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One Gallery une arte y motor en MULAFEST 2016

Written by: Oscar Garcia Garcia • 23 junio, 2016

El viernes 24 de Junio a las 21 horas se presenta en MULAFEST 2016, One Gallery, un proyecto que aúna diferentes disciplinas artísticas con el mundo del motor. En esta nueva edición del Festival de Tendencias Urbanas organizado por IFEMA Madrid y la comunidad MULA, artistas urbanos toman también el área de Garaje para convertir esta zona del festival en una galería de arte donde el mundo del motor será el protagonista.

Misterpiro, Antonyo Marest, Fernando Maselli, Coco Dávez, Rubén Fdez Castón, Kaufman, Adolfo Calles (Rebellion), Federico Ruiz (CRO), Pepo Rossel (XTR), Valtoron y Nomade Cycles son algunos de los nombres de los artistas que participan este año en el área de Garaje del festival de Mulafest, uniendo arte y motor.

La fotografía, la escultura, la ilustración, pintura, customización y otras disciplinas artísticas, compartirán espacio de Garaje, con más de 60 motos intervenidas y convertidas, de este modo, en auténticas obras de arte. En un formato galería y compartiendo espacio común, se presenta por primera vez este proyecto innovador que trata de poner en alza el valor de algunas de las profesiones y oficios asociados al mundo de las motos, elevándolas a la categoría de obras de arte.

One Gallery 2016

One Gallery fusiona el motor con el arte más actual de la mano de las instalaciones Time del artista Rubén Fdez Castón y Modular de Kaufman; la pieza pictórica The Road de Coco Dávez y escultórica La Familia de Antonyo Marest; las series Skulls del artista urbano Misterpiro, Polígonos Industriales del fotógrafo Fernando Maselli; y los cascos intervenidos por el artista David Mata (DAVE DESIGNS).

Mulafest 2016

Este 2016 el Festival de Tendencias Urbanas de Madrid cumple cinco años y lo hace ofreciéndonos innumerables experiencia de garaje, skate, arte urbano, conciertos, parkour, graffiti, roller, circo urbano… del 24, 25 y 26 de junio de 2016 en IFEMA, Feria de Madrid.

EUROPA, estrella caída/Fernando G. Méndez, estrella naciente

Written by: María Regina Pérez Castillo • 22 junio, 2016

Solo Fernando G. Méndez (Coín, 1988) podía plantear una exposición retrospectiva en los inicios de su carrera: Greatest Hits, y lo hace tranquilo, respaldado por el significado del término “retrospectivo”. Y es que entendemos que lo restrospectivo ha de acontecer al final de la vida del artista, convirtiéndose en una mera revisión de su producción vital. Nos olvidamos de lo mucho que el asunto tiene de “rito de paso”, de etapas quemadas que abren nuevos ciclos, de observación-conclusión. La Empírica (Granada) acoge esta “retrospectiva de juventud”, una selección de los primeros trabajos artísticos de Méndez, época intensamente marcada por la experimentación universitaria, los proyectos site specific y la inexperiencia -en el mejor de los sentidos-, y una declaración de intenciones en la que el artista anuncia cuales son los caminos que habrá de transitar.

Como cabe esperar de este neófito, sus trabajos son dispares y tratan cuestiones de distinta índole, sin embargo, existe un hilo conductor que hilvana toda la muestra: la ironía. Esta es su seña de identidad. La obra de Fernando oscila continuamente entre la crítica y el humor, tomando a veces un tono más grave, y otras más gamberro. Ocurre así en CALORCA (2010), un vídeo en el que el artista y dos amigos más repiten sin parar el apellido del celebérrimo escritor granadino, Federico García Lorca, generando un trifelio simple, un juego de palabras -Lorca, Calor- que nos habla, metafóricamente, del agotamiento y hastío ciudadano frente a la explotación desmedida de la figura del literato -“Lorca me causa calor”, indica el artista-, y es que difícilmente encontremos en la ciudad nazarí una programación cultural exenta de la temática lorquiana. En este sentido Fernando se aproxima al trabajo de Rogelio López Cuenca y a sus críticas sobre el modo en que la ciudad de Málaga ha exprimido la figura de Picasso.

