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II edición del premio “El Pincel de Cuixart”

Written by: Oscar Garcia Garcia • 23 mayo, 2016

El próximo jueves 26 de mayo se celebra la segunda edición del premio “El Pincel de Cuixart”. Promovido por la Fundación Cuixart tiene como objetivo dar a conocer la trayectoria artística de talentos nacionales, que en ocasiones, son más valorado fuera de nuestras. La Fundación Cuixart también presentará la plataforma de nueva creación URBANART. BARCELONA, que surge a raíz del éxito de las sinergias generadas en entorno al premio.

Uniendo celebración, entrega de premio y presentación, la Fundación Cuixart nos invita a un evento el día 26 de mayo con diferentes contenidos: una instalación interactiva realizada por Xavi Bove donde las tecnologías son aplicadas al arte en un formato titulado Canciones Visuales, una decoración intervenida por el artista Nei Albertí, una exposición de pinturas de STREET ART realizada durante el año 2015-16 por unos 16 artistas, y un happening artístico con lo que ponemos en marcha la colaboración con la plataforma canadiense ARTBATTLE.COM, con una Batalla de Arte/Arte-Battle con artistas de probada trayectoria. Dispuestos a intervenir durante las horas que siguen el acto de entrega de los Pinceles de Cuixart, el ArtBattle consiste en acabar una tela de gran formato ante un público que tendrá que decidir cuál de ellos es el más astuto, a través de una votación presencial como a través de la votación desde nuestra página de Facebook.

El evento está organizado por Fundación Cuixart y AV-Drop. Ambos han promovido la creación de esta plataforma de management de arte, que trabaja como herramienta para todo event designer. URBANART.BARCELONA funciona como excelente partner de creación y adaptación de espectáculos, happenings, road shows, mapping, videoarte y un largo etcétera.

A partir de las 10:00h. y a lo largo del día 26 de mayo, en las instalaciones de ShowTex España (Carrer Maracaibo, 16 08030 Barcelona), los artistas crearán sus obras expuestas a todo el público que decida acercarse. A las 19: 30h. se entregarán los premios del Pincel de Cuixart, acompañados por más acciones.

“Rumia” Antonio Montalvo en Espacio Mínimo

Written by: Sara Torres Sifón • 20 mayo, 2016

La galería Espacio Mínimo acoge “Rumia”, la tercera exposición individual de Antonio Montalvo en la que se muestra una selección de pinturas pertenecientes al trabajo realizado por el artista en los cuatro últimos años.

Sobre este trabajo, Óscar Alonso Molina, en su texto, Antonio Montalvo, lo enajenado que se cuenta en escena, dice lo siguiente:

Pintar animales como si fueran bodegones; desnudos como si fueran animales; bodegones como si fueran cuerpos… parece un simple truco, una suerte de maniera por la cual las cosas son lo que parecen pero, al mismo tiempo, algo más que se asoma a través de ellas con discreción.

Aunque, veréis, no es tan sencillo, porque esa discreción aquí no implica, necesariamente, mesura o moderación, ni siquiera ausencia de tensiones, ligereza; no, lo perturbador que se vislumbra en las escenas de Antonio Montalvo se impone en la conciencia del espectador casi os diría que con brutalidad, cuanto menos con cierta crudeza.

Allí dentro, tras de las apariencias más anodinas –unos paños, unas nueces, flores, telas y drapeados, ganado de granja- se amasa lo insondable, aquello que se va a manifestar en algún momento para dejarnos sin habla frente a la imagen, de la que, por lo demás, hasta entonces apenas habrá mucho que decir…

También la presencia del mal se ha hecho presente característicamente así en el lenguaje cinematográfico, herencia de la literatura gótica y de terror del XIX donde el modelo es abundantísimo, y con ese mundo comparte Montalvo el gusto por las atmósferas cargadas, los efectos de luz atemperada y enrarecida, cierta delicuescencia de lo presentado en escena.

En efecto, en la obra más reciente del pintor hay todo un subtexto que apunta a la liturgia y la dramaturgia, a los aspectos rituales más variados, desde los religiosos y eclesiásticos hasta los fetichistas, salpicando aquí y allá el modo en que seres y enseres encaran el cuadro, las composiciones en paralelo al plano de representación.

