior en busca de ligereza y equilibrio, que solo se puede lograr a través de la autoconciencia. El proyecto, todavía en constante evolución, es un redescubrimiento por parte del fotógrafo de las capacidades expresivas del medio fotográfico.

Davide Piro
El aullido oscuro y siniestro del lobo siempre ha aterrorizado al ser humano, se desconoce su origen y esta incertidumbre ha convertido a este animal en el arquetipo del mal. La del pastor, su ganado y el lobo es una historia milenaria. La convivencia con este animal es un pacto incontrolable con la naturaleza y esta es quizás la causa del eterno conflicto con el hombre: la incapacidad de controlar esta parte de la naturaleza. El lobo por naturaleza y comportamiento social es el animal que más analogías tiene con el ser humano en el que se refleja esta duplicidad de carácter. La violencia despiadada y voraz del lobo contrasta con la bondad del pastor, que protege a su rebaño. El ganado, el pastor y el lobo. Miedo, protección, supervivencia.

Desirè di Giorgio
No hablo humano, quiero relacionar la figura humana con los elementos de la naturaleza, es un proyecto que nos compara, como seres humanos, con todo lo que nos rodea. No nos diferenciamos del agua del mar, de las hojas, de los árboles o de la brisa del viento, somos parte de la vida y la naturaleza, precisamente porque somos la naturaleza misma. En el todo del todo, del todo universo, existimos. Este es un viaje, el viaje de la evolución, pero no solo humano, si los seres humanos quieren decir siendo diferente y sintiéndome privilegiado, no hablo humano. Entiende a este humano y entenderás que eres débil como una hoja, pero fuerte como un árbol.

Lorenzo di Leo
“Un verdadero Scout es considerado por los otros chicos y también por los adultos, como uno que se nos puede dar. Uno que nunca fallará en su deber, incluso si esto implica riesgos y peligros, un tipo alegre y alegre, sin importar las dificultades que tenga frente a él” Robert Baden Powell. Estote Parati es un proyecto en marcha que nació con la idea y la voluntad de intentar contar el mundo del Movimiento Scout desde un punto de vista interno. El deseo de tener una visión general de esta realidad crea un mundo casi mágico para los ojos externos.

Niccolò Morelli

Sarah Melchiorri
Ouroboros es la repetición de una situación que se presenta como la misma al anterior, redundante en su significado, pierde todo tipo de razonamiento apropiado. Ouroboros es un evento que no está completamente asimilado, del cual no se pueden extraer conclusiones ni lecciones. Ouroboros es banal, desprovisto de originalidad, una copia de esquemas. acciones conductuales implementadas de tal manera que salven al individuo de una imagen inhóspita. Ouroboros es rudo, cuenta una historia común que no tiene. Necesito explicar por qué tiene lugar en los arquetipos de el conocimiento común deja espacio para la idea del individuo único sin invadir sus pensamientos con palabras inútiles. Ouroboros es una serpiente que se muerde la cola, se persigue y no nunca se pone fin a sí mismo, sigue volviendo y un provocar las mismas pero nuevas situaciones. En las imágenes fluyen gestos naturales evidentes, pero ocultos a la conciencia, que se olvidan solo para ser revividos con el mismo disparate.

Valentina Duò
Este cuento nace de un sueño y quiere ser la descripción visual del mismo. El trabajo tiene como objetivo mostrar la poética del autor entre fotografías de archivo y montaje. vuelve sobre la experiencia del sueño de una manera cinematográfica. Habla de una niña sin nombre que un día, en la playa, con sus padres y dos hermanos gemelos, desaparece en el agua. Después de unos años los padres deciden dar a luz otra niña, llamada Verónica, casi para reemplazarla. Cuando Veronica crece, siente la necesidad de acercarse al mar y al agua. Ve a su hermana, que se ha convertido en una criatura marina destinada a permanecer en su mundo durante eternidad. Es un puro ejercicio de estilo, una pieza única destinada a hacer que la mente del espectador que, evitando la pasividad del relato didáctico, resalta su forma semicircular, abierto a infinitas conclusiones.

Artistas: Camilla Poli, Davide Piro, Desirè di Giorgio, Lorenzo di Leo, Niccolò Morelli, Sarah Melchiorri y Valentina Duò.
Fechas: Hasta finales de diciembre 2021
Lugar: LABA Valencia, Carrer de Quart, 23 Valencia http://www.labavalencia.net

“Containers”, de Manuel Quintana Martelo, en el MARCO de Vigo

Written by: Victoria Arribas Roldán • 1 diciembre, 2021

El Museo MARCO de Vigo acoge la muestra Containers, del artista Manuel Quintana Martelo, proyecto en el que el artista lleva trabajando ininterrumpidamente desde 2012, centrándose en una serie de cuadros en los que el motivo o punto de partida son los contenedores que encuntra en las ciudades que visita. La serie está basada en un conjunto de contenedores que son tratados no solo como piezas escultóricas sino como bodegones urbanos.

El propio Quintana Martelo explica así su trabajo: El 14 de marzo de 2012, a las 14.36, paseando de la Gran Vía hacia Atocha, en la calle Marqués de Cubas 23, veo un contenedor amarillo en el que impactaba el sol en ángulo oblicuo, de derecha a izquierda: mi luz preferida y la que uso en casi toda mi obra. Tomé una fotografía y en días posteriores volví a ver el mismo contenedor, con variaciones en la carga, hasta que un día ya no estaba.

Mantuve la imagen en la retina y en el pensamiento durante un tiempo y pensé que era un buen motivo para una pintura: su impacto visual, la carga casi perfecta (hice una breve corrección al fotografiar) y una luz espléndida. En los días posteriores miraba la fotografía con frecuencia y daba vueltas a una idea que poco a poco iba tomando forma: la obra tenía que ser grande, buscando casi el tamaño real, así que me hice con el material necesario y asumí los riesgos propios de quien empieza un trabajo y no tiene ni idea de cómo puede terminar.

Mi discurso se dirige hacia la búsqueda permanente del resultado final, estudiando muchas variables y posibilidades, trabajando con papel, imagen fotográfica, imagen real, acuarela, óleo, etc., hurgando en todo el juego de formas y planteamientos para detener la imagen en un punto último, sabiendo que, en realidad, ese punto nunca es ‘el último’ y que las distintas opciones siempre van a estar presentes.

Pinto contenedores porque son un elemento cotidiano en el paisaje urbano, porque son algo más que un lugar para desechos y olvidos, pero también porque es divertido divagar sobre la teoría igual que sobre la pintura, y quizá es lo que hago: divagar, encontrar y volver a encontrar, ver y analizar lo que veo, objetualizar la imagen vista y convertirla en materia para la expresión deseada.

Containers se compone do obras de diferentes formatos, y se incluyen además bocetos preparatorios, dibujos y acuarelas de gran escala, de forma que el montaje en su conjunto permite conocer en detalle el modo de trabajar del artista, y su respuesta ante distintos soportes.

Esta muestra, producida por el MARCO, supone la primera exposición individual de Quintana Martelo en Vigo desde 2003, y una vez finalizada viajará a la Sala Rekalde (Bilbao, Diputación Foral de Bizkaia), donde se exhibirá a partir del mes de marzo de 2022.

Artista: Manuel Quintana Marcelo

Fechas: hasta el 27 de febrero de 2022

Lugar: Museo MARCO, Vigo