Como podemos observar y a pesar de su juventud, Méndez es capaz de generar interesantes reflexiones sobre identidad sociocultural y política. Así ocurre en Fallen Star (2015), una pieza menos humorística y más crítica que el artista desarrolló durante su estancia Erasmus en Polonia. Fernando decidió trabajar con un supermercado en ruinas de la cadena Biedronka situado en la ciudad de Poznań. El nombre de la cadena, Biedronka, viene de la palabra polaca “Bieda”, esto es, pobreza. Con las maderas de la estructura el artista construyó una estrella rota y desvencijada, que por cierto se echa de menos en la exposición, pues Fernando solo ha presentado material documental de la acción. Este proyecto habría de nacer en Polonia, uno de los países de Europa del este en vías de desarrollo salvaje en el que todavía se están borrando las huellas de un pasado poco glorioso, y en el que conviven realidades de muy distinto signo. Las doce estrellas doradas de la bandera europea se convierten en un proyecto deshecho, edificado sobre escombros, metáfora exacta de lo que es Europa, un collage de países y realidades que no casan y al que continuamente le acucian problemas de inmigración, racismo y desigualdad. En la convivencia de una comunidad tan variopinta como es la europea se producen desencuentros y variaciones del patrón social que Fernando ha materializado en Discontinuo (disidencias) (2016).

En la misma línea de análisis y comentario se sitúa Revolution (2013), una pieza mural e instalativa que surge de una serie de indagaciones que el artista hace sobre el término “Revolución”, el cual ha sido machado y vilipendiado históricamente tanto por los medios de comunicación como por quienes lo han reivindicado. La revolución para el artista es un cúmulo de graffitis borrosos sobre la pared, un término poco definido que para unos significa lucha y para otros peligro. Con esta obra, Fernando no solo nos hace reflexionar sobre el sentido de la palabra “Revolución”, sino también sobre las vías de comunicación ideológicas y políticas más elementales (pintadas, posters, panfletos,…) y sobre su efectividad, tema de rabiosa actualidad.

La facilidad de Fernando para generar metáforas en relación a las situaciones político-sociales actuales hace que ciertas obras más íntimas o de temática más banal queden en segundo plano. Ocurre así con S/T (Infinito) (2012) o con Youtube (2015). La primera resulta interesante porque plasma uno de los aspectos más idiosincrásicos de su obra: la insistencia o reiteración sobre un símbolo hasta pulverizarlo -como ocurre en CALORCA o Revolution– . La segunda no deja de ser una carcajada sobre la inutilidad de los objetos que se convierten en ready made.

Greatest Hits es una exposición sumamente descarada e inmadura, un autentico canto a la naturalidad y la espontaneidad de la juventud, una muestra que se inscribe muy coherentemente en el programa de exposiciones de jóvenes artistas de la Facultad de Bellas Artes de Granada, Circuitos 2016. Falta asentar conceptos, definir líneas de trabajo, mejorar algunos aspectos técnicos… pero ésto es algo que Fernando conseguirá con el tiempo. La materia prima de la que parte es de gran calidad.

Artista: Fernando G. Méndez
Fechas: desde el 9 de junio al 4 de julio de 2016
Lugar: La Empírica, Granada

Okuda en la noches de verano de CaixaForum Madrid

Written by: Oscar Garcia Garcia • 22 junio, 2016

Dentro de las Noches de veranos Madrid 2016 que celebra CaixaForum Madrid, Art in Motion invita a uno de los artistas urbanos seleccionados en el Pincel de Cuixart, Okuda San Miguel, a crear una pintura mural en directo; acompañado del DJ Chirie Vegas.

El jueves 23 de Junio dentro de las diferentes actividades de Noches de veranos Madrid 2016, donde habrá conciertos, visitas guiadas y arte en acción; Okuda nos sumerge en su universo de color habitado por la geometría infinita y la figuración orgánica.

Okuda

Nacido el 19 de noviembre de 1980 en Santander y afincado en Madrid desde el año 2000. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Desde sus inicios en el año 1997, sus trabajos en vías y fábricas abandonadas de Santander fueron claramente reconocibles. Pero desde el año 2009, coincidiendo con el tour de iam Project junto a San y Nano4814, su obra alcanza una mayor madurez y un camino más personal. Las estructuras geométricas y estampados multicolores se funden con cuerpos grises y formas orgánicas. Estas podrían catalogarse como Surrealismo Pop con una clara esencia de la calle. Sus trabajos a menudo plantean contradicciones sobre el existencialismo, el universo, el infinito, el sentido de la vida, la falsa libertad del capitalismo, y muestran un claro conflicto entre la modernidad y nuestras raíces, en definitiva, entre el ser humano y él mismo.