El desorden que se anuncia en su forma –y objetivos- de tratar con los géneros clásicos, se prolonga pues hasta el sentido moral de estos pequeños pero terribles montajes cuya explicación nunca se completa, dejando en suspenso el sentido de lo que vemos. Montalvo en su pintura toma siempre una de estas dos opciones: volcarse sobre detalles y primeros planos que dejan fuera de encuadre aquello que justifique su acercamiento a ese punto concreto del conjunto, o recrear ensamblajes con alguna mayor complejidad estructural y aire surrealizante, desde donde se apunta, sin configurarse nunca, la alegoría.

Así, frente a la atención pormenorizada que reciben por su parte un mendrugo de pan, unas cáscaras, un puñado de astas, o un desecho de carnicería, enigmáticos en su simple y directo estar en el mundo, puro símbolo contenido, tenemos el despliegue de alusiones desprendidas en el otro tipo de imágenes, donde los animales, quién sabe si vivos o disecados, se mezclan con trapos y mobiliario en los más desconcertantes contextos, mientras el cuerpo humano, cuando aparece, desnudo, a veces atado, tampoco nos explica si sufre o goza, como tampoco las flores que allí vemos nos permiten deducir si están frescas o secas, si son naturales o artificiales…

Ese sentido clausurado, obsesivo y luctuoso de la existencia que se manifiesta en la obra reciente de Montalvo la verdad es que no sé de dónde se destila; es propio ciertamente de no pocos pintores dotados que aman con ardor sofocante el arte antiguo, cuya pasión adquiere la textura de la reliquia: mágica pero mortecina, capaz de obrar milagros desde la renuncia a la reencarnación completa, a la vida plena…

La pintura de Borremans, o la de nuestro Jorge Diezma, por no irnos tan lejos, son prueba de tan desconcertante mezcla entre el lujo y el luto, cuya mezcla es, huelga decirlo, una de las claves de los efectos barrocos en estética. Con ellos comparte Montalvo una capacidad única para avisar de lo terrible que anida en lo que de momento sólo empieza a enrarecerse, a desvelarse en cuanto enigma de lo visible, hablando como desde un lugar otro. La otra genealogía que me gustaría proponeros para la más inefable cualidad de la pintura de Montalvo, ésa que, ya os digo, apunta a que todo en ella parezca abocado a la muerte –y no necesariamente natural ni la más dulce-, tiene que ver con esa distancia que desde el romanticismo al simbolismo tomaron otro tipo de artistas al constatar lo intratable del mundo, esto es: justo lo que le vuelve realmente interesante y lo lleva a devenir escenario, abriendo nuestra capacidad de resiliencia.

Artista: Antonio Montalvo
Fechas: Del 21 de mayo al 22 de junio de 2016
Lugar: Espacio Mínimo, Madrid

“La Causa” o la faceta desconocida de J.M. Ferrater

Written by: Victoria Arribas Roldán • 20 mayo, 2016

La Nave de Fomento del Museo del Ferrocarril acogerá, desde el 1 de junio, La Causa, proyecto pictórico de un artista que rara vez ha sido presentado como artista plástico: José Manuel Ferrater. Conocido por todos como fotógrafo artístico y de moda en el ámbito internacional, desde hace décadas viene desarrollando en soledad y en silencio, una obra paralela, que ahora muestra al público, y que narra su búsqueda de un lenguaje de expresión personal y sin concesiones.

El núcleo de La causa lo forman 50 pinturas de gran formato pertenecientes a tres grandes series centradas en la idea de la memoria, el dolor y la violencia. En la primera de dichas series, Tarde (2009), ese dolor adopta una temática muy concreta: la agonía y el sufrimiento inherente a la tauromaquia. Estas obras tienen su origen en un conjunto de fotografías que tomó años atrás después de varias corridas, con el objetivo de documentar la muerte del toro en la plaza y su traslado posterior. Todas ellas despliegan su fuerza expresiva mediante figuras zoomorfas –toros, oscuros pájaros– que evocan ecos de la iconografía atávica del arte primitivo.