Art in Motion

Promovido por la Fundación Cuixart y la empresa Av-drop, Art in Motion, es una plataforma que se pone en marcha para captar y reconocer la trayectoria de artista s urbanos, convirtiéndose en una herramienta para potenciar su talento. Los participantes en esta iniciativa pasan a ser candidatos del Premio Pincel de Cuixart que otorga la Fundación Cuixart anualmente.

CaixaForum Madrid

CaixaForum Madrid se encuentra dentro del Triángulo del Arte, junto al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo del Prado. Su localización privilegiada y su concepción como espacio abierto a todo tipo de públicos, lo convierten en el vehículo perfecto para la divulgación. La propuesta cultural de CaixaForum Madrid incluye exposiciones, talleres, conferencias, debates, ciclos de cine, cursos y conciertos. Además, el centro también organiza actividades familiares para los más pequeños.

Artista: Okuda San Miguel
Fechas: Jueves 23 de Junio 2016. De 20:00 a 22:00h.
Lugar: CaixaForum Madrid

Susana Poyatos homenajea a la mujer trabajadora

Written by: Sara Torres Sifón • 22 junio, 2016

La galería Arancha Osoro se suma a las actividades inscritas en el marco de la Bienal Miradas de Mujeres 2016 con la exposición “La Fábrica”, una propuesta artística de la diseñadora Susana Poyatos.

El proyecto, comisariado por Victoria Arribas, surge de la idea de plasmar y materializar lo que sugiere a la artista el Día Internacional de la Mujer. La serie toma como punto de partida el incendio que tuvo lugar en la madrugada del 25 de marzo de 1911 en la fábrica de camisas TriangleShirtwaist de Nueva York y en el que murieron 146 mujeres ya que los responsables habían cerrado las puertas de escaleras y salidas para evitar robos.

Muchas de las trabajadoras no murieron abrasadas, sino que lo hicieron al saltar de las plantas altas del edificio intentando salvar su vida. El incendio marcó la celebración del Día Internacional de la Mujer Trabajadora, después Día Internacional de la Mujer, que se celebra el 8 de marzo.

La Fábrica es un viaje en el tiempo con un doble objetivo: por un lado, nos recuerda que en pleno siglo XXI pueden suceder, y suceden, catástrofes que recuerdan a la que da origen a este proyecto, aún sigue habiendo fábricas textiles en diferentes países en las que se trabaja en condiciones infrahumanas. Por otro lado, evidencia lo mucho que aún queda por hacer en cuanto a conciliación: lo difícil que es compaginar la vida profesional con la vida familiar, con la maternidad.

A través de indumentaria de trabajo, de prendas que han estado y están presentes en muchos oficios, y que han sido diseñadas, confeccionadas e intervenidas por Susana Poyatos, así como a través de bocetos y dibujos.

El proyecto se completa con una serie de fotografías realizadas por Miguel Ángel Poyatos, las imágenes están realizadas en la antigua fábrica de azúcar de Guadix –lugar aún pendiente de su recuperación como espacio cultural-. En ellas, una mujer madura, bella y serena posa con algunas de las prendas que aquí se exhiben. La modelo, no profesional, es una mujer trabajadora, independiente y pedagoga de profesión. Miguel Ángel la presenta en actitud de reflexión, en un espacio abierto, derruido, que espera ser recuperado.

Sobre Susana Poyatos

Desde 2011 que formó parte del proyecto Estampa DesignPartners, en la Feria de Arte Contemporáneo ESTAMPA, Susana Poyatos ha continuado participando en la Feria con diferentes creaciones, como siempre diseñadas, confeccionadas e intervenidas manualmente por ella misma. Su trabajo ha sido reconocido con diferentes premios: en 1987 obtiene el Primer Premio Moda Joven de Andalucía; en 2013 con su proyecto para ESTAMPA Estructuras en seda, le conceden el Premio de la Asociación Madrileña de Críticos de Arte; en 2015 recibe el Premio Nacional a la Moda a la Excelencia Empresarial PRENAMO.

Así mismo, ha realizado proyectos vinculados al mundo del cine, como el llevado a cabo en el Teatro Isabel la Católica de Granada, en el marco de la III Edición de Retroback -Festival Internacional de Cine Clásico de Granada- (2011) con una recreación de los trajes de Marilyn Monroe.

Tras diseñar colecciones para Cibeles, Fimi y Gaudí, decide emprender su carrera en solitario en el mundo de la Alta Costura creando la marca Slabón. Susana Poyatos tiene el Diploma de Honor de la Ciudad de Granada por todas las colaboraciones relacionadas con la ciudad.

Miguel Ángel Poyatos

Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, diseñador gráfico y fotógrafo. En la actualidad, compagina su carrera como fotógrafo con la enseñanza, impartiendo clases en la escuela de arte, diseño y marketing en Granada; dirige el curso de fotografía digital.

Fechas: Del 23 de junio al 31 de julio de 2016
Lugar: Galería Arancha Osoro, Oviedo

“Motores para el Cambio” MULAFEST 2016

Written by: Oscar Garcia Garcia • 21 junio, 2016

La iniciativa MOTORES PARA EL CAMBIO, un año más, nos invita a vivir experiencias artísticas dentro del festival de tendencias urbanas MULAFEST. La Fundación Voces, el Festival Mulafest y PAC Plataforma de Arte Contemporáneo se unen en MOTORES PARA EL CAMBIO, en busca de la esencia artística de una nueva cultura urbana comprometida y solidaria.

MULAFEST 2016 se convierte en el escaparate perfecto para que MOTORES PARA EL CAMBIO presente su ruta por la cultura urbana, a través de diferentes experiencias artísticas que engloban el diseño, customización, graffiti, escultura, pintura, fotografía, ilustración… Un recorrido que busca impulsar un mundo mejor de la mano de la Fundación Voces, organización sin ánimo de lucro, que lucha contra la pobreza con la fuerza transformadora del arte y la cultura.

Dentro del circuito solidario de MOTORES PARA EL CAMBIO en MULAFEST, que podréis visitar del 24 al 26 de Junio en IFEMA Madrid, se presenta:

El proyecto TESELAS, donde el artista urbano Kaufman creará un mosaico en el suelo de Mulafest, realizado en madera con su ADN de geometría y color. A modo de puzzle, las múltiples piezas de madera irán formando un cuadrado con más de 800 piezas, de las cuales cada visitante podrá elegir su combinación preferida para llevársela de recuerdo. Algunas de las teselas de este mosaico estarán repartida por las calles de Madrid; las personas que encuentren una de estas piezas en las calle pueden acercarse a Mulafest para completar su composición y que el artista se la firme en persona. Para ello el poseedor de esta pieza tendrá una invitación para el festival.

La ilustradora Coco Dávez en su “Post Office”, creará postales personalizadas pintadas a mano en el festival, haciéndonos partícipes de esta especial oficina de correos. Cada persona que visite el stand de Motores para el Cambio en MULAFEST, podrá escribir de forma secreta un mensaje y la dirección donde desea enviar la postal. Simultáneamente Coco Dávez pintará en directo la postal, con su ya característica estética y será introducida en un buzón allí mismo. Tras finalizar la feria todas las postales serán enviadas a su destinatario.

Podrás realizarte un “retrato en transito” de la mano del fotógrafo José Luis Tejedor. Fotografías realizadas partiendo de tomas individuales en un mismo lugar, durante un periodo de tiempo. El resultado final es una composición de entre 10 y 20 capturas individuales, combinadas como si de transparencias se tratase. Tras ser fotografiado tu retrato será enviado en formato digital por mail, pudiendo compartirlo, enviarlo o subirlo a rrss en el instante, y así entrar en el sorteo de una obra fotográfica de la serie “Tránsito”.

La figura geométrica fetiche del artista urbano Antonyo Marest, el “hundimiento”, se transforma un objeto de customización para los visitantes de Mulafest. Esta figura pseudo triangular representa el carácter luchador de la sociedad actual para salir del “hundimiento” económico, social y moral, en el que nos encontramos actualmente. En este taller se ofrece al visitante ser parte de este proyecto creando su propio hundimiento, una pieza para coleccionar, regalar o fotografías en diferentes ubicaciones y subir a rrss.

El proyecto “Presentes” del artista urbano Misterpiro estará formado por un gran mural subdividido y realizado en directo. Un mural formado por más de 190 pequeños grabados de calaveras que serán intervenidas por el artista in situ. El color se apoderará de cada obra seriada convirtiéndola en una pieza única. El visitante elegirá su calavera, que será desprendida del mural.