En la pintura de Ferrater, la evolución de los colores primarios se resuelve en la paleta cromática que lleva años utilizando: rosa, turquesa, color piel; tazadas en lienzos que respetan las proporciones habituales en la fotografía y perfiladas sobre fondos negros que también remiten a la oscuridad que precede a todo acto fotográfico. Sus violentas figuras invaden las pinturas que, desde 2010, componen La causa: Tiara y La Causa: Wave, dos series que constituyen el ciclo pictórico más importante de Ferrater, y que, en palabras del propio artista, se trata de un conjunto de obras que se interrogan sobre su “pasado de depredador”, en alusión a un episodio autobiográfico: durante su niñez y su adolescencia temprana, Ferrater pasó largas temporadas de soledad y retiro en el bosque.

El punto de partida para estas pinturas son fotografías personales, íntimas, tomadas en ocasiones con un teléfono móvil.

Ferrater, que se confiesa lector empedernido de Conrad, Kafka, Faulkner, Joyce, Eliot, Lowry o Woolf, ha compuesto en la última década la colección de poemas La causa. Dichos textos comparten el sentido ético y estético de sus pinturas: indagaciones acerca de la violencia, imágenes atávicas, presencias simbólicas, inquisiciones autobiográficas, recuerdos y enigmas. En cierto modo, es como si en estos poemas Ferrater hubiera trazado una autobiografía, que poco tiene que ver con su faceta más conocida, la de fotógrafo de moda.

Sobre J. M. Ferrater

J. M. Ferrater (Barcelona, 1948) inicia en la década de los 70 una carrera como fotógrafo de moda que le llevó a trabajar durante dos décadas para las revistas internacionales más importantes. A principios de los noventa regresa a Barcelona donde abrió su propio estudio de fotografía, realización audiovisual y dirección de arte, comenzado a explorar la pintura, la escultura y la escritura. En 2008 mostró por primera vez en público una de sus series pictóricas, Los niños de Benin.

La causa es su último y más ambicioso proyecto artístico hasta la fecha y se presenta al margen de los circuitos artísticos y despojado de toda intención comercial.

Artista: José Manuel Ferrater
Fechas: Del 2 al 18 de junio de 2016
Lugar: Nave de Fomento. Museo del Ferrocarril, Madrid

Truck Art Project crece con 5 nuevos camiones

Written by: Oscar Garcia Garcia • 20 mayo, 2016

El pasado domingo, las naves de Palibex se convirtieron en escenario del arte más vanguardista en directo. Cinco nuevos camiones fueron intervenidos por los artistas Carlos Aires, Celia Macías, Sixe Paredes, Felipe Pantone, Gorka Mohamed y Matías Sanchez; después rodaron en convoy por la M-45 de Madrid.

Truck Art Project es un proyecto de mecenazgo artístico único en el mundo que transforma camiones de rutas comerciales en lienzos por algunos de los más reputados artistas de la escena contemporánea artística española. Empezó sus primeras andaduras en la feria ARCOmadrid2016 y su objetivo es llegar a una flota de 100 camiones intervenidos, contando ya con 12 piezas de prestigioso “arte en movimiento”, cinco de las cuales se han pintado este fin de semana en Madrid.

El pasado 15 de mayo, los artistas Carlos Aires, Celia Macías, Matías Sánchez y Gorka Mohamed en la vertiente de arte contemporáneo, y los artistas urbanos Felipe Pantone y Sixe Paredes acompañados por el mecenas Jaime Colsa y el comisario Fer Francés se enfrentaron al reto del lienzo blanco en una lona de camión ante la mirada de los curiosos visitantes que se acercaron a las naves de Palibex en Villaverde para presenciar el momento en un ambiente festivo con música en directo y food trucks. El artista Carlos Aires interpretó su camión con un provocador mensaje: MORIREMOS en una lona plagada de fotografías de personajes famosos y desconocidos reflectante. Celia Macías acompañó su obra con dos fotografías recientes de edificios de Nueva York y México para contrarrestar la estatismo de los edificios frente al movimiento en las carreteras. Los artistas Gorka Mohamed y Matías Sánchez interpretaron un mismo camión con pintura plástica y unos curiosos personajes salidos del imaginario de cartoon y simbolismo religioso. Por último, el artista urbano Felipe Pantone con su cara cubierta interpretó el camión con su particular estilo de grafismo y aerógrafo mientras que Sixe Paredes a través de un galimatías numérico hacia una critica a las encuestas y estadísticas incomprensibles vertidas por la prensa en la crisis.

La Isla, nueva galería de arte en Madrid

Written by: Sara Torres Sifón • 19 mayo, 2016

La calle Doctor Fourquet tiene nuevo inquilino, en el numero 30 encontramos La Isla, una nueva galería de arte contemporáneo, que inaugura su espacio con la exposición “Los trabajos de Hércules” de Ugo Martínez Lázaro.

Luis Santamaría explica que: “La Isla será un espacio expositivo en el que tendrán presencia aquéllos artistas cuyas creaciones pensamos que, en alguna medida, hacen aportaciones o amplían las fronteras de sus propios discursos y posturas en una suerte de constante reflexión y aprendizaje.”

La exposición inaugural titulada “Los trabajos de Hércules” del artista mexicano Ugo Martínez Lázaro y bajo el comisariado de Andrés Isaac Santana, muestra una selección de piezas de dos periodos distintos en su trabajo, que se encuentra en continua búsqueda y experimentación dentro de los distintos lenguajes plásticos.

La galería es un proyecto de Aularte (creado en 2014 por el historiador del arte Luis Santamaría). Un proyecto pedagógico que suma a su espacio didáctico (en el que se imparten cursos, conferencias…) un lugar de exhibición y de discurso crítico en el que poder refrendar el valor del arte y certificar, más si cabe, la labor que hacen en el aula.

Artista: Ugo Martínez Lázaro
Fechas: Del 19 de mayo al 19 de junio de 2016
Lugar: La Isla, Madrid

Andrés Pachón “Magic Latern”

Written by: Oscar Garcia Garcia • 19 mayo, 2016

La galería polaca Rodríguez Gallery presenta la segunda exposición individual dedicada a un artista español. Se trata del último proyecto de Andrés Pachón, Magic Lantern, en el que nos desvela las ficciones y fantasías contenidas en el imaginario occidental de mundos exóticos.

La linterna mágica fue un artefacto para proyectar imágenes creado en el siglo XVII; se trata de un precedente del cinematógrafo que se situaba a medio camino entre las recreaciones científicas, las diversiones populares y los emergentes medios de comunicación de masas, a medida que generaba un imaginario que filtraba la cultura visual occidental.

Este trabajo se presenta como una arqueología del soporte fotográfico empleado en las últimas linternas mágicas: diapositivas de vidrio datadas entre 1890 y 1930, que en ocasiones, como en las placas que aquí se usan, eran pintadas a mano. Estas diapositivas responden a paisajes de Oriente Próximo, donde el valor etnográfica de las fotografías se solapa con el imaginario bíblico.

A través de distintos recurosos se extrae la capa pictórica de las placas, aislando la acuarela de la fotografía y recuperando el trazo de las pinceladas.

Magic Lantern nos sitúa entre la capa del gesto manual y la capa de lo mecánico fotográfico, subrayando cómo el ojo occidental construye su imaginario bajo la falsa idea de objetividad atribuida al automatismo fotográfico.

No sabemos quién precede a quién, si la imagen fotográfica a la pictórica o viceversa; definitivamente nuestra imagen del mundo es la copia de una copia, un solapamiento de capas donde no tiene cabida el referente.

Artista: Andrés Pachón
Fechas: Del 19 de Mayo al 16 de Junio de 2016
Lugar: Rodríguez Gallery, Poznan (Polonia)

II Convocatoria para artistas de La Colmena

Written by: Victoria Arribas Roldán • 19 mayo, 2016

La Colmena, proyecto artístico de La Grieta, busca dar apoyo a artistas jóvenes y comisarios residentes en España a través de sucesivas convocatorias. Mediante exposiciones, talleres, su archivo digital y la revista La Grieta, se les proporciona formación y visibilidad en el panorama del arte contemporáneo. La comunidad de La Colmena fomenta un diálogo a tres voces entre los artistas, los comisarios y el público para generar un espacio crítico y de debate.

Bases de la convocatoria

Los interesados/as en formar parte del proyecto deben enviar un documento PDF de un máximo de 15 MB a info@lacolmenaonline.com antes del 25 de mayo con la siguiente documentación:

-Currículum vitae resumido.

-Dossier fotográfico incluyendo ficha técnica de cada obra, con un máximo de 15 hojas en total.

-Artist statement (500 palabras máx.).

Requisitos de participación

-Ser persona física, se aceptan propuestas como colectivo.