De la mano de Royal Enfield podremos ver como como seis artistas pintan en directo seis depósitos de sus singulares motos. El arte urbano, la ilustración, la geometría y la figuración llenan de color esta emblemática marca de motocicletas india Royal Enfield. Los artistas que realizarán las intervenciones de los depósitos serán: Susie Hammer, Jofre Oliveras, Misterpiro, Kaufman, Antonyo Marest y Coco Dávez.

Motores para el Cambio

Es mucho más que un proyecto, una iniciativa sobre ruedas que nace con el objetivo de construir un mejor mundo entre todos a través de la cultura. Un punto de encuentro para todos aquellos que creemos que un mundo mejor es posible y todas aquellas personas comprometidas con lograr el cambio social a través de la cultura y la creatividad. Un cambio social que empezó sobre dos ruedas, cinco vespas customizadas por artistas, en un recorrido de lucha contra la pobreza a través de la cultura. Este circuito apasionante y solidario llega a una de sus paradas principales: MULAFEST 2016. En ese camino se han ido uniendo compañeros de viaje, amigos y nuevos motores para este cambio.

MUROS 2016: Making of

Written by: DDR • 21 junio, 2016

El próximo miércoles 22 de junio concluyen las intervenciones de la segunda edición de MUROS TABACALERA 2016. Las creaciones de los veinticinco artistas participantes giran en torno al concepto de Naturalezas Urbanas, os invitamos a ver cómo trabajan y el making of de los proyectos integrantes en MUROS 2016.

Los 25 artistas participantes en la segunda edición de MUROS TABACALERA 2016 son: Add Fuel, Alice Pasquini, Animalitoland, Antonyo Marest, Btoy, Casassola, Chincheta, Dadi Dreucol, Demo, Digo Diego, Doa Oa, Gola Hundun, Grip Face, J.M. YES, Julieta XLF, Koctel, Laguna, Lelo, Lolo, Nano 4818, Nuriatoll, Okuda, Ruben Sanchez, Tellas y Zosen.

La iniciativa está organizada por Madrid Street Art Project para la Subdirección General de Promoción de Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

Madrid Street Art Project es una organización dedicada a propiciar, apoyar y poner en valor el arte urbano a través de la realización de proyectos y actividades relacionadas con la intervención artística en el espacio público. Entre estas actividades están los safaris urbanos o los talleres con artistas; la mediación para la intervención artística en espacios públicos y otras iniciativas de interés, partiendo de la escena de Madrid y con el objetivo de contribuir a la reflexión, animar a los ciudadanos a disfrutar del arte urbano y respaldar a sus creadores.

Artistas contra el Amianto

Written by: Oscar Garcia Garcia • 21 junio, 2016

Los artistas Omar Jerez y Julia Martínez presentan la primera plataforma en España de “Artistas contra el Amianto”, con intención de dar visibilidad a un genocidio silencioso. “Las autoridades médicas demostraron que los productos relacionados con el asbesto/amianto provocan cáncer con una elevada mortalidad desde los años 1906”.

A través del arte contemporáneo y con el trabajo de artistas como Nino Maza, Cèline Beslu, Santiago Pani, Germán Piqueras, Kaufman, Vega Berdón, Carmen Casanova, Paloma Rodera, Enrique Yáñez, Omar Jerez y Julia Martínez se mostrará de una forma cruda y sin edulcorantes una exposición cuya finalidad es invitar a los ciudadanos a realizar un ejercicio reflexivo sobre lo qué es el Amianto y las secuelas tan letales que tiene tanto humanas como medioambientales. En palabras de Omar Jerez, “considerado el mayor genocidio laboral de la historia de la humanidad”.

El próximo viernes 24 de Junio a las 20:30h. tendrá lugar la inauguración y dónde mejor que en la localidad de El Provencio al albergar uno de los mayores cementerios de Amianto de España.

Amianto

Desde 1935 se conocen los primeros trabajos que relacionan científicamente la exposición al asbesto con el cáncer de pulmón y en 1947 se describen los mesoteliomas de pleura y peritoneo, y hoy día se reconoce que el amianto es la más conocida de las sustancias industriales relacionadas con el cáncer de pulmón. En el año 2002 se prohibió su uso en España y se comenzaron las labores de retirado de dicho material, pero ¿dónde va todo ese material? Uno de los mayores vertederos de amianto en España está localizado en un pueblo de Cuenca, El Provencio. En lo que llevamos del 2016 ya han sido enterradas 1500 toneladas, algo desconocido por los habitantes de dicho pueblo hasta hace poco.