-Residir en Madrid o tener la facilidad de desplazarse a esta ciudad donde tendrán lugar la mayor parte de iniciativas.

-Tener 35 años o menos en la fecha de la convocatoria.

La II Convocatoria de La Colmena queda abierta del 25 de abril al 25 de mayo. Se dará una respuesta a todos los participantes y el fallo será el 3 de junio.

Cualquier duda o consulta a info@lacolmenaonline.com

II Beca de Fotografía TAI

Written by: Oscar Garcia Garcia • 18 mayo, 2016

El Centro Universitario TAI (Transforming Arts Institute) convoca la II edición de su Beca de Fotografía Campo de Imagen Avanzada para identificar nuevos talentos que deseen explorar las nuevas tendencias de esta disciplina artística.

TAI, con esta convocatoria, pretende identificar nuevos autores, nuevos artistas, capaces de responder a los retos actuales. Los ganadores percibirán dos becas de 17.970€, que dan cobertura íntegra para estudiar el Master en Imagen Avanzada de Moda y Estilo (MIA); y dos becas de 17.970€, para estudiar el Master en Fotografía Artística y Narrativas Fotográficas Documentales (MAFAD) de TAI en el curso 2016-2017.

La sociedad consume de forma masiva millones de imágenes, y necesita de nuevos contenidos, de innovadores narradores visuales, empoderados por sus miradas de autor. Formar a profesionales capaces de responder a estas exigencias constituye el desafío que ha asumido, de forma pionera, el Centro de Fotografía TAI. La imagen avanzada es un concepto acuñado por TAI para designar las nuevas tendencias en esta disciplina, que ya aúna, como una realidad indivisible, la imagen fija con la imagen en movimiento. Así, el fotógrafo, una vez adopta como instrumento a la cámara fotográfica digital, se ve abocado a abordar el desarrollo de su proyecto no sólo a base de instantes fijos, sino también de vídeos y de narraciones fílmicas. De hecho, la moda, el fotoperiodismo o el arte ya están incorporando este tipo de conceptualizaciones.

Toda la información y bases aquí.

Un tabú llamado ARTE - ensayosABSOLUT by PAC

UN TABÚ QUIZÁ LLAMADO ARTE

Written by: Oscar Garcia Garcia • 18 mayo, 2016

Después de presentar el primer y segundo prólogo de nuestro libro Ensayos ABSOLUT, aquí tenéis el tercer y último prólogo “UN TABÚ QUIZÁ LLAMADO ARTE” escrito por Kerman Romeo ( Marketing ABSOLUT).

Estamos de acuerdo en que estamos en desacuerdo. O quizá no. Definir lo que es el Arte y el papel que juega la Transformación en él entraña una dificultad rayana a la desintegración de un átomo. Sin exagerar. Basta con devorar con fruición este Libro de Ensayos para constatar que una misma palabra, ésa palabra, plantea distintas acepciones según el prisma desde el que se mire o, incluso, el día en que se formule. Y no hay ninguna que sea más correcta que otra, con lo que tienes todo el derecho a estar en desacuerdo con cualquiera de ellas o con todas.

No sabemos definir por consenso Arte y Creatividad. Y eso es precioso, porque significa que no hay dogmas. Si el lenguaje sirve para expresar necesidades o ideas, el Arte funciona para mostrar todo aquello que no somos capaces de verbalizar, para desnudar tabúes de los que nos avergonzaríamos si los confesásemos con palabras. Es un pedazo de una verdad individual que nace desde las entrañas, que saca a la luz nuestros miedos, pasiones, elucubraciones y perversiones. Desnuda nuestra intimidad. Y eso, en ocasiones, abruma. Ruboriza.

Tanto al que muestra hasta el tuétano, como al que teme verse atraído por esos misterios, excitado ante algo por lo que siente empatía. Porque el Arte y la expresión creativa desatan nuestros instintos más oscuros, porque parte desde adentro, es más de impulso que de raciocinio, más de seducción que de conquista. Más de escalofríos que de convicción. Quizá, o quizá no, nos cuesta abrirnos en canal porque nos da miedo reconocer que aquel sentimiento que tenemos frente a nosotros nos conmueve, lo reconocemos y hay que tener valor para enfrentarse a él.