Artistas: Germán Piqueras, Carmen Casanova, Cèline Beslu, Nino Maza, Santiago Pani, Enrique Yáñez, Paloma Rodera, Kaufman, Vega Berdón, Omar Jerez & Julia Martínez
Fechas: Del 24 de Junio al 10 de Julio de 2016
Lugar: Casa de la Cultura, El Provencio (Cuenca)

Tamara Feijoo: “La imagen fantasma”

Written by: Sara Torres Sifón • 20 junio, 2016

El nuevo proyecto de Tamara Feijoo titulado “La imagen fantasma” puede visitarse en el espacio de la galería Marisa Marimón hasta finales de septiembre. En el proyecto la artista reflexiona sobre conceptos muy presentes en su obra: el paso del tiempo, la fugacidad, la trascendencia, la persistencia, el recuerdo…

En “La imagen fantasma” encontramos trabajos sobre papel que componen una serie en la que el protagonismo lo tienen las huellas y los rastros que la luz y el espacio dejan con el paso del tiempo.

La artista nos explica que “en esta nueva serie los gofrados que representan las huellas de termitas sobre papel y madera se convierten en abstracciones y conviven con trampantojos y papeles que se han vuelto transparentes, frágiles y etéreos, así como con la utilización del espacio como parte integrante de la obra, rompiendo de esta forma con las dos dimensiones y generando un dibujo expandido.

En todas estas piezas hay una finalidad: dibujar por medio del volumen, la impresión y la marca, dibujar con luces y sombras para hablar de fugacidad y persistencia y, en definitiva, de recuerdo.”

Sobre Tamara Feijoo

Tamara Feijoo (Ourense, 1982) Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Pontevedra, compagina su actividad artística con trabajos de diseño e ilustración. Utiliza como medio de expresión el dibujo y la pintura.

Ha realizado exposiciones individuales en la Galería Estampa de Madrid, Galería Marisa Marimón de Ourense, Casaborne de Málaga, Sala Alterarte de Ourense, Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa y colectivas en Galería Marisa Marimón, Auditorio de Galicia, Fundación Luis Seoane, Marco de Vigo, Centro Torrente Ballester, Centro Cultural Novacaixagalicia, , Itinerancias Injuve, Fundación Fernando Mª Centenera Jaraba, Fundación Newcastle etc.…. Recibiendo varias becas y premios entre los que destacan: Premio Julián Trincado, segundo premio del “X Certamen de Artes Plásticas de la Diputación de Ourense”, Beca de Creación Artística en el Extranjero Gas Natural Fenosa 2011, Accésit en el Auditorio de Galicia 2009….

Fechas: Del 17 de junio al 30 de septiembre de 2016
Lugar: Galería Marisa Marimón, Ourense

Delimbo Gallery redescubre a Rorro Berjano

Written by: Oscar Garcia Garcia • 20 junio, 2016

El regreso de Rorro Berjano (Don Benito, 1979) a la escena artística se ha convertido en todo un acontecimiento. Los culpables son Seleka y Laura Calvarro, artistas que dirigen Delimbo Gallery desde hace diez años, que convierten el espacio sevillano en su primera comparecencia en solitario en la galería de arte urbano.

El artista extremeño, con “Santos, difuntos, dieux et fétiches”, funde la cosmología afrocubana con el graffiti, la decadencia de la sociedad de consumo o el imaginario de los ídolos caídos. Os invitamos a recorrer Delimbo Gallery a través de las obras Rorro.

“Para eso, el íntimo lugar de Delimbo Gallery, se presenta como soporte parabólico para que el artista nos describa sus agudezas. Un receptáculo que funciona como apéndice o dilatación del pretérito y une de forma dúctil dos polos que, separados por casi siete años, son el cauce de un viaje de ida y vuelta (“De ida y vuelta” fue el nombre de la exposición que Rorro Berjano realizó en el Centro Cultural San Jorge, en Cáceres, en el año 2007, donde ponía en manifiesto su inclinación por el éxodo migratorio, la articulación mecánica de lo insular y la dimensión espiritual de un destino)” Marcos Fernández.

Delimbo Gallery

Delimbo es una galería de arte especializada en arte urbano y contemporáneo nacional e internacional & representa artistas como Hell’o Monsters, Nano4814, Suso33, Jon Fox, Eltono, Boris Hoppek, Momo, Daniel Muñoz “SAN”, Felipe Pantone, 3TTMAN, Hervé di Rosa, Manuel Calvarro, Nuria Mora, Maria José Gallardo, Okuda, Rorro Berjano & Mr. Kern.

También, asesora a coleccionistas que desean comenzar una colección de arte urbano, así como ampliar una colección ya existente. Fomentar el coleccionismo de street art es uno de sus mayores retos.

Los directores del espacio, Seleka y Laura Calvarro, provienen del mundo del graffiti y el arte, es por ello que cuidan la selección de artistas ofreciendo una programación diferente al resto del panorama galerístico Español, situando a Delimbo como una de las galerías de street art & arte contemporáneo de referencia a nivel internacional.

Delimbo es el Oasis de la creación contemporánea en Sevilla. Un espacio modernista del arquitecto José Espiau de 1919 recien remodelado en el enclave de la plaza de la Encarnación (Las setas) y plaza de la Alfalfa, en la calle Perez Galdos nº1 del centro de Sevilla. (Soho Benita)

En la boutique Delimbo shop, encontrarás Obra Gráfica, Art Toys, Moda con firmas como Huf, Lazy Oaf, The quiet life, Parra o las ediciones de los artistas de la galería, Libros, Complementos & Ediciones Limitadas.

Artista: Rorro Berjano
Fechas: Del 2 de Junio al 10 de Septiembre de 2016
Lugar: Delimbo Gallery, Sevilla

Swinton Gallery celebra su segundo Aniversario

Written by: Oscar Garcia Garcia • 20 junio, 2016

Swinton Gallery cumple dos años y lo celebra con una exposición colectiva muy especial. DOS la forman las obras de 23 artistas, que vuelven a exponer en las salas de Swinton para celebrar su segundo aniversario.

El objetivo de Swinton Gallery con esta colectiva es ser fiel al eslogan con el que nació: “Brave art, Brave people”. Arte para personas que se atreven enfrentarse a aquello que, desde ese mismo instante, puede cambiarles la vida. Y los encargados de darle forma E1000, S.A.M, CRIN, RALLITOX, LAGUNA, ANDRÉS SENRA, ANTONIO FELIZ, PABLO S. HERRERO, ANTONYO MAREST, VÍCTOR SOLANA, FLANKO, DOSJOTAS, JOSÉ SALGUERO, Edgar Flores SANER, Javier Iglesias GNOSICK, KYLE HUGHES-ODGERS, PACO Y MANOLO, ROBERT HARDGRAVE, JUDAS ARRIETA, RAISA MAUDIT, OSKAR MARÍA RAMOS, SPIDERTAG y RURRU MIPANOCHIA.

En mayo de 2014 abría las puertas de Swinton Gallery. Desde entonces, las dos salas que componen el espacio expositivo han presentado el trabajo de decenas de artistas en todas sus disciplinas. Una línea variada que pasa por la abstracción, el graffiti, la figuración y el arte más reivindicativo. Entre los artistas cuya obra ha pasado por la galería, y que componen la exposición DOS, hay reconocidas firmas nacionales e internacionales que forman parte del movimiento artístico actual más dinámico, imprevisible y vivo.

Swinton Gallery

Swinton Gallery, está concebido como un punto de encuentro para creadores de múltiples disciplinas que trabajan con los códigos y lenguajes más actuales. Un espacio singular de más de 200 metros cuadrados dividido en dos salas polivalentes, que darán cabida a proyectos artísticos que van desde el arte urbano hasta la ilustración y la fotografía , y que nace con vocación nacional e internacional. Artistas que hablan de la naturaleza humana y que se atreven a enfrentarse a ella.

Un espacio particular, con decenas de columnas de hierro colado, que permite dividir el espacio y completar la programación de exposiciones con otros eventos como presentaciones, charlas y proyecciones.

Además, Swinton Gallery, apuesta por ofrecer a sus artistas una residencia y un lugar de trabajo y producción dentro del mismo espacio de la galería. De esta forma, cada artista podrá adaptar su proyecto al espacio de la galería e intervenirlo con la fuerza de la experiencia vivida. El objetivo: Dar al artista la posibilidad de sumergir a espectadores y coleccionistas en su universo artístico y su obra de forma espectacular.

Fechas: Del 17 de Junio al 23 de Julio de 2016
Lugar: Swinton Gallery, Madrid