Coraje también para promover un nuevo destape. Sí, rasguémonos todas las vestiduras, hasta las que se guardan con más celo, y perdamos el pudor a mostrar y opinar. A decir la verdad. Porque nadie podrá convencerte de que estás equivocado. ¿Quién puede juzgar una sensación, tu sensación? Nadie puede reprocharte que algo se contraiga en ti, o todo lo contrario, al colocarte cara a cara contra un pedazo de verdad individual. Ante una pieza de Arte. Con mayúsculas y con una carcasa de mayúsculo tamaño. No hablamos de una disciplina cerrada de espacio acotado. Las emociones son fugitivas, más si se ven amenazadas.

Y las sensaciones se transforman, mutan. Si el ser humano no es un participio, sino un gerundio, por ende el Arte no es un producto terminado o una percepción invariable, sino que se va construyendo y va variando conforme cambiamos. Arte es igual a sintiendo, Arte es igual a construyendo. Al estar en contacto con emociones, con esa negrura brillante a la que el Arte dota de aliento, lo que un día nos parece fútil, al siguiente está pleno de significado. Somos nosotros los que somos capaces de transformar esas realidades y dotarles de una interpretación propia y siempre acertada.

El objetivo de este Libro de Ensayos con el que colabora ABSOLUT no es otro que mostrar interpretaciones de este gigantesco mundo desde distintas perspectivas, con el Arte como denominador común e hilo conductor. Si bien no hay palabras para describir las emociones más ocultas, debatir y disertar acerca de ellas ejerce una función de psicoanálisis cuasi catártica. Dar rienda suelta a las emociones, a la contracción del estómago, nos libera y nos hace más honestos. Esto es una interpretación, tú tendrás la tuya y, a buen seguro, estaremos de acuerdo en que estamos en desacuerdo. O quizá no.

Una mirada al Japón actual en Mori Art Museum

Written by: Míriam Callejo • 18 mayo, 2016

En el museo tokiota Mori Art Museum, hay una exposición que se repite cada tres años, y de la que este 2016 se puede ver la quinta edición: Roppongi Crossing. Durante los intervalos entre una edición y otra, los comisarios van tomando nota de los artistas y las obras más destacables de artistas jóvenes japoneses para, posteriormente, hacer la selección final de piezas que se mostrarán.

Este año, comisarios japoneses, taiwaneses y coreanos han seleccionado 20 artistas nacidos entre 1958 y 1989 y que, por nacimiento o que personal o profesionalmente, están vinculados a Japón. El variado arco de edades repercute en el también variado listado de técnicas, aunque bien es verdad que en esta ocasión la fotografía tiene más protagonismo que otras. No en vano, la fotografía en Japón está muy presente en la vida cotidiana: los japoneses registran prácticamente toda su vida a través de fotografías.

Con el lema de esta edición, My body, your voice, se pretende dar un aire reivindicativo, mostrando la sociedad nipona actual a través del género, el cuerpo como elemento físico, o la diversidad paisaje social. Dar una visión general de estos, cada vez más evidentes, cambios sociales en Japón, es tremendamente complicado, ya que las férreas normas sociales son rodeadas para lograr ligeras modificaciones o variaciones, en vez de cuestionarlas frontalmente, como haríamos en Occidente. Si esto, además, lo unimos a una globalizada red de medios de comunicación y difusión de información que permite una permeabilidad por parte de una sociedad tan hermética y tradicionalista como la japonesa, así como su influencia en Occidente (es una reciprocidad inevitable, aunque no se muestre ese punto de vista en la exposición), se convierte en una ardua tarea de síntesis.

Roppongi Crossing

Fechas: Hasta el 10 de julio de 2016
Lugar: Mori Art Museum, Tokio

Créditos de las imágenes:
1- You’re mine #001 (2014) de Katayama Mari. Private collection – Courtesy: TRAUMARIS, Tokyo
2- The Age of Guilt and Forgiveness (2016) de Jun Yang. Courtesy: ShugoArts, Tokyo; Vitamin Creative Space, Guangzhou; and Galerie Martin Janda, Vienna
3- Yosegaki (2008) de Goto Yasuka. Collection: The National Museum of Art, Osaka
4- (Im)possible Baby: 10th Birthday Scene (2015) de Hasegawa Ai
5- Flower Names (2015) de Miyagi Futoshi
6- Flower Names (2015) de Miyagi Futoshi